Queens of Stone Age - Like Clockwork (2013)

Después de 6 años de parón, vuelve Queens of Stone Age. Es cierto que Josh Homme no ha parado desde entonces, trabajando en proyectos paralelos como Them Croocked Vultures o la producción de aquel Humburg de los Arctic Monkeys, mientras seguía realizando giras con asiduidad.  Mucho ha cambiado el grupo, recuperando en su line up a Dave Grohl y Nick Oliveri, y juntándose a grabar junto a estrellas de la talla de Alex Turner, Mark Lanegan, Trent Reznor o Sir Elton John. De nuevo ha tratado de dar un lavado de cara su sonido, manteniendo las señas de identidad que conocemos de sobra, pero buscando dar en el clavo con un sonido novedoso y canciones contundentes. Lo ha conseguido, pero solo a ratos en este Like Clockwork. 

El primer tema ‘Keep Your Eyes’ open abre con un riff oscurísimo, que casi parece Doom, una especie de marcha fúnebre para abrir boca. La canción tiene chispazos ocasionales de furia, pero en ningún momento termina de partir la canción hacia algún sitio, siendo un tema introductorio que consigue crear expectación para lo que puede venir después, pero que resulta un intento excesivamente forzado. El siguiente track tiene un ritmo más animado, comenzando por un riff marca de la casa de Josh y un medio tiempo en el cual se siente muy cómodo a la hora de edificar sus canciones. ‘I Sat By the Ocean’ tiene un comienzo prometedor, pero el estribillo de nuevo lo encuentro un poco trivial. La canción está muy bien tratada instrumentalmente, pero echo un poco en falta ese salvajismo que podíamos apreciar en ocasiones pasadas. De nuevo este segundo tema queda algo plano y hueco, donde las vocales de Josh Homme no terminan de cuajar esta vez. El disco empieza a entrarme bien a partir de la tercera canción, y eso que se trata de una lenta. Sin duda resulta un poco curioso encontrarse un Valadon como ‘The Vampire of Time and Memory’ tan temprano en el tracklist, pero sorprende ver lo bien que funciona. A la mitad del tema entra un solo de guitarra muy meloso y refrescante, con muchísima inspiración setentera, donde comprobamos que la influencia de Led Zeppelin sigue muy presente cuarenta años después. Suavemente y sin hacer mucho ruido, la canción va ganando en cadencia para terminar notablemente. Resulta curioso ver a QOTSA hacer canciones así, sin duda motivados por la intención de expandir su sonido. 

Seguimos con la inspiración seventies en ‘If i Had a Tail’, que recuerda a los Led Zeppelin de Physical Grafiti en lo referente al tratamiento del riff y el ritmo. En los primeros compases parece una reactualización de los guitarrazos de 'In my Time of Dying' de Jimmi Page, del que parece haberse inspirado esta vez. Dejando al margen las posibles licencias, el tema tiene bastante potencia instrumental, con un ritmo que busca ser novedoso respecto a la paleta cromática de la banda. Seguimos con ‘My God is The Sun’, sin duda el hit del disco, contundente y con músculo. Aquí si encontramos a los QOTSA a gusto con sigo mismos, fabricando uno de los clásicos inmediatos del álbum. La aguda voz de Josh se mueve con fuerza de camino al estribillo, mientras la guitarra va puliendo los oídos del mismo modo que lleva haciéndolo tanto tiempo. Perfecta en duración y los cambios de ritmo, un acierto. Por otra parte ‘Kalopsia’ es un regular intento de crear ambientes hipnóticos, quedándose en algo brumoso y confuso. No consigue enganchar de primeras, y aunque el riff que aparece en el minuto uno es notable, parece que tenemos dos canciones pegadas en el mismo track. No funciona aquí la fórmula. Parece que Trent Reznor tiene la firma en este experimento que busca mostrarnos a unos Queens of Stone Age introspectivos y ambientales. Pero esta nunca ha sido una banda con esa clase de virtudes y por lo tanto la canción suena falsa y fuera de lugar respecto al conjunto del disco, el intento de reanimación del tramo final sencillamente no funciona. En cambio ‘Fairweather Friends’ es una canción con potencial. Es curiosa y tiene frescura, parece que el sonido de QOTSA encuentra esta vez una senda donde expandirse correctamente, donde la voz de Josh Homme alcanza nuevos registros, imitando el estilo vocal de Dave Grohl por momentos. El tema va progresivamente ganando fuerza y estalla con efectividad pasado el primer minuto. Parece una canción pensada con ciertas miras expansivas, buscando abrir sus intenciones hacia el rock de estadio, mas ampuloso y ambicioso.

‘Smooth Sailing’ tiene un ritmo festivo y vacilón que puede descolocar un poco de primeras. Si viajásemos a 1998 y le hiciéramos escuchar este tema al Josh Homme de aquella época, seguramente escupiría whisky diciendo ‘‘¿Voy a acabar haciendo un tema así?, ¿tan jodido de la cabeza voy a estar?'' Esto es lo que pasa cuando intentas sonar tan novedoso y tratas de reinventarte tantas veces, que acaban saliendo estos objetos sospechosos. A mitad del tema parece tratar de sonar a él mismo, pero el daño quizá ya este hecho. Pienso que podría haberles cedido este tema a  los Arctic Monkeys y les hubiera quedado mejor. O al menos hubiera sido una canción más coherente con ellos mismos. Por otra parte ’I appear Missing’ suenan a los QOTSA de siempre, con tensión creciente y repletos de emotividad. El riff final es notable, y junto con ‘My God is the Sun’ es uno de los temas más contundentes y mejor tratados de todo el disco. Quizá debería haber sido colocado antes en el tracklist y no haber quedado relegado a las posiciones finales. La tension latente que nos inyectan desde el comienzo es efectiva, y la canción suena comedida por momentos, a la espera de seguir sumergiendo al oyente, para terminarla con una fuerza desgarradora. Queens of Stone age nunca ha sido una banda propiamente stoner. Quizás en su disco homónimo las influencias que arrastraban de Kyuss eran lógicas y evidentes, pero desde Rated R han buscado alejarse con rapidez de aquello, y lo han logrado sin problema, inventando un sonido, un estilo y un carácter propios. No ha habido una banda que sonara ni remotamente parecido a QOTSA en los últimos diez años, ahí radica gran parte de su éxito, el hecho de que son únicos en lo suyo.

En conclusión hay que decir que se trata de un disco menos arriesgado que Era Vulgaris, por realizar la comparación más próxima. Allá por el 2007 se tiraron a la piscina y todo salió bien, con ese feísmo que nos mostraban en canciones como 'Turning on the screw', donde las guitarras sonaban a motosierras, resultando adictivas. También estaba aquel baladón como 'make it wit chu' y ese ostión en la cara que era '3`s and 7`s'. Sin duda se les notaba más salvajes y alocados, sin miedo a equivocarse. Encuentro por tanto a estos Queens of Stone Age de 2013, domesticados y mansos, conociendo el terreno que pisan, sintiéndose seguros a cada paso. Ahora, muchas cosas de este disco me parecen barrocas y recargadas. Parece como si se estuvieran esforzando demasiado por gustar. ¿Estamos ante un grower? el tiempo lo dirá a medida que las escuchas vayan pasando.

Es un disco con cierto potencial para mejorar con el tiempo, pero habrá que ver hasta qué punto. De ningún modo podemos calificarlo como mal disco. Observado como un conjunto, se trata de un álbum que les va a abrir muchas puertas para convertirse en una banda más adulta y global. Podemos considerar que siguen la transición de su sonido y el cambio profundo de estilo que ya empezábamos advertir en Lulabies to paralyze y que se formalizó en Era Vulgaris. Podría ser incluso que Josh y los suyos caminen en círculos y acaben volviendo al estilo de finales de los noventa, emulándose a sí mismos, tratando de replicar genialidades como 'If Only Everything'. Lo dudo mucho. QOTSA hace tiempo que ha emprendido un viaje sin retorno a un lugar que desconocemos. Josh Homme seguramente tenga un plan en su cabeza bien trazado acerca del futuro de la banda, pero para mí este Like Clockwork le falta algo de chispa o magia que si tenían sus anteriores 5 LP de una u otra manera. Quizás sea mi oído, que ya no es el mismo oído que veneraba allá por el 2008 el Songs for the Deaf. ¿Disco decente? Si, por supuesto. ¿Disco del Año? No flipes.

Nota 5,9

Articulo originalmente publicado en Vanishingpoint.es

California X - California X (2013)

Quizás la chaqueta vaquera y el pelo largo os engañó. Quizás la foto colorida, mostrando un bucólico atardecer os hizo pensar que esto podría ser una banda de chicas Indies cantando un pop edulcorado y posiblemente guitarrero. Yo mismo me confundí. Cuando cayó en mis manos el disco, no pensé que iba a sonar del modo en el que lo hace, y la sorpresa no pudo ser más agradable. La portada tiene gancho, y no sabría decir muy bien por qué. Primer acierto.

Uno se acerca con curiosidad a este disco, y en cuanto asoman las primeras notas de 'Sucker', uno siente esa clase de emoción que se apodera al escuchar una canción con pegada por primera vez. El riff es pesado, pero a la vez esta tratado con la suficiente delicadeza como para no aplastar al oyente. Cuando arranca el tema alrededor del segundo minuto a uno le vienen directamente influencias a los primeros noventas, al grunge primigenio de Dinosaur Jr. o Soundgarden. Lo cierto es que ser del mismo pueblo que J. Mascis y compañía les va a marcar con esta clase de comparaciones de por vida. Su aproximación al rock comparte esquemas con ellos, pero de ningún modo esto es una imitación. Suenan totalmente opuestos, más limpios que los comienzos de los Dinosaurios, pero con igual músculo. Casi 7 minutazos. Eso es lo que dura esta primera impresión acerca del grupo, y sin duda una muestra de valentía de lanzarnos toda su metralla en el comienzo. El tema no pierde fuerza en ningún momento, y a pesar de no meter algún gancho adicional para meternos en el bolsillo, consiguen dejarnos con ganas de más música. El coro tiene sus semejanzas tambien con Japandroids, pero tengo que decir que instrumentalmente lo hacen mejor. Un power trio siempre sonará mejor que un dueto, quede dicho.

Por lo tanto estamos ante un disco muy rockero, sin grandes alardes o experimentaciones, muy en la corriente de grupos como Jeff the Brotherhood, Tweak Bird o los mencionados anteriormente, donde prima el poderío instrumental y los coros pegajosos. Sin duda las guitarras suenan condenadamente bien, en canciones con estructura poderosa, perfectas para ser coreadas en directo. Para ser un debut, el sonido que han conseguido es condenadamente bueno, lo que les augura un margen de mejora importante. Es lo que ocurre con estos discos debut tan buenos, que uno se imagina un brillante futuro, viéndoles llenar estadios, cuando perfectamente sabemos que no va a suceder tal cosa, ¿o sí?

El curso del disco se mueve sin altibajos, sin hits que busquen destacar por encima del resto. Todo lo que nos ofrecen en el tema de inicio se ve replicado en mayor o menor medida en el resto del álbum. 'Curse of the Nightmare' es más rápida, pero tampoco consigue emocionar demasiado, mientras que 'Pond Rot' baja el tempo un poco para conseguir el puntillo emotivo. Aquí sin duda las influencias a Jeff the Brotherhood se notan con obviedad, aunque tampoco importa demasiado.

'Hot Red' es otra cosa, es lo que se dice un perfecto headbanger, construido inicialmente sobre un riff bastante denso y unas vocales que se contienen a sí mismas. La clase de canción que uno desea subir el volumen hasta reventar los cristales. Hacia el minuto uno, habrá un cambio de ritmo brutal y el tema ganará intensidad por momentos. Maravilloso punteo que se marcan ahí, de la vieja escuela de los Dinosaur. Sin dejarnos respirar, de nuevo la canción cambia su estructura, para terminar de explotar con maestría. Sin duda uno de los mejores temas del disco y una carta de advertencia de que estos tíos no son tan simples como nos pueda parecer en un comienzo.

Me gusta también 'Spider X', que consigue llegar instrumentalmente tan lejos como en 'Sucker'. Es una canción que lleva la contundencia como sello de calidad, que hará las delicias de los fans de Mastodon y grupos de su estirpe. Quizás las vocales quedan algo deslucidas hasta que de nuevo el tema vuelve a subir y ganar fuerza. Sin duda hay que rendirse ante estos temas, capaces de mostrar una exhibición de su capacidad técnica totalmente deslumbrantes. ¿Que nos queda después? En 'Lemmys World' de nuevo tratan de construir un tema con cierta épica y el tiro les sale medio bien, sin duda son aspectos que pueden trabajar en un futuro a la hora de un segundo disco. La senda es buena, pero a un le llega la sensación de que todos los temas siguen un esquema bastante similar, aunque esto no es necesariamente malo.

En definitiva, estos california X nos regalan un disco con mucha y muy buena pegada instrumental, sin avergonzarse de decirnos cuáles son sus influencias. Para ser un debut está bastante bien, pero queda un poco lejos el calificativo de disco de culto, ya que en algunos tramos peca de ser algo plano. Queda decir que es un grupo al que le veo un futuro prometedor y con muchas cosas que aportar al sonido de esta década. Las guitarras han vuelto para quedarse, señores.

Etiquetas: Indie, Hard Rock

Los Temazos: Spider X, Sucker, Hot Red

Positiva: Hard Rock desde Bilbao

Positiva se forma en Bilbao en el 2002, a partir de las cenizas de Subliminal y Gilah Monster, donde tocaban Julen (batería) y Txetxu (bajista) respectivamente. A ellos se unieron Miguel (guitarra y voz, ex-Bliss, ex-Shisha Pangma) y Julio (guitarra y voz, ex-Bliss) quienes completaron la formación de la banda. Posteriormente, y tras un primer disco enorme, Julen dejaría su sitio a Unai para la grabación de su segundo LP. 

¿Cómo definir a estos gigantes del rock vasco? Sin duda su influencia es setentera, y aunque pueda sonar a perogrullada, eso significa que las guitarras suenan a guitarras. Con una producción analógica logran un sonido exquisito, directamente sacado de los riffs de Tommy Iommi pero sonando menos metaleros, y del músculo de Led Zeppelin pero sin sonar tan feminizados. Cuando una banda es capaz de beber de dichas influencias -sin copiar descaradamente- y no hacer el ridículo, estamos hablando de un gran éxito.

Su estilo más predominante es el hardrock, pero goza de unos tintes stoner y de la esencia del blues, que bien puede notarse en el ambiente, y que hace que suenen tan versátiles. Positiva sabe a humo, un humo denso y afrutado que con tanto acierto han puesto en la portada, logrando una atmósfera maravillosa. Se trata de un grupo especial que transmite una onda única, capaz de sonar amenazantes en el estudio y de reventarte los sesos en sus aplastantes directos. Y no es por ser malpensado, pero si este sonidazo nos viniera de tierras americanas seguro que serían una banda muchísimo más popular de lo que en realidad ha sido.

En su debut Centaurs Ride ya se les veía muy maduros, uno se daba cuenta de ello en cuanto sonaban las primeras notas de ‘Rock and Roll Troopers’. Cualquiera de las canciones podría perfectamente funcionar como single, ya que cada una, con sus particularidades tiene gancho. Todas iguales pero todas distintas. Desde el brutal despliegue instrumental de ‘Rock and Roll Troopers’, hasta la épica vocal de ‘Never Turn Your Back on a Friend’ -con guiño a Budgie incluido- pasando por el hipnótico ambiente de ‘Zopilote’. Sin dudas las influencias del Stoner y de Grand Funk Railroad se aprecian desde el comienzo, pero esto no importa. Con unas introducciones de gran nivel y cambios de ritmo muy trabajados, riffs sabáticos e instrumentaciones acústicas se dan la mano formando brillantes pasajes y a la vez oscuros tonos psicodélicos.

‘Zopilote’ era la canción que realmente les hizo ganar reconocimiento de ser una banda con verdadero nivel. Esa sección instrumental de 7 minutos parecía producto del mismo diablo. Las condenadas guitarras sonaban fuertes y con garra, trabajando el oído del oyente con una cadencia lenta en los comienzos, pero implacable en su final. Positiva eran unos maniacos del sonido, capaces de pasarse meses trabajando un tema hasta lograr la perfección. En ‘Zopilote’ lo lograron. En el primer minuto, pasada la introducción, un punteo elaborado va sumergiéndonos en las profundidades de nuestra mente. Positiva llevaran este tema hasta el cielo, con unos cambios de ritmo a lo largo de estos 7 minutos, que sin duda quedarán para la historia. Esto no es Hard Rock, sin duda traspasa géneros, tocando con las manos el Stoner noventero, y haciendo un generoso homenaje sin caer en la copia barata.

Sin duda había varios highlights en este debut, capaces de tumbar a cualquiera que se les intentase poner por delante. Con un directo explosivo y directo al corazón de los oyentes se labraron una merecida fama que sin duda a día de hoy sigue latente en multitud de sus seguidores. La banda posteriormente se tomó con calma las cosas, como los buenos vinos, y hasta 2009 no llego a las calles la continuación Prodigal Songs, un disco capaz de tomar lo mejor de su sonido y darle una vuelta de tuerca, buscando ser aún más directos en sus canciones y más hard rockeros si cabe.

Después de un tenebroso discurso, 'Brother Eagle' abre con una descarga de sonido apabullante, con un riff animado dispuesto a hacer de este viaje algo épico. Luego entra la maravillosa voz de Miguel, rota, desgastada por los años y el whisky. A uno le vienen a la mente multitud de grupos al oír este tema, ya que no deja de ser un revival, pero suena con tanta autenticidad que apenas nada importa cuando el monstruoso riff ataca en el último tercio del tema. Sin duda algo redondo, una pequeña obra de arte, y una lección para todas aquellas bandas que a día de hoy quieran sonar bien. La cosa se calma un poco en 'Undying Shore' y 'Waiting in Vain', algo más lentas pero igualmente contundentes, perfectas para ir sumergiéndonos irremediablemente en sus atmósferas. Luego vendrá 'Catch the Fire' a golpearnos en la cara con otro hit para el recuerdo. La fórmula es sencilla: un gran riff bien apoyado en el bajo abre esta joya, luego la batería aparece dando un nuevo recital sonando más contundente que nunca, y por último la voz termina de romper todo. Al final de esta carretera no dejaremos más que rueda quemada y polvo en nuestras espaldas. Sólo tenemos que limitarnos a pisar el acelerador y no mirar atrás. Jamás. Coger el fuego con nuestras manos mientras todavía estamos a tiempo. Hay que tener amigos hasta en el infierno, y qué mejor que Positiva como pilotos de este bólido hacia la locura.

Debemos coger aire y echar un trago de agua con 'Black Mountain Rock', repleto de influencias Zeppelinescas. Aquí Positiva juegan la opción de hacer una canción con una estructura más compleja y el tiro les sale casi perfecto. No es fácil hacer una canción de 7 minutos con tanto pasaje y cambio de ritmo y salir indemne. Sin duda, imprescindible. 'Black Telescope' es otro de los grandes aciertos de este disco, que demuestra la diversidad que tienen a la hora de hacer todo tipo de temas. En esos casi 3 minutos, debemos estar atentos al tramo de la mitad ya que aparece ante nosotros otra nueva exhibición musical. Quizás este tema pueda pasar desapercibido para muchos, pero sería un error no montar un altar a ese riffazo.

¿Y ahora qué? Pues Positiva se encuentran en un parón indefinido ya que han surgido nuevos proyectos, y nadie sabe que va a ser de ellos. Desde este humilde portal un servidor cree que todavía tienen mucho que decir en el rock vasco. Ya hicieron lo más difícil en el pasado, que es hacerse oír y publicar dos discos que rayan una calidad insuperable a día de hoy. Quiero creer que hay más talento por salir de esta gran banda y que algún día veremos una reunión, lo cual sería motivo de una inmensa alegría para muchísima gente. Sin duda, este Prodigal Songs, si no fue concebido como tal, de momento queda definido como un perfecto testamento.

Alice in Chains - Dirt (1992)

  

Posiblemente el mejor disco de la era Grunge. Ahora es cuando pueden los fans de Nirvana despacharse a gusto, diciendo que el Nevermind es y será el mejor disco de dicha época y semejantes chorradas. Nevermind vendió aproximadamente 30 millones de copias mientras que este Dirt apenas rozó los 5, que sigue siendo un número bastante importante para la época. Quizá la razón de esta diferencia se trata de que Dirt sea un disco ínfimamente más crudo, realista, sincero y terrorífico que cualquier disco de Kurt Cobain. Este disco refleja con absoluta fidelidad lo que es el descenso a los infiernos de un adicto a la heroína como era Layne Staley.

Prácticamente todos los miembros de Alice in Chains pasaban por sus peores momentos en la vida en el momento de grabar este disco, ya que algunos habían perdido a familiares y otros a buenos amigos. La mayoría estaban consumiendo heroína, marihuana, ansiolíticos y alcohol en grandes cantidades. Layne estaba tan enganchado que se pinchaba en plenas sesiones de grabación, sin importarle la presencia de los demás. Toda la basura por la que estaban pasando se refleja en el sonido y las canciones de este disco.

Dirt refleja la cara oscura del rock de los 90. El grunge había salido prácticamente de la nada en la zona de Seattle gracias a grupos como Soundgarden o Mother Love Bone (Lo que posteriormente seria Pearl Jam) y para 1991 con el lanzamiento de Nevermind todo cambio para siempre. Las bandas punteras de Seattle comenzaron a vender millones de discos, a tener sus videos a todas horas en la MTV y a recibir gran cantidad de premios y atención mediática. Y aquello fue lo que empezó a matar al grunge y sus propios integrantes: la incapacidad de digerir un éxito masivo que ellos nunca buscaron y el hecho de tener que lidiar con sus propios demonios internos hicieron caer a muchos artistas en la drogadicción y a otros en el suicidio. Muchos no soportaron ver su música convertida en mercancía, por el efecto de arrastre que tuvo un género musical en la moda, la televisión y la cultura de la década.

La poderosa voz de Layne Staley venía acompañada por el guitarrista Jerry Cantrel, responsable de la creación de unos riffs de muy buena calidad y con un estilo particular. Su capacidad para crear un sonido áspero y decadente sirve para potenciar las letras de Staley. Estas canciones líricamente tienen una potencia y carga emocional brutales haciendo parecer al Nevermind un juego de niños. Aquí las letras tienen un mensaje claro y directo que puede llegar a conmocionar al oyente por su crudeza, donde prácticamente la mitad de las canciones hacen referencia indirecta a las drogas o la adicción.

Empieza el disco con la potentísima 'Them Bones', con esos gritos de Layne que pueden hacer estremecernos, luego al final del tema vendrá un solo con pura inspiración setentera que le da un toque magnífico y con fuerza. Esto ya no es el insípido Hair Metal de Motley Crue, esto tiene otro color y definitivamente es el reflejo de otra época muy distinta.

'Rain when I Die' prácticamente lo dice todo con su título. La que probablemente sea una de las canciones mas agobiantes de Alice In Chains. Comienza con el caos de la batería y el bajo trabajando con profundidad, mientras la guitarra de Jerry Cantrel cargada de fuzz nos anticipa lo que vendrá en el resto del tema. Increíble ese momento en el que entra la voz y posteriormente ataca la guitarra. La voz de Layne luce limpia y clara, y cuando llega el momento de cantar aquello de: ‘’Did she call my name?, I think it's gonna rain When I die'' literalmente la canción explota en una bola de sonido que lo captura todo a su paso. Imposible no rendirse ante la capacidad instrumental y lírica de la canción, de la que es junto con 'Would?' para mi la mejor del disco. 

Muy destacables también son 'Down in a Hole' y 'Rooster'. En estas canciones encontramos esa capacidad de mezclar la sensibilidad lírica y vocal con la potencia instrumental del mejor metal. Quizás sea una de las mejores habilidades del grunge: ser capaces de transmitir su música de manera suave y al momento siguiente dar en la cara con un riff monumental.

Para aquellos que sobrevivan al disco al completo, hacia el final se encontrarán con un par de canciones de un nivel magnífico. 'Angry Chair' es brutal con los cambios de ritmo y el trabajo de Layne con las voces, que parecen sonar de ultratumba. Pero de nuevo el estribillo suena amable y consiguen realizar una canción caótica pero adictiva. Quizá haya que hacer un post aparte para 'Would?' la canción que cierra el disco y una de las mejores del grupo. No hay palabras suficientes para describir la calidad asombrosa de este tema. Es lo más parecido a un single de este grupo y fue una de las canciones que mas éxito les dio a la banda. Layne hace una de sus mejores interpretaciones vocales de su carrera, y aunque a veces grita, jamás usa ese recurso para saturar el tema, que resulta simplemente aplastante.

En definitiva, uno de los discos más valientes de la década, y una colección de canciones que reflejan la cara más difícil del Grunge. Layne Staley moriría de sobredosis de heroína en 2002, diez años después de haber hecho historia en la música. Disfrutadlo.

‘’Líricamente es todo lo que Kurt quiso decir en el Nevermind pero no pudo. Por eso, a mi punto de vista, éste es el non plus ultra del Grunge y el que verdaderamente resume todo lo que el género debería ser.’’  (Corvan)

Los Temazos:  Them Bones, Rain When I Die, Down In A Hole, Rooster, Angry Chair, Would?

Etiquetas: Grunge, Hard Rock, Heavy Metal, Alternative Rock.

Nebula - Charged (2001)

Llevamos ya muchos meses sin hablar de ningún grupo Stoner, así que hoy traemos a Nebula para haceros flipar un rato. Eddie Glass y Ruben Romano formaron este grupo en el año 1997 después de pasar por las filas de Fu Manchu, y se buscaron un bajista para crear este potentísimo power trio. Tomando como influencia los eternos riffs de Black Sabbath, algo de psicodelia y space rock consiguieron crear ese sonido tan característico que los define.

Hay algo que tienen que no les convierte en la típica banda stoner, quizá sea el hecho de que no han buscado repetirse a si mismos nunca y han buscado explorar nuevas fronteras a cada disco. Seguramente este Charged sea el álbum más potente del grupo, gracias en parte a canciones como 'Do it Now' y 'Giant', por los que ya merece la pena escuchar el álbum. Como decíamos, un disco repleto de canciones con garra, pero que no resulta repetitivo, ya que hay mucha variedad en algunos tramos del album que hacen de él un viaje muy entretenido. Esperamos que os guste.

Los Temazos: Do It Now, Giant, Travelin' Mans Blues, Instant Gravitation, This One.

Etiquetas: Hard Rock, Stoner Rock.

Led Zeppelin II (1969)

Led Zeppelin se adelantó a su tiempo. Cuando el mundo de la música se estaba lamiendo las heridas con la separación de los Beatles o por la tragedia de Altamont; cuando el verano del amor quedaba como un recuerdo ya muy lejano y la revolución hippie parecía haberse ahogado en sus propias intenciones; justo cuando la gente empezó a dejar de creer en el 'Paz y Amor', un enorme Zeppelín de plomo comenzó a circular por los cielos de Inglaterra.

El disco debut que publicó Led Zeppelin en enero de 1969 fue uno de los discos más grandes que haya habido en toda la historia del rock. Se dice que Led Zeppelin sólo revolucionó la música una vez, y fue con ese disco. De su factura eran las canciones más pesadas que se hubieran hecho jamás. Gracias a enormes temas como la aplastante 'Baby I’m Gonna Leave You' o la genial 'Communication Breakdown' lograron posicionarse como los reyes del hard rock de la noche a la mañana.

Led Zeppelin mataron a los sesenta. Le quitaron toda aquella inocencia a la década: mandaron a paseo a los Beatles, dieron un tortazo a los Rolling y pasaron a liderar la nueva era con un puñado de canciones grabadas en apenas una semana. Y eso que todavía no habían empezado los setenta, pero aquel disco sonaba tan fresco y rompedor que se desmarcó absolutamente de todo lo que se venia haciendo hasta entonces, dando comienzo al sonido que se expandió en la siguiente década. 

El primer disco fue hecho en un breve espacio de tiempo, y aunque mucha gente lo considera lo mejor que hayan hecho jamás, yo he decidido regalaros su segunda obra. Pienso que en este segundo intento, la máquina estaba mucho más engrasada y el sonido gana en fuerza. Partiendo de la ruptura inicial que supuso el Led Zeppelin I, para este segundo álbum el grupo ya conoce sus puntos fuertes y los explota al máximo.

La gente a día de hoy sigue hablando mucho de Led Zeppelin, ya que su influencia en la música actual es innegable. Se siguen diciendo cosas buenas y malas acerca de ellos, pudiendo criticar sus excesos y su histrionismo. Pero de lo que no hay duda es que durante un largo periodo de años, principalmente la primera mitad de los setenta, ellos eran los reyes, con un directo acojonante y demoledor. Fuerza, calidad y carisma, eso era Led Zeppelin.

Los Temazos: Whole Lotta Love, The Lemon Song, Heartbreaker, Ramble On.

Etiquetas: Blues Rock, Hard Rock, Heavy Metal

The Deadbeats - Deadbeats (1999)

Si eres de esos que no puede vivir sin escuchar a los Hellacopters quinientas veces al día, entonces no puedes dejar pasar al disco que os traigo hoy. The Deadbeats también son Suecos y el sonido sucio que practicaron en su disco debut recuerda mucho al Payin' the Dues. Todo, hay que decirlo, no ha nacido todavía una banda que sea capaz de hacer sombra a los Hellacopters, pero estos se acercan bastante. No ofrecen otra cosa más que canciones rápidas y directas, sin excesivas complicaciones o florituras. 

Es por ello que nos encontramos un disco repleto de temitas rockeros con ese toque garage que tanto nos gusta. En definitiva, unas cuantas canciones que invitan a pisar el acelerador y no mirar atrás. Eso si, conduce con cuidado por que el riesgo de accidente se duplica sin vas escuchando este disco.  Para no perder la tradición, y como apenas había música de ellos en Youtube, hemos hecho un pequeño videoclip que esperamos que os guste tanto como el disco...

Los Temazos: Get your Head Straight, Hey Baby!, Roll with the Punches, High Stakes High Times, Womanimal, Loaded.

Etiquetas: Garage Rock, Hard Rock

Supersuckers - Motherfuckers Be Trippin' (2003)

Hay algunas noches en la vida en las que uno estando animado baje al bar de la esquina a tomar unas birras. De las cervezas, muy probablemente pase a los whiskys, mientras le cuenta su amarga vida al desconocido que bebe al otro lado de la barra. Esas noches pueden acabar teniendo una pelea con 2 matones a la salida del bar, ligándose a la camarera de turno o bebiendo hasta caer redondo. Así son las noches para los Supersuckers y así es su música. Rock desgarbado y enérgico procedente de Tucson, Arizona.

Todo el carisma del grupo lo lleva el mítico Eddie Spaghetti, cuya actitud dentro y fuera de los escenarios lo convierten en uno de los tipos más auténticos del rock actual. Por tanto, en este disco no encontrarás nada más que hard rock con un punto country que resultará irresistible para tus oídos. Esperamos que lo disfrutes.

Los Temazos: Rock-N-Roll Records (Aint Selling This Year), Rock Your Ass, Pretty Fucked Up, Bruises to Prove It, Bubblegum and Beer, A Good Night for My Drinkin'

Etiquetas: Garage Rock, Rock n Roll, Country Rock, Hard Rock.

Eddie Hazel - Games, Dames and Guitar Thangs (1977)

El disco que os traigo hoy es una de las joyas ocultas de los 70, un disco poco conocido pero que va a hacer las delicias de aquellos que buscan sonidos de calidad. Eddie Hazel fue durante la década de los 70 el guitarrista principal de las míticas bandas Funkadelic y Parliament, y es considerado como uno de los pioneros en usar guitarras pesadas en el funk.

Estamos hablando de un artista que no fue muy prolífico. Colaboró ampliamente en los 3 primeros discos de Funkadelic a comienzos de los 70, y después, tuvo diversos problemas con las drogas y la ley. Aquellos hechos hicieron que se distanciara mucho de la banda y apenas aportase mucho material al grupo. Su legado para Funkadelic lo dejó en 1971 con la inmensa 'Maggot Brain', un emotivo solo de guitarra de 10 minutos que sin duda pasará la historia por su calidad y derroche de sentimiento. Después de realizar aquella obra maestra se sumió en una semioscuridad creativa, haciendo apariciones esporádicas y colaboraciones puntuales.

Para 1977, y cuando nadie esperaba nada de él, sacó este disco. Un álbum donde podemos observar sus enormes dotes para la improvisación y apreciar su cuidada habilidad para tocar la guitarra. Las covers de 'California Dreaming' y 'I Want You' son de lo mejor del disco, ya que al ser los temas más largos es allí donde podemos evaluar la técnica de Eddie Hazel con mayor precisión. El resto de los temas están bien, aunque puede que alguno resulte un poco flojo y repetitivo. Hay que considerar que era un artista en horas bajas, y apenas pudo ofrecer algún destello de calidad en ciertos momentos.

Hemos añadido también algunos bonus tracks que originalmente no fueron incluidos en su día. De ahí destacamos la canción 'Lampoc Boogie' y sus 11 minutazos de pura magia.

En definitiva, un disco para apreciar el derroche de calidad que nos brinda aquí Eddie Hazel. Esperamos que disfrutéis de esos increíbles solos de guitarra tan especiales. Sin duda puro sonido funk de los 70.

Los Temazos: California Dreamin', I Want You (She's So Heavy), Lampoc Boogie

Etiquetas: Funk, Hard Rock, Psicodelia, Soul.

Willis Drummond - Istanteak (2011)

Hoy os traigo a uno de los grupos vascos que mas fuerte están pegando últimamente. Willis Drummond lleva ya un tiempo en el mapa gracias a un directo acojonante y a unos discos contundentes.

Istanteak es su último disco, del que se ha dicho que es un álbum que ha perdido algo de fuelle con respecto a sus primeros trabajos. Pero nada más lejos de la realidad, ya que siguen sonando igual de frescos y vitalistas como siempre.

Si hubiera que citar sus influencias, podríamos decir que su sonido refleja los ecos lejanos del rock sucio y el punk de los 90 de Soundgarden o Fugazi. Aunque esas comparaciones se quedan algo huecas al escuchar sus canciones, ya que se advierte un estilo particular y único. Me gusta mucho 'Begi Erreak' y su enorme parte final, la crudeza de 'Ez da Dudarik' y la fuerza que trasmite 'Noiz da Gero'. En definitiva, un puñado de canciones con pegada que no van a defraudar.

Los Temazos: Araua (Gurea), Begi Erreak, Ez Da Dudarik, Noiz Da Gero?

Etiquetas: Post-Hardcore, Hard Rock.

The Muggs - The Muggs (2005)

Este power trio procedente de Detroit viene con ganas de dar guerra. The Muggs es otra banda que busca rescatar los sonidos de finales de los 60 y comienzos de los 70, como es el caso de Led Zeppelin o Grand Funk Railroad. A pesar de haber surgido en la década equivocada, no hay duda que saben transmitir toda la energía y pasión de aquellos días.

Lo cierto es que ser una banda de rock en Detroit puede ser una carga bastante complicada, al tener que soportar las eternas comparaciones con MC5 o Iggy & The Stooges, pero lo cierto es que superan dicha prueba ampliamente gracias a este disco debut. Se trata de un álbum que desborda intensidad y carácter de principio a fin, ya que no se pierde en laberintos progresivos ni en baladitas folk. Aquí todo lo que hay es rock.

 

Comenzando por la furiosa 'Need Ya Baby', y siguiendo hasta la abrasiva 'Shoul've Learned My Lesson' el disco parece que no pierde fuerza en ningún momento. 'Monster' hace honor a su nombre con un solo de guitarra enorme en la segunda mitad del tema, mientras que 'Said & Done' tiene un sabor añejo que demuestra que siguen existiendo bandas que saben hacer las cosas bien. Esperamos que lo disfrutéis.

Los Temazos: Gonna Need My Help, Rolling B-Side Blues, Monster, Should've Learned My Lesson, Said & Done.

Etiquetas: Blues-Rock, Hard Rock

The Allman Brothers Band - At Fillmore East (1971)

Éste es, probablemente, el grupo que mejor encarna el espíritu musical americano de principios de los 70’s. En una época en la que los invasores ingleses, es decir Led Zeppelin y los Rolling Stones, llenaban los estadios, The Allman Brothers Band se propusieron llegar a lo más alto –y vaya si lo hicieron– con un sonido único: con esa mezcla de rock, blues, country, jazz y psicodelia que nos llega al corazón. Y mientras la banda mantuvo a todos sus componentes, Allman Bros. Band fueron los mejores sobre el escenario. Con este disco capturaron toda la magia con la que bañaban sus directos, verdaderos acontecimientos con los que romper todas las barreras del trabajo de estudio.

Era precisamente en los conciertos donde los Allman Brothers desplegaban su talento y la grandeza de su alma. Su directo era sencillamente espectacular, dominado por largos desarrollos instrumentales por una parte y, por la otra, por momentos jodidamente épicos. En ciertos tramos, funcionaban incluso como una banda de jazz, donde los músicos actuaban dejándose llevar, en esa aparente deriva de la melodía que no obstante sólo los grandes músicos consiguen, alargando además los temas hasta el delirio, y donde cada uno daba, en definitiva, rienda suelta a su virtuosismo. De ahí la increíble explosión de sonido que caracteriza al disco.

Duane Allman era el genio de la guitarra. Su estilo hizo estremecerse hasta al mismísimo Eric Clapton, quien vio en él a una nueva estrella de la eléctrica. Insistió mucho en conocer a Duane. Tanto que finalmente grabaron juntos las guitarras del nuevo grupo de Clapton Derek and the Dominoes. Supongo que muchos conoceréis la canción 'Layla' de Clapton. Pues bien: hay que saber que fue grabada por ambos. Compuesta inicialmente como balada, Duane le hizo un lavado de cara rockero y concibió nuevas partes, incluyendo el mítico fraseo de guitarra inicial. 

Su hermano Gregg Allman era el teclista y vocalista principal, cuyo modo de cantar hacía gala de numerosas influencias de los cantantes soul del momento, ya que la suya era una voz dulce, cálida, pero con un punto rasgado. Si hubiera que destacar a un cantante que ejemplificara el sonido sureño, tendríamos que hablar sin duda de aquel tipo llamado Gregg Allman. 

Este trabajo supuso un enorme éxito para la banda, y por fin a los Allman Brothers se les empezaba a conocer por todas partes. Parecía que estaban a punto de comerse el mundo de un bocado y convertirse en la mejor banda de América. Pero la tragedia tuvo que interponerse en su camino, ya que Duane Allman murió atropellado por un camión mientras conducía con su moto cuando tenía sólo 24 años. Aquello fue un gravísimo golpe para la banda, que casi no tuvo tiempo de remontar el vuelo, ya que apenas un año después otro componente del grupo moría en otro accidente. Esto ya fue demasiado para el grupo, y nada volvió a ser como antes. Tuvieron que llegar los años noventa hasta que la banda volviera a reencontrarse a sí misma y, dotada de nuevos componentes, empezar a recuperar el tiempo perdido.

Por lo tanto, este At Fillmore East queda como un testamento vivo de una banda brillando en lo más alto, con unos músicos de enorme talento en absoluto estado de gracia. El despliegue técnico de los Allman Brothers en este concierto constituye todo un regalo para los oídos. Normalmente, en sus discos de estudio no se puede apreciar nada de la magia que fueron capaces de proyectar en directo. Es por esto que resulta el mejor álbum para aquellos que no conozcan de nada a los Allman Brothers. Un disco que, por sí solo, contiene todo el misticismo, los sueños y la leyenda de aquellos inolvidables 70´s. 

Los Temazos: Statesboro Blues, Done Somebody Wrong, In Memory of Elizabeth Reed, Whipping Post.

Etiquetas: Blues-Rock, Hard Rock, Southern Rock, Jazz-Rock

Duane Allman tocaba su guitarra de la misma forma en que montaba su moto o conducía su coche: era un temerario, totalmente en plan “Dios está de mi lado”. Estaba lleno de energía. Era una fuerza de la naturaleza. Su determinación y concentración, así como su intensa confianza en sí mismo y en nuestro grupo, eran increíbles. Él sabía que íbamos a triunfar. Todos pensábamos que éramos una buena banda, pero nadie más tenía esa total confianza que él sí tenía. Y eso era algo grande, porque su confianza y entusiasmo eran contagiosos 
(Dickey Betts. Guitarrista de The Allman Brothers)

The Hellacopters - Grande Rock (1999)

Si tuviera que definir a este grupo con una sola palabra seria: ROCK. Los Hellacopters son uno de los grupos más auténticos que han surgido en los últimos tiempos, capaces de ser fieles a si mismos, a su estilo y a sus fans practicando un hard rock de pura cepa. No encontraras en ellos nada de parafernalia ochentera ni ningún tipo de sentimentalismo grunge. No hay nada de eso en ninguno de sus discos, ya que su influencia viene directamente de los setenta: La década donde se adoraba a la guitarra por encima de todas las cosas. Los Hellacopters son carácter y furia hecha música.

Los padres de su sonido son las bandas que surgieron en Detroit, como es el caso de MC5, Iggy and the Stooges y Sonic Rendevouz Band. Al ser un grupo de rock, cumple perfectamente su papel: con letras sin mucho sentido que hablan de chicas, velocidad, patear culos, y emborracharse. Todo ello aderezado con la estética típica de estas bandas repleta en sus portadas y merchandising: Coches, llamas, águilas y guitarras... Estos suecos son más americanos que algunos.

Grande Rock fue su tercer álbum, después de sacar los ruidosísimos y punkarras Supershitty to the Max! y Payin' the Dues. Aquellos dos primeros discos estaban llenos de rabia e ira hacia todo, con unas guitarras abrasivas, que al escuchar daban ganas de agarrar una botella de whisky y salir a la calle a buscar pelea. Es por ello que para Grande Rock decidieron calmarse un poquito y bajar el tono, quedándoles un disco más accesible para las masas, pero sin perder su chispa en ningún momento. De hecho esa temática seguirá a lo largo de toda su discografía donde, disco a disco irán acercándose a un sonido mas clásico, sonando más limpios y amaestrados, practicando un rock con mucha clase. Con el paso del tiempo comenzarán a introducir guitarras rítmicas y arreglos de piano, siendo más palpable su influencia por los Stones.

Es por ello que Grande Rock se sitúa en un término medio muy bueno, a caballo entre el punk rock inicial y el rock clásico de sus últimos discos, quedando un resultado digno de los paladares más exquisitos.

El disco comienza como un tiro, con 3 enormes canciones para abrir boca. Este es el juego al que mejor saben jugar los Hellacopters: Canciones de 2 minutos tocadas a toda ostia con mucha caña, que casi no dan ni un segundo de respiro a los oyentes. Una de las cosas que mejor sabe hacer este grupo es divertir a su público -Ya sea en el disco o sobre el escenario- y dejarse la piel en cada canción. Tendrá que llegar 'Welcome to Hell' a calmar un poco las cosas, un tema inicialmente tranquilo pero que gana mucha fuerza en la parte final. 'The Devil Stole the Beat From the Lord' es una canción donde se puede adivinar el sonido que tendrá el grupo en los años posteriores: canciones con una factura técnica perfecta y realizadas con un talento notable.  

Para aquellos que les guste el rock y no les conozcan, tendré que advertirles que este puede convertirse en uno de sus grupos favoritos. Lo malo es que llegáis un poquito tarde para apreciar su magnifico directo, ya que se disolvieron hace algunos años. Yo les vi y fue la ostia.

Los Temazos: Action De Grace, Alright Already Now, Move Right Out of Here, Welcome to Hell, The Devil Stole The Beat from the Lord, Lonely.

Etiquetas: Hard Rock, Garage Rock, Rock n Roll