Led Zeppelin II (1969)

Led Zeppelin se adelantó a su tiempo. Cuando el mundo de la música se estaba lamiendo las heridas con la separación de los Beatles o por la tragedia de Altamont; cuando el verano del amor quedaba como un recuerdo ya muy lejano y la revolución hippie parecía haberse ahogado en sus propias intenciones; justo cuando la gente empezó a dejar de creer en el 'Paz y Amor', un enorme Zeppelín de plomo comenzó a circular por los cielos de Inglaterra.

El disco debut que publicó Led Zeppelin en enero de 1969 fue uno de los discos más grandes que haya habido en toda la historia del rock. Se dice que Led Zeppelin sólo revolucionó la música una vez, y fue con ese disco. De su factura eran las canciones más pesadas que se hubieran hecho jamás. Gracias a enormes temas como la aplastante 'Baby I’m Gonna Leave You' o la genial 'Communication Breakdown' lograron posicionarse como los reyes del hard rock de la noche a la mañana.

Led Zeppelin mataron a los sesenta. Le quitaron toda aquella inocencia a la década: mandaron a paseo a los Beatles, dieron un tortazo a los Rolling y pasaron a liderar la nueva era con un puñado de canciones grabadas en apenas una semana. Y eso que todavía no habían empezado los setenta, pero aquel disco sonaba tan fresco y rompedor que se desmarcó absolutamente de todo lo que se venia haciendo hasta entonces, dando comienzo al sonido que se expandió en la siguiente década. 

El primer disco fue hecho en un breve espacio de tiempo, y aunque mucha gente lo considera lo mejor que hayan hecho jamás, yo he decidido regalaros su segunda obra. Pienso que en este segundo intento, la máquina estaba mucho más engrasada y el sonido gana en fuerza. Partiendo de la ruptura inicial que supuso el Led Zeppelin I, para este segundo álbum el grupo ya conoce sus puntos fuertes y los explota al máximo.

La gente a día de hoy sigue hablando mucho de Led Zeppelin, ya que su influencia en la música actual es innegable. Se siguen diciendo cosas buenas y malas acerca de ellos, pudiendo criticar sus excesos y su histrionismo. Pero de lo que no hay duda es que durante un largo periodo de años, principalmente la primera mitad de los setenta, ellos eran los reyes, con un directo acojonante y demoledor. Fuerza, calidad y carisma, eso era Led Zeppelin.

Los Temazos: Whole Lotta Love, The Lemon Song, Heartbreaker, Ramble On.

Etiquetas: Blues Rock, Hard Rock, Heavy Metal

The Muggs - The Muggs (2005)

Este power trio procedente de Detroit viene con ganas de dar guerra. The Muggs es otra banda que busca rescatar los sonidos de finales de los 60 y comienzos de los 70, como es el caso de Led Zeppelin o Grand Funk Railroad. A pesar de haber surgido en la década equivocada, no hay duda que saben transmitir toda la energía y pasión de aquellos días.

Lo cierto es que ser una banda de rock en Detroit puede ser una carga bastante complicada, al tener que soportar las eternas comparaciones con MC5 o Iggy & The Stooges, pero lo cierto es que superan dicha prueba ampliamente gracias a este disco debut. Se trata de un álbum que desborda intensidad y carácter de principio a fin, ya que no se pierde en laberintos progresivos ni en baladitas folk. Aquí todo lo que hay es rock.

 

Comenzando por la furiosa 'Need Ya Baby', y siguiendo hasta la abrasiva 'Shoul've Learned My Lesson' el disco parece que no pierde fuerza en ningún momento. 'Monster' hace honor a su nombre con un solo de guitarra enorme en la segunda mitad del tema, mientras que 'Said & Done' tiene un sabor añejo que demuestra que siguen existiendo bandas que saben hacer las cosas bien. Esperamos que lo disfrutéis.

Los Temazos: Gonna Need My Help, Rolling B-Side Blues, Monster, Should've Learned My Lesson, Said & Done.

Etiquetas: Blues-Rock, Hard Rock

The Allman Brothers Band - At Fillmore East (1971)

Éste es, probablemente, el grupo que mejor encarna el espíritu musical americano de principios de los 70’s. En una época en la que los invasores ingleses, es decir Led Zeppelin y los Rolling Stones, llenaban los estadios, The Allman Brothers Band se propusieron llegar a lo más alto –y vaya si lo hicieron– con un sonido único: con esa mezcla de rock, blues, country, jazz y psicodelia que nos llega al corazón. Y mientras la banda mantuvo a todos sus componentes, Allman Bros. Band fueron los mejores sobre el escenario. Con este disco capturaron toda la magia con la que bañaban sus directos, verdaderos acontecimientos con los que romper todas las barreras del trabajo de estudio.

Era precisamente en los conciertos donde los Allman Brothers desplegaban su talento y la grandeza de su alma. Su directo era sencillamente espectacular, dominado por largos desarrollos instrumentales por una parte y, por la otra, por momentos jodidamente épicos. En ciertos tramos, funcionaban incluso como una banda de jazz, donde los músicos actuaban dejándose llevar, en esa aparente deriva de la melodía que no obstante sólo los grandes músicos consiguen, alargando además los temas hasta el delirio, y donde cada uno daba, en definitiva, rienda suelta a su virtuosismo. De ahí la increíble explosión de sonido que caracteriza al disco.

Duane Allman era el genio de la guitarra. Su estilo hizo estremecerse hasta al mismísimo Eric Clapton, quien vio en él a una nueva estrella de la eléctrica. Insistió mucho en conocer a Duane. Tanto que finalmente grabaron juntos las guitarras del nuevo grupo de Clapton Derek and the Dominoes. Supongo que muchos conoceréis la canción 'Layla' de Clapton. Pues bien: hay que saber que fue grabada por ambos. Compuesta inicialmente como balada, Duane le hizo un lavado de cara rockero y concibió nuevas partes, incluyendo el mítico fraseo de guitarra inicial. 

Su hermano Gregg Allman era el teclista y vocalista principal, cuyo modo de cantar hacía gala de numerosas influencias de los cantantes soul del momento, ya que la suya era una voz dulce, cálida, pero con un punto rasgado. Si hubiera que destacar a un cantante que ejemplificara el sonido sureño, tendríamos que hablar sin duda de aquel tipo llamado Gregg Allman. 

Este trabajo supuso un enorme éxito para la banda, y por fin a los Allman Brothers se les empezaba a conocer por todas partes. Parecía que estaban a punto de comerse el mundo de un bocado y convertirse en la mejor banda de América. Pero la tragedia tuvo que interponerse en su camino, ya que Duane Allman murió atropellado por un camión mientras conducía con su moto cuando tenía sólo 24 años. Aquello fue un gravísimo golpe para la banda, que casi no tuvo tiempo de remontar el vuelo, ya que apenas un año después otro componente del grupo moría en otro accidente. Esto ya fue demasiado para el grupo, y nada volvió a ser como antes. Tuvieron que llegar los años noventa hasta que la banda volviera a reencontrarse a sí misma y, dotada de nuevos componentes, empezar a recuperar el tiempo perdido.

Por lo tanto, este At Fillmore East queda como un testamento vivo de una banda brillando en lo más alto, con unos músicos de enorme talento en absoluto estado de gracia. El despliegue técnico de los Allman Brothers en este concierto constituye todo un regalo para los oídos. Normalmente, en sus discos de estudio no se puede apreciar nada de la magia que fueron capaces de proyectar en directo. Es por esto que resulta el mejor álbum para aquellos que no conozcan de nada a los Allman Brothers. Un disco que, por sí solo, contiene todo el misticismo, los sueños y la leyenda de aquellos inolvidables 70´s. 

Los Temazos: Statesboro Blues, Done Somebody Wrong, In Memory of Elizabeth Reed, Whipping Post.

Etiquetas: Blues-Rock, Hard Rock, Southern Rock, Jazz-Rock

Duane Allman tocaba su guitarra de la misma forma en que montaba su moto o conducía su coche: era un temerario, totalmente en plan “Dios está de mi lado”. Estaba lleno de energía. Era una fuerza de la naturaleza. Su determinación y concentración, así como su intensa confianza en sí mismo y en nuestro grupo, eran increíbles. Él sabía que íbamos a triunfar. Todos pensábamos que éramos una buena banda, pero nadie más tenía esa total confianza que él sí tenía. Y eso era algo grande, porque su confianza y entusiasmo eran contagiosos 
(Dickey Betts. Guitarrista de The Allman Brothers)

Creedence Clearwater Revival – Cosmo´s Factory (1970)

Aquí os presento el mejor disco de CCR y, para mí gusto, uno de los mejores de los setenta. Tras numerosos cambios durante años la formación definitiva del grupo se estableció en 1968. El verano anterior había sido el verano del amor, pero su estallido psicodélico comenzó poco después a perder fuerza. Por aquel entonces, los sonidos más básicos, sobre todo de inspiración blues y aroma country, marcaron la tendencia predominante de la época. Es por ello que Creedence se encontraba en el momento y el lugar adecuados. En su disco debut consiguieron grandes ventas, gracias a una mezcla perfecta de aires hippies y relatos de la tierra, e influenciados por la renovación rock´n´rollera del country y el blues.

Tras su éxito inicial, en 1969 iniciaron una extensísima gira que duraría todo el año. De mientras, grabaron tres álbumes de estudio. Y no se trata de chapucillas rápidas para aprovechar el tirón mediático. Se trata de obras inolvidables. Canciones como 'Fortunate Son', 'Bad Moon Rising' o 'Down on the Corner' fueron publicadas en ese año. En 1970 dispusieron ya de más tiempo para preparar el que sería su mejor disco. 'Cosmo´s Factory' se postuló entonces como una de las referencias musicales del comienzo de década. El trabajo goza de un acabado más pulido, más variado en contenido. Y sin duda la dedicación al estudio se tradujo en un resultado perfecto de principio a fin, en un clásico imperecedero de la música popular de este siglo. Un rock´n´roll rural, bluesero y mítico. 

Aunque yo considere el disco al completo como una obra perfecta, hay canciones que destacan entre el resto, y a las que debemos prestar mayor atención. El álbum abre con 'Ramble Tamble', una jam de unos siete minutos donde la banda despliega todo su potencial desde el comienzo, con un manejo del tiempo exquisito. El tema arranca con fuerza, para después desacelerarse a partir del minuto dos. Ahí comienza una sección exclusivamente instrumental: una delicia. Poco a poco, vuelve a tomar fuerza, añadiendo más instrumentos a la masa, como el teclado y el solo adicional de guitarra. Y hacia el final estalla el delirio, todo para regresar a los versos del comienzo, como si de un círculo cerrado se tratase.


'Travelling Band' es, por otra parte, un tema de rock´n´roll clásico, cantado con furia por John Fogherty, que nos trae recuerdos de los 50’s. En apenas dos minutos, la banda se despacha bien a gusto, perfectamente acompañada por el saxo y su punto atrevido y descarado. 'Run Through the Jungle' nos muestra luego a los Creedence más reivindicativos. Es un tema con claras alusiones a Vietnam. La atmósfera que desprende este tema es abrumadora, asfixiante; por momentos, consigue trasladarnos a la jungla y la guerra. Muy bueno el comienzo de la canción, cuando Fogherty rompe a cantar y ruge aquello de...

''Whoa, thought it was a nightmare

Low, it was so true

They told me, don't go walkin' slow,

The Devil's on the loose'',

Better run through the jungle

Woa, don't look back to see''

Letras con las que logra introducir a uno en la paranoia y la locura propia de la jungla. Con esta canción de gran trasfondo, Creedence consiguió uno de sus mayores éxitos. 'Up Around the Bend' es otro tema rockero al estilo de 'Travelling Band': corto y bien ejecutado. 'Who Will Stop The Rain' es una preciosa balada de claros tintes antibelicistas, cuya letra no hace una referencia expresa a la guerra, aunque el doble sentido de la palabra 'Rain' es evidente. Un clásico.

Y es que una de las virtudes de la banda fue la de adaptar canciones de otros artistas, y así nos encontramos con covers monstruosas como ' I Heard It Trough the Gravepine', que resulta mucha más agresiva y furiosa que la original de Marvin Gaye. Once minutos de pura música. La atmósfera es similar a la 'Run Through the Jungle', con ese aire oscuro y siniestro. Al igual que la canción que abre el disco, la sección instrumental es acojonante. Merece la pena dedicar un tiempo a apreciar esta joya. Finalmente, el disco se cierra con 'Long As I Can See the Light', otra suave baladita que pone el broche de oro. En definitiva, se trata del mejor disco para empezar a descubrir a esta magnífica banda, y como digo, de una de las mejores obras que se editaron en la década de los setenta.

                                 
                             

Los Temazos: 'Ramble Tamble', 'Travelling Band', 'Run Through The Jungle', 'Up Around The Bend', 'Who'll Stop The Rain', 'I Heard It Trough The Gravepine'.

Etiquetas: Blues-Rock, Rock & Roll, Country Rock, American Trad. Rock.

The Black Keys - Rubber Factory (2004)

The Black Keys son un dúo de blues-rock que se formo en el 2001 en Ohio. Se tratan de el maestro Dan Auerbach a la guitarra y Patrick Carney en la batería. En el comienzo hacían un blues muy crudo y punkarra que han ido depurando con el paso del tiempo, ya que a día de hoy no suenan para nada igual que diez años. Lo suyo ha sido una evolución constante en su sonido disco a disco. En los 6 álbumes de estudio que tienen editados han pasado de comenzar haciendo un blues primitivo a terminar viéndose muy influenciados por el soul o la psicodelia.

Lo que os traigo hoy es 'Rubber Factory', el que yo considero el mejor de sus discos. Se trata del tercer álbum de su carrera, y ahí ya no suenan tan ruidosos como al comienzo ni tan sofisticados como a día de hoy. Un gran disco hecho con la furia y garra características del Blues. En aquella época el grupo estaba expandiéndose, y poco a poco comenzaba a probar cosas nuevas que no se habían atrevido a intentar en los 2 primeros álbumes. Consiguieron alejarse de los esquemas establecidos a los cuales se habían agarrado al principio, para crear su sonido característico y particular

En definitiva, un disco de blues-rock que no se queda anquilosado en el pasado. A pesar de partir de un patrón tan viejo como el blues, los Black Keys le dan su toque fresco y característico y logran un magnífico álbum.

                       

Los Temazos: 'When the Lights Go Out', '10 A.M. Automatic', 'Just Couldn’t Tie Me Down', 'Girl is on My Mind', 'Stack Shot Billy'

Etiquetas: Blues-Rock, Punk Blues, Alternative Rock.

Traffic - The Low Spark Of High Heeled Boys (1971)

Traffic fue una banda que durante los 60´s y 70´s tuvo un concepto muy amplio del rock. Su sonido abarcaba multitud de estilos, desde el jazz y el folk hasta el progresivo, siendo por ese motivo uno de los grupos más singulares que surgieron en dicha época.

Hay que destacar por encima de todos sus componentes a Steve Winwood, el talentoso vocalista de la banda. Había comenzado en el mundillo de la música a la edad de 14 años, siendo el cantante de Spencer Davis Group a mediados de los Sesenta.

Pero a medida que pasó el tiempo, se aburrió de cantar las típicas canciones pop de la época, y decidió que era el momento de expandir sus horizontes musicales. Con Apenas 19 años, en 1967 fundó la banda Traffic con unos cuantos colegas de estudio, y un año después sacaron el álbum homónimo que les dio un par de éxitos.

El sonido por aquella época del grupo, era el blues-rock típico que se hacia en Inglaterra por aquellos días, con mucha influencia del folk y la psicodelia. Después de los éxitos logrados, Traffic se disolvió a causa de las tensiones internas con algunos miembros.

En 1969, Steve Winwood se convirtió en el vocalista de la nueva banda de Eric Clapton, que acababa de dejar Cream. Blind Faith, que así se llamaban, apenas estuvieron un año juntos, el tiempo suficiente para publicar un disco. Con el virtuosismo de Clapton a la guitarra, apoyado por el bajo de Ginger Baker y la soberbia voz de Steve Winwood, sacaron un álbum que marcó el punto y final a los Sesenta, quedándose como una pequeña gran joya de la década. Después de la experiencia en Blind Faith, Steve Winwood volvió a unir a los Traffic, y posteriormente, en el 1971 sacaron uno de sus mejores discos: ‘The Low Spark Of High Heeled Boys'.

Se trata de un álbum con una gran influencia del Jazz. En una época donde el sonido rock estaba dominado por la fiereza de la guitarra eléctrica, Traffic buscó otra aproximación con otro tipo de instrumentos, como la flauta, la percusión manual o el Saxo. Aquella forma de trabajar derivó en canciones más largas, con espacio para que sus integrantes improvisaran como si de una banda de jazz se tratara pero con una estructura rock.

El disco apenas lo componen 6 temas, con algunas progresiones más largas, donde dieron rienda suelta a su improvisación jazz y otros temas de rock más al estilo clásico. El álbum comienza tranquila y muy suavemente con 'Hidden Treasure', una canción que nos da una idea del talento musical de Steve Winwood y su gran voz. Un tema suave que sirve de introducción perfecta.

Luego vendrá la magnifica 'The Low Spark of High Heeled Boys', un tema de 11 minutos duración, con una mezcla perfecta de sonidos jazz y prog rock.

El tema comienza con un inconfundible solo de saxofón, que sirve de base para que después Winwood entre en escena, apenas susurrando la letra. Después vendrá el estribillo y la entrada del piano en la canción, donde el tema coge velocidad. El mismo bucle se repetirá un par de veces durante el resto de la canción, pero ganando cada vez más fuerza y explotando al final con gran maestría después de una parte instrumental muy bien ejecutada.

'Rock & Roll Stew' es una canción de blues-rock clásica, mucho menos experimental que las 2 primeras y con sabor. No altera el toque tranquilo y sosegado que viene habiendo durante todo el álbum, pero aun así tiene garra y clase, muy bien comandada por la voz de Steve. Un Temazo. Tambien destacamos, en el ultimo tramo del disco el temita 'Light Up or Leave Me Alone', una canción de amor desesperada, hecha con muy buen gusto, donde la guitarra eléctrica cobra protagonismo. Steve Winwood lo borda cantando y consigue una de las mejores canciones del grupo. En definitiva, un disco fresco y relajado, con algunos tramos jazz y otros rock, creándose una fusión cojonuda. Altamente Recomendable.

Los Temazos: The Low Spark Of High Heeled Boys, Rock & Roll Stew, Light Up Or Leave Me Alone

Etiquetas: Rock Progresivo, Blues-Rock, Jazz-Rock

Radio Moscow - Radio Moscow (2007)

Sobran las palabras para describir este disco. Radio Moscow es un power trío a la antigua usanza, de unos chavales que se han hartado toda la vida de escuchar los discos de sus padres y querían montar una banda al estilo de las de la epoca. Blues y hard rock de manual adaptada al nuevo milenio. Es un revival del sonido duro de los 70 pero con mucha personalidad. Merece la pena darles una oída.

Los Temazos: 'Frustrating Sound', 'Luckydutch', 'Mistreting Queen', 'Timebomb'.

Etiquetas: Blues Rock, Garage Rock.