Black Rebel Motorcycle Club - Take Them, On Your Own (2003)

Vamos a comentar otro de los discos de Black Rebel Motorcycle Club para que quede bien claro de que para nosotros se trata de una de las mejores bandas de los últimos años. Hace mucho tiempo reseñamos el mítico Howl y comprobamos como a una banda de noise le viene muy bien el folk. Después nos fuimos hasta los orígenes para deleitarnos con la soberbia factura del BRMC y sus canciones con magnífica pegada. Tampoco nos olvidamos del maravilloso EP de Howl Sessions con algunas baladas y otras canciones acústicas que resultan una delicia.

Lo cierto es que Black Rebel es una banda que consiguió cautivarme desde la primera vez que la escuche, pasando a ser mi grupo favorito de siempre, y con el tiempo desarrollar una adicción difícil de superar a cualquiera de sus discos. Por eso he decidido que cada cierto tiempo hablaré de algún disco suyo, hasta completar toda su discografía. Comprobaremos como se trata de un grupo que a pesar de que cada disco sigue manteniendo el estilo inconfundible, se aprecian sutiles cambios.

Lo cierto es que a Black Rebel Motorcycle Club nunca le han tomado muy en serio. A pesar de conseguir bastante murmullo a raíz de su debut gracias a enormes éxitos como 'Love Burns', -la que para mi es una de las mejores canciones que se hayan hecho los ultimos quince años- pero diversos problemas entre algunos miembros de la banda y líos con las discográficas les han dado una fama de inconsistentes que les ha impedido llegar a la cima de los grandes grupos de rock del momento. Se han quedado a las puertas del éxito mientras los Strokes o Kings of Leon han saboreado la fama y el reconocimiento mundial. Pero Black Rebel se han quedado en un relativo anonimato, llegando casi a arruinarse varias veces, sacando discos con absoluta libertad creativa y haciendo giras sin levantar mucho ruido. En parte la grandeza de la banda consiste en seguir manteniendo el perfil bajo, haciendo la música que ellos quieren y disfrutando en el proceso. Quizá sea ese el espíritu del rock and roll.

Nos encontramos con este Take Them On Your Own, cuando todavía estaban en la cresta de la ola. Después de su enorme debut la gente esperaba ansiosa este segundo disco, y fue entonces cuando mucha gente comenzó a decepcionarse. La atmósfera del disco es mucho más oscura y opresiva respecto al debut, con un conjunto de canciones que se desmarcan del shoegaze mas blandito que venían enseñando en sus inicios. Todo el sonido esta mucho más cargado de distorsión y las canciones son mucho más guitarreras. Supongo que la banda, decidió cambiar hacia un sonido más sucio, con el intento de desmarcarse de la tendencia actual.

Por si esto fuera poco nos encontramos con canciones y letras muy críticas con la situación política del momento, que les hizo ganarse un poco de mala fama en Norteamérica, por criticar la gestión del gobierno con respecto a la guerra de Irak, tal y como podemos comprobar en canciones como 'Generation' y 'US Goverment'

Take Them On Your Own no es un disco fácil. Bueno, hay que partir de la base de que ningún disco del grupo es fácil de digerir en un principio, pero este caso se acentúa especialmente en este álbum. El sonido de la banda siempre se ha caracterizado por no ser excesivamente pretencioso, las canciones siempre suenan un poco más sucias de lo que deberían, como si trataran de pasar desapercibidos y no recibir demasiada atención. Es difícil encontrar un hit inmediato en el disco, y ahí radica la grandeza de la banda, ya que obliga al oyente curioso a sumergirse en el grupo y escuchar varias veces el álbum. En un instante, llega la verdadera sorpresa cuando por arte de magia todo parece encajar en este Take Them on Your Own.

Desde el primer momento encontramos a la banda con las cosas mucho más claras que en el debut. 'Stop' se nos presenta con una gran potencia instrumental, construyendo un muro de sonido espectacular, perfectamente apoyado por la voz de Peter Hayes. Nos viene a la memoria inmediatamente el estilo de Jesus and Mary Chain, pero aquí hay menos sentimentalismo y mucha más actitud. 'Six Barrel Shotgun' nos enseña la cara más agresiva y punk de la banda, que siempre se atreven a regalarnos alguna canción de este estilo en cada álbum. Rápida y acelerada, se les escucha transmitir una actitud confiada y comprobamos como se trata de una banda que ha madurado mucho en poco tiempo.

'Were All in Love' rescata el sonido mas clásico de los comienzos del grupo. Es una canción más relajada que la anterior, y que podría considerarse como la segunda parte de ‘Love Burns’. Incluso podemos llegar a pensar que la letra es un pelín cursi, pero sin duda la potencia instrumental que derrocha la convierte en una canción irresistible. El coro está muy logrado y se nota aquí a un grupo perfectamente acoplado, arropados por el buen trabajo en la batería de Nick Yago. 'In Like the Rose' tiene un toque mucho más shoegaze, donde la banda baja el ruido pero mantiene la intensidad latente. El grupo vuelve a clavarlo con otro estribillo de esos que se acaban grabando en la cabeza del oyente y que invitan a subir el volumen al máximo. El final de la canción es memorable, con la muralla sónica que van construyendo en su máximo apogeo y derrochando talento por los cuatro costados.

 El tramo central del disco es un poco más ruidoso y menos focalizado, pero aun así merece la pena escuchar canciones que resultan un buen complemento. Posteriormente llegara un tramo casi acústico, de la cual destacaremos a 'Suddenly'. Se trata de una balada con mucha carga sentimental, quizá anticipándose un poco al concepto que expandirían en Howl. Para mí es una grandísima canción, que va ganando cadencia hacia el final del tema para cerrar magníficamente. Instrumentalmente esta comedida pero aun así hacen un gran trabajo. La letra leída con atención resulta desgarradora:

''You can't live This life for me

But I can't, you have control

I can't last. Tonight turns to day

I can't find The words to say

It all stops When kingdom comes''

''Suddenly I was free

You left me without anything

Suddenly I was free

You shot me in front of everything''

El grupo vocalmente hace un gran trabajo para esta canción, consiguiendo ampliar el registro de la banda. Es un gran acierto que BRMC se lanzara a hacer canciones así, ya que consiguen dotar de mayores capacidades a un grupo y así evita que se encasillen. Como decíamos, en Howl seguirán ampliando esta senda logrando la cara opuesta a este Take Them on Your Own.

Lo cierto es que no tengo ningún disco preferido de la banda, ya que según el momento todos me gustan en la misma medida. Este disco nos muestra una cara agresiva de la banda, mostrándonos su actitud y su frescura. A la crítica no le gusto mucho este disco, ya que todo el mundo tenía en mente otra clase de álbum y se sorprendió al encontrarse con esto. Al fin y al cabo se trataba de rock & roll y Black Rebel Motorcycle Club intentó salvarlo... a su manera. Disfrutadlo.

Los Temazos: Stop, Six Barrel Shotgun, We're All in Love, In Like The Rose, Generation, Suddenly, Rise or Fall.

Etiquetas: Alternative Rock, Noise Pop, Noise Rock.

Alice in Chains - Dirt (1992)

  

Posiblemente el mejor disco de la era Grunge. Ahora es cuando pueden los fans de Nirvana despacharse a gusto, diciendo que el Nevermind es y será el mejor disco de dicha época y semejantes chorradas. Nevermind vendió aproximadamente 30 millones de copias mientras que este Dirt apenas rozó los 5, que sigue siendo un número bastante importante para la época. Quizá la razón de esta diferencia se trata de que Dirt sea un disco ínfimamente más crudo, realista, sincero y terrorífico que cualquier disco de Kurt Cobain. Este disco refleja con absoluta fidelidad lo que es el descenso a los infiernos de un adicto a la heroína como era Layne Staley.

Prácticamente todos los miembros de Alice in Chains pasaban por sus peores momentos en la vida en el momento de grabar este disco, ya que algunos habían perdido a familiares y otros a buenos amigos. La mayoría estaban consumiendo heroína, marihuana, ansiolíticos y alcohol en grandes cantidades. Layne estaba tan enganchado que se pinchaba en plenas sesiones de grabación, sin importarle la presencia de los demás. Toda la basura por la que estaban pasando se refleja en el sonido y las canciones de este disco.

Dirt refleja la cara oscura del rock de los 90. El grunge había salido prácticamente de la nada en la zona de Seattle gracias a grupos como Soundgarden o Mother Love Bone (Lo que posteriormente seria Pearl Jam) y para 1991 con el lanzamiento de Nevermind todo cambio para siempre. Las bandas punteras de Seattle comenzaron a vender millones de discos, a tener sus videos a todas horas en la MTV y a recibir gran cantidad de premios y atención mediática. Y aquello fue lo que empezó a matar al grunge y sus propios integrantes: la incapacidad de digerir un éxito masivo que ellos nunca buscaron y el hecho de tener que lidiar con sus propios demonios internos hicieron caer a muchos artistas en la drogadicción y a otros en el suicidio. Muchos no soportaron ver su música convertida en mercancía, por el efecto de arrastre que tuvo un género musical en la moda, la televisión y la cultura de la década.

La poderosa voz de Layne Staley venía acompañada por el guitarrista Jerry Cantrel, responsable de la creación de unos riffs de muy buena calidad y con un estilo particular. Su capacidad para crear un sonido áspero y decadente sirve para potenciar las letras de Staley. Estas canciones líricamente tienen una potencia y carga emocional brutales haciendo parecer al Nevermind un juego de niños. Aquí las letras tienen un mensaje claro y directo que puede llegar a conmocionar al oyente por su crudeza, donde prácticamente la mitad de las canciones hacen referencia indirecta a las drogas o la adicción.

Empieza el disco con la potentísima 'Them Bones', con esos gritos de Layne que pueden hacer estremecernos, luego al final del tema vendrá un solo con pura inspiración setentera que le da un toque magnífico y con fuerza. Esto ya no es el insípido Hair Metal de Motley Crue, esto tiene otro color y definitivamente es el reflejo de otra época muy distinta.

'Rain when I Die' prácticamente lo dice todo con su título. La que probablemente sea una de las canciones mas agobiantes de Alice In Chains. Comienza con el caos de la batería y el bajo trabajando con profundidad, mientras la guitarra de Jerry Cantrel cargada de fuzz nos anticipa lo que vendrá en el resto del tema. Increíble ese momento en el que entra la voz y posteriormente ataca la guitarra. La voz de Layne luce limpia y clara, y cuando llega el momento de cantar aquello de: ‘’Did she call my name?, I think it's gonna rain When I die'' literalmente la canción explota en una bola de sonido que lo captura todo a su paso. Imposible no rendirse ante la capacidad instrumental y lírica de la canción, de la que es junto con 'Would?' para mi la mejor del disco. 

Muy destacables también son 'Down in a Hole' y 'Rooster'. En estas canciones encontramos esa capacidad de mezclar la sensibilidad lírica y vocal con la potencia instrumental del mejor metal. Quizás sea una de las mejores habilidades del grunge: ser capaces de transmitir su música de manera suave y al momento siguiente dar en la cara con un riff monumental.

Para aquellos que sobrevivan al disco al completo, hacia el final se encontrarán con un par de canciones de un nivel magnífico. 'Angry Chair' es brutal con los cambios de ritmo y el trabajo de Layne con las voces, que parecen sonar de ultratumba. Pero de nuevo el estribillo suena amable y consiguen realizar una canción caótica pero adictiva. Quizá haya que hacer un post aparte para 'Would?' la canción que cierra el disco y una de las mejores del grupo. No hay palabras suficientes para describir la calidad asombrosa de este tema. Es lo más parecido a un single de este grupo y fue una de las canciones que mas éxito les dio a la banda. Layne hace una de sus mejores interpretaciones vocales de su carrera, y aunque a veces grita, jamás usa ese recurso para saturar el tema, que resulta simplemente aplastante.

En definitiva, uno de los discos más valientes de la década, y una colección de canciones que reflejan la cara más difícil del Grunge. Layne Staley moriría de sobredosis de heroína en 2002, diez años después de haber hecho historia en la música. Disfrutadlo.

‘’Líricamente es todo lo que Kurt quiso decir en el Nevermind pero no pudo. Por eso, a mi punto de vista, éste es el non plus ultra del Grunge y el que verdaderamente resume todo lo que el género debería ser.’’  (Corvan)

Los Temazos:  Them Bones, Rain When I Die, Down In A Hole, Rooster, Angry Chair, Would?

Etiquetas: Grunge, Hard Rock, Heavy Metal, Alternative Rock.

The Mars Volta - De Loused in the Comatorium (2003)

Es normal sentir escalofríos en el momento en que empieza a sonar ‘’Son Et Lumiere’’, un tema que consigue emocionar ante la espera de lo que nos viene encima: la explosiva ‘’Inertiatic Esp’’, cuya descarga inicial puede hacer que alguno caiga del susto al suelo.

Estamos hablando de Mars Volta, el grupo que surgió de las cenizas de At The Drive In. Cuando el anterior grupo se disolvió, Omar Rodriguez-Lopez y Cedric Bixler-Zavala ya tenían en mente una perversa y fascinante continuación al Post Hardcore que había hecho vibrar al público a finales de los noventa.

Pero hay que advertir que esto no suena para nada a At the Drive In, pero comprobamos en sus canciones cómo la rabia y la furia se mantienen intactas, con composiciones igual de directas pero doblemente complejas respecto a su anterior grupo.

Siguiendo con el album, ‘’Roulette Dares’’ es la canción absoluta de Mars Volta, la que probablemente sea la mejor pieza de música que hayan hecho jamás. Una jodida explosión de sonido que comienza apabullando y destrozando todo a su paso, donde posteriormente vendrá un tramo tranquilo que irá sembrando el terreno para el resto del tema. En el momento en el cual la canción llega al estribillo es sencillamente como tocar el cielo. Instrumentalmente la canción tiene un nivel que roza la perfección en las partes potentes y que saben de dotar al tema de sensibilidad en los momentos más tranquilos. En toda su discografía posterior, aunque lograrán hacer temas memorables, nunca podrán igualar el derroche de talento y calidad que despliegan en esta canción.

El grupo quizás encontró su sonido más puro y accesible para la multitud con este álbum debut, posiblemente influido por la necesidad de hacer un trabajo que gustara. No sabemos si fue por la presión de la discográfica de turno o por otros motivos, aunque lo cierto es que quedó un disco redondo. La trayectoria que ha seguido esta banda ha venido determinada por la necesidad del cambio continuo, con los muy experimentales Frances the Mute (2005) y Amputhecture (2006). Disfruté mucho con The Bedlam in Goliath, que fue publicado en el año 2008, donde los aspectos experimentales se iban apagando y aparecían ante nosotros canciones más cohesionadas y repletas de fuerza, recordando mucho a los comienzos del grupo.

Mars Volta en este último tramo ha seguido variando y tratando de innovar en su sonido, prueba de ello es la publicación de Ochtaedron (2009), un disco parcialmente acústico y con mucha menor presencia instrumental, pero igualmente interesante. La prueba de fuego ha venido este año 2012 con Noctourniquet, que resulta un disco rupturista con respecto a la tendencia que venía llevando la banda. Quiero pararme a comentar a Noctourniquet valorándolo  como un paso adelante para el grupo, expandiendo aún mas sus horizontes musicales a la vez que conseguían canciones memorables. El hecho de haber decidido quitar protagonismo a las guitarras en sus últimos discos no hace sino sumar puntos a su valentía creativa y seguir reforzando la idea de que Mars Volta es una de las mejores bandas de este siglo XXI.

Y volviendo a De-Loused in the Comatorium, solo queda decir que resulta el mejor disco para aquellas personas que no conozcan mucho a esta enorme banda, el primer paso de un viaje extraño e hipnótico por el universo de Mars Volta. Disfrutadlo.

Etiquetas: Post-Hardcore, Rock Progresivo, Heavy Metal, Rock Alternativo.

Los Temazos: Inertiatic ESP, Roulette Dares, Eritarka, Cicatriz ESP.

At the Drive In - Relationship of Command (2000)

Hoy os traigo uno de los mejores y más agresivos discos que se hicieron en la década pasada. Este grupo de chavales son los que posteriormente fundarían Mars Volta, pero antes de comenzar esa época experimental y progresiva, con At the Drive-In nos mostraron su lado más directo y combativo. Con mucha influencia del grunge noventero, pero con muchísima más ira se nos presenta un disco muy fuerte desde los primeros compases.

Una retahíla de canciones potentes que casi no deja espacio para que el oyente respire. Apenas hay tregua hasta que llega 'Invalid Litter Department', una canción dedicada a las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez. Al ser la banda ubicada en la frontera entre México y Estados Unidos, vieron la necesidad de hacer un tema con bastante conciencia social y letras muy críticas contra todo lo que estaba sucediendo en aquella zona.

Tampoco debemos olvidarnos de la sublime 'One Armed Scissor', que resulta un auténtico himno de su generación, y un tema que se desmarca de los demás como lo mejor del disco. Sin duda, este álbum de At the Drive-In es algo que merece la pena escuchar. Esperamos que lo disfrutéis.

Los Temazos: Arcarsenal, Pattern Against User, One Armed Scissor, Sleepwalk Capsules, Invalid Litter Departament, Enfilade.

Etiquetas: Post-Hardcore, Alternative Rock.

Oasis - Whatever EP (1994)

Puede que la mayoría de la gente considere a los hermanos Gallagher como unos capullos y engreídos, pero no hay que olvidar nunca el protagonismo que tuvo Oasis en el rock británico de los 90. Fue la banda del momento a mediados de década. Precisamente en aquel momento en el cual la música habia perdido al referente de Kurt Cobain, apenas unos meses después salió a las calles el disco debut de Oasis. Aquel fue el relevo de los dos estilos: El grunge y el brit rock.

La llama del grunge era demasiado intensa como para durar demasiado. Apenas necesitaron un par de años grupos como Nirvana, Pearl Jam o Alice in Chains para dejar una huella imborrable en la música, antes de entrar en una semioscuridad aquel 5 de abril de 1994. LLegaba el momento de mirar al otro lado del atlántico, donde en agosto del 94 se publicaba un disco para la historia, aquel famoso Definitely Maybe. De la noche a la mañana Oasis se convirtió en la banda más grande de Inglaterra gracias a un puñado de canciones magníficas. Después llegaría (What's the Story) Morning Glory?, 'Wonderwall' y la fama mundial.

Quizás hablar de aquellos dos discos sea demasiado obvio y típico, así que he decido traeros un EP que se publicó entre sus dos obras maestras. 'Whatever', para mi es la canción perfecta de Oasis. Tiene ese reflejo del grupo que nos muestra a una banda a punto de alcanzar su techo como artistas. Todavía siguen hambrientos y con ganas de llevar su música muy lejos. Es un breve momento en el cual todavía son libres, sin sentir la asfixiante presión del éxito. Estas circunstancias son las que hacen de ‘Whatever’ una canción tan hermosa y perfecta. A la mierda Coca-Cola y sus pastelosos anuncios cargados de un falso positivismo que no resulta beneficioso mas que para sus propios bolsillos. Noel Gallagher no quería trabajar en la industria de la construcción siguiendo las presiones de su padre, el sólo queria hacer música, y por ello escribió en respuesta aquello de "I'm free to be Whatever I, Whatever I choose, And I'll sing the blues if I want''.

Los Temazos: Whatever, Slide Away.

Etiquetas: Brit Rock, Alternative Rock, Pop/Rock

The Chameleons - Strange Times (1986)

¿Realmente los años ochenta fueron tan malos para la música? Se han dicho cosas bastante poco favorables para esta década, y lo cierto es que no hay demasiadas cosas para destacar  si comparamos con otros decenios. Los años 60 fueron una auténtica revolución musical, con el estallido del movimiento hippie y la posterior agitación cultural de las masas. Las mejores bandas del siglo XX surgieron por aquellos días, y se publicaron auténticas obras maestras a finales de los sesenta. En los años 70 el sueño hippie se había desvanecido, pero se expandieron otros sonidos y se seguía haciendo música de una calidad soberbia. El género del rock progresivo tuvo sus días de gloria con bandas como Pink Floyd o Yes, mientras que por otro lado se popularizaron los sonidos más pesados gracias a grupos como Led Zeppelin o Black Sabbath. A final de los setenta se avecinaba una nueva tendencia musical y un drástico cambio en el género, con la proliferación de estilos como el punk o la new wave.

Con la entrada de la nueva década apenas quedaban grupos de aquellos que habían triunfado unos años atrás, y ahora las compañías discográficas con la ayuda de la MTV fueron los encargados de crear a las nuevas estrellas. Por primera vez estaba primando para las discográficas la idea de las ventas por encima de la calidad artística, y quizá fue esa la razón de que apenas se hiciesen un puñado de trabajos que realmente marcaron época. Estamos hablando de unos años donde se popularizaron unos estilos de música de consumo rápido: millones de bandas clónicas de pop metal salían por la tele haciendo el mismo tipo de canción una y otra vez. O grupos de new wave como Soft Cell o Spandau Ballet con sus puñeteros sintetizadores se llevaban la otra parte del pastel. Sin ser música necesariamente mala, su nivel era muchísimo peor respecto a todo aquello que se había estado haciendo unos cuantos años atrás. Apartadas de las tendencias principales de la época, convivían de modo marginal en el underground, bandas de noise, punk y hard rock de inspiración setentera, que tendrían su momento de gloria con el Grunge en los noventa.

Como os decía, la década de los ochenta fue una época oscura musicalmente hablando, pero existen algunos grupos como The Chameleons que merece la pena destacar. Se trata de una banda de post punk, cuya tendencia viene inspirada directamente de los sonidos oscuros que crearon los míticos Joy Division. Pero The Chameleons no fueron una banda tan pesimista ni decadente como el conjunto de Ian Curtis, sino que buscaron conjugar ese sonido misterioso del post punk, pero añadiéndole un tono colorido y vitalista. También hay que señalar que la época en la que estaban influía mucho en su sonido, así que esa pincelada ochentera viene fuertemente imprimida en su sonido.

Nos encontramos con un disco cautivador y con un puñado de canciones de gran calidad para la época, que ganan mucho con la producción tan lograda que tienen. La atmósfera del disco es inmejorable, conseguida gracias a voces con eco y las guitarras con delay. Al fin y al cabo no deja de ser un sonido muy cercano a los esquemas del pop, pero la carga instrumental de las canciones resulta ser muy elaborada, con largos desarrollos, siempre buscando la creación de temas redondos. No hay mucho más que añadir, espero que disfrutéis de este gran disco. Para que luego no se diga que en los ochenta se hacia mala música.

Los Temazos: Mad Jack, Caution, Soul in Isolation, Swamp Thing, Time the End of Time

Etiquetas: Alternative rock, Post-Punk, Pop/Rock

Black Rebel Motorcycle Club - BRMC (2000)

Black Rebel Motorcycle Club se puso en el mapa en el año 2000 con este BRMC y fue considerado uno de los primeros abanderados de la New Rock Revolution que hubo en los Estados Unidos desde el año 2001 hasta el 2004. Forma parte de esa buena hornada de grupos que surgieron por aquellas fechas, como es el caso de los Kings of Leon, Interpol o los Strokes.

Este primer álbum suyo no tiene mucho en común con aquel Howl que revisionamos hace unos meses por aquí. Donde ahora había Country y Folk, en sus comienzos fue noise en la vena de Sonic Youth, Dinosaur Jr o The Jesus and Mary Chain. Un sonido a veces sucio, otras veces muy pulido, que a pesar de ser una banda americana, tenía mucha influencia británica. Nos encontramos con un disco que nos muestra una amplia amalgama de sonidos. Desde la furiosa 'Whatever Happened to My Rock n Roll', que viene muy influida por Iggy & The Stooges hasta otras más psicodélicas o shoegaze como 'Rifles'.

El álbum comienza con 'Love Burns', que resulta lenta pero segura, suave pero a la vez fuerte; con estribillo de esos que se quedan grabados a fuego en la cabeza. El temita va ganando fuerza y cadencia en la parte final, quedándose como un single redondo. Hay que reconocer que es todo un éxito empezar el disco con un temazo así.

 'Whatever Happened to My Rock n Roll', -como decíamos antes- es todo furia y rabia. Es la otra cara del grupo: capaz de hacer canciones sensibleras como la primera, y al de un momento escupirte este otro gran tema en la cara. 'As Sure as the Sun' es otro grandísimo acierto, con un ambiente cargado y desarrollo lento. Sus casi 6 minutos son todo un viaje, con ecos lejanos al heavy psych de los sesenta, gracias a ese tramo final cargado de ruido y distorsión.

‘Rifles’ es otra canción que sigue esa senda, suena algo más moderna, con mucha influencia del shoegaze noventero pero con un lavado de cara del siglo XXI.

Un puñado de canciones tan buenas como estas son las que consiguen poner a una banda en el punto de mira del éxito. Temas así realizados para un disco debut siempre augura un futuro prometedor a una banda, y así ha sido. Quizás no hayan saboreado las mieles del éxito como los Strokes o Kings of Leon, pero nunca han dejado de ser auténticos. Nunca han dejado de mostrarnos su particular visión del rock. Quizá sea por eso que cantaban aquello de 'Whatever Happened to My Rock n Roll' en una época en el cual el grunge llevaba ya mucho tiempo muerto y parecía que el viejo rock estaba apunto de morir.

Los Temazos: Love Burns, Whatever Happened to My Rock n Roll, As Sure as the Sun, Rifles, Spread Your Love.

Etiquetas: Noise Pop, Alternative Rock.

Soundgarden - Superunknown (1994)

Para mí, hay tres o cuatro discos en la historia del grunge que brillan con luz propia y se sitúan como obras maestras de la época. Son discos monumentales, que quedarán como testamento de unos tiempos confusos y extraños. En primer lugar destacaría el Dirt de Alice in Chains, del que espero hablar en este blog en el futuro. En segundo lugar está el disco debut de Pearl Jam Ten, con un puñado de canciones excepcionales. Mención aparte habría que hacer a Nirvana y su Nevermind, que a pesar de que sea un disco del cual sólo tolere unos pocos temas, hay que reconocer su mérito en la historia de la música. Pero por encima de todos esos discos tenemos que descubrirnos ante este Superunknown, que para mí resulta una de las obras más redondas que se hayan publicado en los últimos treinta años.

No se trata de un disco fácil, ya que resulta largo y denso. Se sitúa en un peligroso término medio, pues a los fans de Metallica les parecerá demasiado blandito, y para los de Nirvana o Foo Fighters, demasiado heavy tal vez. Pero en esa tierra de nadie Chris Cornell y los suyos se sienten como en casa, poniéndonos ante esos temazos drásticos y arrolladores como 'Superunknown' nada más haberse marcado una baladita lacrimosa como la de 'Black Hole Sun'. En las quince canciones que componen el disco, hay temazos tanto rápidos como lentos, pero todos ellos con un sonido turbio y pesado, directamente extraídos de los riffs de Black Sabbath y Led Zeppelin.

Podemos considerar multitud de temas, ya que es un disco  casi perfecto, pero de entre todas ellos hay destacar el comienzo con 'Let Me Down', una introducción furiosa y enérgica. Sigue la caña luego con 'My Wave', canción optimista y rebelde sobrada de fuerza, construida sobre un riff de guitarra sencillo pero efectivo. Luego la cosa se relaja con 'Fell On Black Days', un temita más lento que sin embargo demuestra la versatilidad del grupo, manteniendo con todo la tensión latente.

'Superunknown' es un tema rockero de manual, pero a pesar de ser muy típico, se deja disfrutar sin que te dé un respiro. Y luego llega 'Black Hole Sun', una de sus canciones más famosas y memorables. Y no deja de ser curioso que una banda de heavy/grunge triunfe con una balada como ésta, pero así son las cosas.

A propósito, la intrahistoria del tema data del verano del 94, unos pocos meses después de la muerte de Kurt Cobain. Sucedió que la canción comenzó a ser radiada a todas horas en las radios y en la MTV. Y es que aquel aire melancólico y deprimente de la canción sirvió de himno y sonó a modo de elegía para los tristes días en que la comunidad grunge trató de superar la muerte de su ídolo. Una canción de tintes psicodélicos que acabó convirtiéndose en uno de los hits de ese verano.

'The Day I tried to Live' tiene también una fuerza increíble. Comenzando suavemente con una línea simple de bajo, va ganando intensidad rápidamente hasta llegar al estribillo, donde Cornell se deja la piel. Y en los cinco minutos que dura combina partes más suaves y melódicas con otras más poderosas. '4th of July' es un tema lento y pesado, que comienza con un riff que perfectamente podía haber firmado Black Sabbath.

En definitiva, un disco enorme; quizá no sea sabroso para todos los paladares, pero para quienes todavía desconozcan a Soundgarden y quieran disfrutar de las grungerías más auténticas, escucharlo es una obligación. A pesar de que han pasado 17 años desde que se publicó, sigue sonando decidido y fresco como el primer día. Esperamos que lo disfrutéis.

Los Temazos: Let Me Down, My Wave, Fell On Black Days, Superunknown, Black Hole Sun, Spoonman, The Day I Tried to Live, 4th Of July.

Etiquetas: Heavy Metal, Alternative Rock, Grunge

Screaming Trees - Sweet Oblivion (1992)

Los Screaming Trees fue una de esas bandas que no llegaron a triunfar al ser eclipsada por otros grandes grupos de comienzos de los 90. Todos los focos fueron a parar a Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains. Nadie se acordó mucho de ellos cuando 'Nearly Lost You' entró como uno de los temas de la banda sonora de la película 'Singles'. Parecían estar en el momento y el lugar adecuados: una banda bastante rodada, con un sonido similar a la tendencia musical de la época, y que había publicado su mejor disco en el justo instante de la revolución grunge. 

Pero -casualidades de la vida- no tuvieron las ventas ni el reconocimiento de otras bandas del género. La mala relación que tenían los hermanos Conner entre ellos, y su afición por las peleas y la bebida, fracturaron en varios momentos la unidad del grupo, impidiendo que tuvieran la necesaria continuidad. Es por ello que 'Sweet Oblivion' y 'Dust'(1996) quedarán relegados a la categoría discos de culto de los noventa.

No os equivoquéis: aun cuando no haya triunfado en su momento, se trata de un grandísimo disco de grunge y hard-rock, que incluye cierta psicodelia sesentera, ramalazos de folk a lo Neil Young y James Taylor, y que barniza todo su sonido con movidos riffs llenos de fuzz. Cabe destacar también la voz de su cantante, un grandísimo hijo de puta llamado Mark Lanegan. Con una garganta no tan rasposa como la de Eddie Vedder, ni tan estridente como la de Kurt Cobain, su voz alcanzó el estatus de una particular forma de entender el grunge, profunda, abismal y melancólica. Además, nadie como él aguanta el piti mientras canta. Fuerte en las canciones potentes, sensible y delicada en las partes lentas, tal y como observamos en temas como 'Dollar Bill', significa todo un referente en el estilo, el carácter y sobre todo en el gusto que transmite. Un cabrón que puede pasearse por el escenario como un desconocido en mitad de gente como Dave Grohl y demás colegas de QOTSA, por poner sólo este caso.

Desde la primera escucha y volviendo al disco, uno se da cuenta que se trata de un clásico instantáneo: a pesar de estar publicado en el 92, uno siente que el sonido viene como de otro tiempo. Comienza con 'Shadow of the Season', donde el riff inicial, repetido de manera circular, nos sumerge en un ambiente hipnótico. La voz de Lanegan suena cálida y confidencial en todo momento, consiguiendo un sonido homogéneo, un poco sucio pero equilibrado y armónico. 'Nearly Lost You' es su tema más famoso, que parece ir solo, con ese estribillo radio-friendly que les hizo ganar un buen puñado de fans. 

'Butterfly' posee, por otra parte, esa fuerte inspiración psicodélica, tan típica del grunge. Y luego está ''And I'm sick and I wanna go home'', que expresa con perfección ese desdén y alienación de la juventud de la época. Luego 'Troubled Times' lenta, como desganada y sin ímpetu, pero a partir del segundo 50 se arranca con un riff memorable y es esa clase de canción con garra bluesera, de estribillo memorable, cantado a gritos en la parte final. Es sin duda una de las mejores del disco. No hay que olvidarse, por último, de 'No One Knows', que resulta épica y hace gala de un tempo más lento y suavizado. 

En definitiva, merece la pena escuchar el disco, un trabajo que quedará para la historia como una de las joyas ocultas de los noventa. Esperamos que lo disfrutéis.

''All the while you've been sleeping

 Drifting on a wind never blown

 Tomorrow you'll wake up aching

 Wondering how, when no one really knows''

DESCARGA 

Los Temazos: Shadow Of the Season, Nearly Lost You, Dollar Bill, Butterfly, Troubled Times, No One Knows.

Etiquetas: Grunge, Hard Rock, Alternative Rock, Pop/Rock

The Lemonheads - It's a Shame About Ray (1992)

Los Lemonheads en sus comienzos, eran una banda de punk rock de Boston que con el paso del tiempo variaron su sonido hasta realizar un punk pop muy suave. De manera que sus primeros discos de los ochenta resultan irreconocibles del sonido que tendrían en la década siguiente. Hay que destacar, que desde siempre casi todo el peso de la banda lo llevó Evan Dando, vocalista y guitarra principal, sin duda la estrella indiscutible del grupo.

Para 1989, con su tercer álbum: 'Lick', habían expandido mucho su sonido respecto a los inicios, destacando una cover de la mítica canción 'Luka' de Suzanne Vega, que consiguió reportarles nuevo público. Ya no se trataba de canciones punk, sino que ahora las canciones tenían mucha influencia del power pop y del country. A principios de los noventa, consiguieron contrato con una gran compañía, y estaban preparados para conquistar las listas de éxitos.

Con su salto a Atlantic Records, siguieron depurando su sonido, y fueron haciendo temas con gancho, muy accesibles para las adolescentes de los 90. Tras el exitazo de 'Its A Shame About Ray' en el 92, Evan Dando se sumió en las drogas para no volver a la luz hasta varios años después. A partir del 96, la banda ha sido exclusivamente de Evan, y a pesar de editar discos con el nombre del grupo, él era el único motor creativo.

‘Its a Shame About Ray’ no es tan pasteloso como los discos finales de Lemonheads, pero tampoco tiene la crudeza y suciedad de sus comienzos. Es un álbum que se queda en un término medio bastante correcto. Con partes más rockeras y otras más suaves, hechas expresamente para el lucimiento vocal de Evan Dando.

El disco comienza acelerado con 'Rocking Stroll', una canción de punk-pop de manual, que apenas dura un minuto y medio. Un tema rápido, directo y con velocidad, con la voz de Evan Dando con dulzura en algunos momentos y fiereza en otros. En apenas un minuto y medio consigue llamar la atención con uno de los mejores cortes del disco.

Después sigue con 'Confetti', una melodía con gancho, que se repite constantemente ''He kinda shoulda sorta woulda loved her if he coulda'', letras que hacen referencia a amoríos adolescentes. En el último tramo de la canción hay un gran solo de guitarra, que hace recordar que su sonido del pasado no ha quedado atrás. Se trata de un sonido alegre y fresco, muy característico de los noventa. Después el disco se vuelve más popero, en temas como en 'Its a Shame About Ray' y 'Buddy'.

En la segunda mitad del álbum podemos destacar 'Alison Starting to Happen' y 'Kitchen', canciones más rockeras y animadas, en la línea de 'Rocking Stroll'. Y por último, para cerrar el álbum, hay que destacar la magnífica cover de Simon and Garfunkel 'Mrs Robinson'. Esta canción, que originalmente se publicó en el 67,  fue utilizada como banda sonora de la gran película 'El Graduado'. Normalmente, soy de los que piensan que las covers nunca superan a la original, pero en este caso, creo que se trata de un tema que iguala a la de Simon y Garfunkel. A pesar de que inicialmente fuera una canción folk, los Lemonheads son capaces de sacar de la melodía su estilo particular, dándole garra y fuerza, consiguiendo un sonido muy auténtico. Y con razón este fue uno de sus mayores éxitos. Es por ello que este es uno de mis discos favoritos de los 90, y uno de los mejores de dicha década. Recomendable.

Los Temazos: 'Rocking Stroll', 'Confetti', 'Rudderless', 'Alison's Starting To Happen', 'Kitchen', 'Mrs Robinson'

Etiquetas: Alternative Rock, Grunge, Pop/Rock, Punk-Pop

Black Rebel Motorcycle Club - Howl Sessions EP (2005)

Hoy os traigo el EP que surgió de las sesiones de grabación de Howl, disco que posteé hace unos días en este Blog. Fue una edición limitada de canciones no editadas, que se publicó de manera promocional. A pesar de tratarse de descartes o de caras B, las canciones son muy buenas, dignas de haber aparecido en el disco original. Siguen la línea original de 'Howl', canciones con esencia folk y del rock de raices.

Exceptuando las enérgicas 'Wishing Well' y 'Steal a Ride', el resto de las 6 canciones son lentas y sosegadas, con letras reflexivas y cantadas con sentimiento. Algunas tienen mucho sabor de country auténtico, mientras que otras como 'Feel it Now' tienen influencia directa de los sonidos gospel. En definitiva, una magnifica colección de canciones. Totalmente recomendables si os gusto 'Howl'.

Los temazos: 'Steal a Ride', 'Pretend'

Etiquetas: Alternative Rock, American Trad Rock, Americana, Country-Rock.