Vanishing Rock

Best Coast - Crazy for You (2010)

2012-03-11T15:08:00.000+01:00

Ahora que pronto va a comenzar la primavera, nadamejor que un disco cálido como este Crazyfor You de Best Coast. Tenemos ante nosotros un disco muy popero, repleto de canciones de dos minutos que haránlas delicias de los fans de las melodías dulces y coros facilones.

La baza de este disco es su luminosidad ysencillez, con un conjunto de canciones que entran muy bien desde la primeraescucha, con influencias de surf-rock o Lo-Fi. Es por ello que hay que dar lamayor parte del crédito a la vocalista BethanyCosentino, que con esa voz nos hace recordar a cantantes del siglo pasadocon su particular –pero a la vez clásico- estilo. Todo este sonido construido a base deuna producción muy fresca que resulta un gran acierto.

Basta hojear un poco los títulos de las cancionespara darse cuenta de que el disco habla mucho de amores rotos y oportunidadesperdidas, pero siempre desde el punto de vista positivo y amable de la vida. EsteCrazy for You, en definitiva, quedacomo un álbum muy agradable y sencillo de escuchar, recompensando a los oyentescon grandes canciones. Disfrutadlo.

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Los Temazos:Boyfriend, Crazy for You, The End,Goodbye, I Want To, When the Sun dont Shine, Bratty B, When I`m With You.

Etiquetas: Indie Rock, PopRock, Noise Pop.

Led Zeppelin II (1969)

2012-03-04T22:52:00.000+01:00

Led Zeppelin se adelantó a su tiempo. Cuando elmundo de la música se estaba lamiendo las heridas con la separación de los Beatles o por la tragedia de Altamont;cuando el verano del amor quedaba como un recuerdo ya muy lejano y larevolución hippie parecía haberse ahogado en sus propias intenciones; justocuando la gente empezó a dejar de creer en el 'Paz y Amor', un enorme Zeppelín de plomo comenzó a circular porlos cielos de Inglaterra.

El disco debut que publicó Led Zeppelin en enero de 1969 fue uno de los discos más grandes quehaya habido en toda la historia del rock. Se dice que Led Zeppelin sólorevolucionó la música una vez, y fue con ese disco. De su factura eran lascanciones más pesadas que se hubieran hecho jamás. Gracias a enormes temas comola aplastante 'Baby I’m Gonna Leave You'o la genial 'Communication Breakdown'lograron posicionarse como los reyes del hard rock de la noche a la mañana.

Led Zeppelin mataron a los sesenta. Le quitarontoda aquella inocencia a la década: mandaron a paseo a los Beatles, dieron untortazo a los Rolling y pasaron aliderar la nueva era con un puñado de canciones grabadas en apenas una semana.Y eso que todavía no habían empezado los setenta, pero aquel disco sonaba tanfresco y rompedor que se desmarcó absolutamente de todo lo que se veniahaciendo hasta entonces, dando comienzo al sonido que se expandió en la siguiente década.

El primer disco fue hecho en un breve espacio detiempo, y aunque mucha gente lo considera lo mejor que hayan hecho jamás, yo hedecidido regalaros su segunda obra. Pienso que en este segundo intento, la máquinaestaba mucho más engrasada y el sonido gana en fuerza. Partiendo de la rupturainicial que supuso el Led Zeppelin I,para este segundo álbum el grupo ya conoce sus puntos fuertes y los explota almáximo.

La gente a día de hoy sigue hablando mucho de LedZeppelin, ya que su influencia en la música actual es innegable. Se siguendiciendo cosas buenas y malas acerca de ellos, pudiendo criticar sus excesos ysu histrionismo. Pero de lo que no hay duda es que durante un largo periodo deaños, principalmente la primera mitad de los setenta, ellos eran los reyes, conun directo acojonante y demoledor. Fuerza, calidad y carisma,eso era Led Zeppelin.

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Los Temazos:Whole Lotta Love, The Lemon Song,Heartbreaker, Ramble On.

Etiquetas: Blues Rock, HardRock, Heavy Metal

The Deadbeats - Deadbeats (1999)

2012-02-28T22:21:00.000+01:00

Si eres de esos que no puede vivir sin escuchar alos Hellacopters quinientas veces aldía, entonces no puedes dejar pasar al disco que os traigo hoy. The Deadbeats también son Suecos y elsonido sucio que practicaron en su disco debut recuerda mucho al Payin' the Dues. Todo, hay que decirlo, no ha nacido todavía una banda que sea capaz de hacer sombra a los Hellacopters, pero estos se acercan bastante. No ofrecen otra cosa más que canciones rápidas y directas, sin excesivas complicaciones o florituras.

Es por ello que nos encontramos un disco repletode temitas rockeros con ese toque garage que tanto nos gusta. En definitiva,unas cuantas canciones que invitan a pisar el acelerador y no mirar atrás. Esosi, conduce con cuidado por que el riesgo de accidente se duplica sin vasescuchando este disco. Para no perder la tradición, y como apenas había música de ellos en Youtube, hemos hecho un pequeño videoclip que esperamos que os guste tanto como el disco...

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Los Temazos:Get your Head Straight, Hey Baby!, Rollwith the Punches, High Stakes High Times, Womanimal, Loaded.

Etiquetas: Garage Rock,Hard Rock

Pink Floyd - Animals (1977)

2012-02-22T22:12:00.000+01:00

Tal vez loque Wagner fue en la época para laópera lo haya sido Pink Floyd parael rock. En ese crepúsculo de la experimentación que representaron los 70’s, ydebido al vigoroso ímpetu con que la psicodelia se elevó a la categoría degénero, la banda se identificó pronto con ese desencanto que acecha siempre aléxito, con ese estupor romántico que impregna todas sus canciones, hasta elpunto de que el aura profética del grupo se transformó en su propia esencia, ytoda la evolución previa y la progresión artística convergieron finalmente ensu música, de la que acaso este Animals es, por cierto, su obra más lograda ymás auténtica.

Porque deese aire enrarecido de mundo que sucumbe no nos podremos jamás desembarazar. Elhilo narrativo del disco goza de una épica monumental, de una heroicidadimpersonal no por eso menos decadente. De ahí que los vientos folk que soplanal principio y al final de Animals tan sólo brinden el reflejo de un momento dealivio, de un instante de lírica y suave vanidad, pues a pesar de su tibieza yde la profundidad de su sonido, parecen estar hablándonos desde la distancia.

En efecto, ¿qué significa escuchar a Pink Floyd?Si lo describiéramos en pocas palabras, diríamos que es una de las experienciasmusicales más satisfactorias que uno puede encontrar hoy en día. Un grupo único,etéreo; una de las bandas de rock más grandes que ha habido nunca; líderes ypioneros del progresivo durante la segunda mitad de los años setenta, música trascendentalque busca tocar las fibras sensibles del oyente, trasladándolo a unos parajesdesconocidos, invitándolo a sentir la historia de su música.

La magia del grupo comienza en 1971, año en quese inaugura la etapa progresiva de Pink Floyd. En ella se desmarcan de sus raícesmás psicodélicas y experimentales y sale a la luz la magnífica 'Echoes', que resulta totalmenteinnovadora, rompedora y futurista. Una suite dilatadísima que da el pistoletazode salida a su época más gloriosa.

Seguimos en el 73 con el magnífico Dark Side of The Moon, que es uno de losdiscos más influyentes de la historia, una obra impecable y trascendental. Un álbumque los catapultó al olimpo de la música, poniendo a sus pies a crítica y público.Revolucionario en todos los aspectos, alzó ese rock puro y sin adornos hasta elaltar del arte atemporal –adjetivos todos insuficientes para esta obra magna dela música contemporánea.

Nos encontramos, pues, ya en el año 1977, con lapublicación de Animals y con unabanda fragmentada, consumida a consecuencia de la fama y las presiones deléxito. No hay que olvidar que Pink Floyd fue la banda de rock más importante deaquellos años, lo que terminó por destruirlos. Pero antes de que se apagara sullama para siempre, nos dejaron como legado un disco hermoso y crudo a la vezcomo es este Animals. Porque PinkFloyd era ya una banda rota por dentro. Aunque musicalmente este aspecto no seaprecia, supongo que la indiferencia y el desprecio que se tenían entoncesentre ellos contribuyeron a dotar de mayores dosis de angustia y desesperanza ala producción del álbum. Porque, es cierto, este no es un álbum optimista. De inspiracióndirecta de la obra de George Orwell,Rebelión en la Granja, se nos muestrauna durísima crítica social a los diferentes estratos de la civilización.

Brutal y explícita crítica a la política, a losricos, a los ejércitos, un canto en contra de la opresión del dinero y la corrupcióndel alma humana: Ovejas, Cerdos y Perros… Una hojeada a las letras basta paracaptar rápidamente toda la ira y desesperanza que se nos trasmite en el transcursodel álbum. La enorme Dogs,irresoluble en sus 17 minutos de gloria, que transmite una tensión latente querealmente llega a ahogar la respiración y cuya parte final explota con enormefuria. Qué decir, luego, de Pigs: ''Big man, Pig man, haha, Charade you are''nos escupe en la cara Roger Waters. Yno debemos olvidar el emotivo, sensacional solo final de guitarra con el quenos deleita David Gilmour, queresulta inolvidable y que eleva la canción al cielo con su exquisita técnica. Porúltimo Sheep, para mí un poco pordebajo de las anteriores, pero igualmente sublime. Y así, de la misma manera comocomenzó, el disco se cierra con una balada acústica para recuperar el aliento.

En definitiva, un disco redondo, enorme eirrepetible. Quizá no sea su obra maestra, pero yo considero que destila todala esencia de lo que significó Pink Floyd en su día y sigue significando. Disfrutadlo al máximo.

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Los Temazos: Dogs, Pigs(Three Different Ones)
Etiquetas: Rock Progresivo

Kings of Leon - Youth & Young Manhood (2003)

2012-02-12T15:38:00.002+01:00

Olvida todo aquello que hayas oído acerca de los Kings of Leon. Olvida que has oído que ahora son una panda de nenas y que hacen música para quinceañeras. Olvida el hecho de que hayan transformado su sonido hasta convertirse en unos sureños llenaestadios siguiendo una fórmula similar a la de U2. Puede ser que en el año 2008 vendieran su alma al diablo para conseguir el éxito comercial masivo con los famosísimos 'Use Somebody’ y 'Sex on Fire', momento en el cual muchos de sus seguidores iniciales se sorprendieron de que estos chavales hubieran cambiado tanto en tan poco. Ojo, ni mucho menos este humilde editor piensa que sus últimos discos sean malos, pero la cuestión es que el disco debut de los Kings of Leon que os traigo hoy destroza a cualquier cosa que hayan hecho después. Basta comparar 'Red Morning Light' con 'Use Somebody' para darse cuenta de que en sus comienzos eran jodidamente auténticos.

Nos encontramos con un disco debut bastante cañero y potente, que en el año 2003 pegó bastante fuerte en los círculos indies. Lo cierto es que no es una banda indie al uso, ya que su sonido es inicialmente mucho más crudo y menos refinado que los debuts de los Strokes o Interpol, por nombrar algunos. Donde aquellas grupos se acercaban a las fronteras del post punk, estos Kings of Leon bebían directamente de las fuentes de la Creedence y Allman Brothers. La cuestión es que ya no estaban en los setenta y no podían repetir la eterna fórmula del pasado. Consiguieron conjugar de buena manera aquellos sonidos de hacía 30 años con las corrientes musicales actuales. El resultado es este magnifico Youth & Young Manhood.

El disco comienza con 'Red Morning Light', que es pura dinamita. Se trata de una canción muy básica, con esa gran línea de bajo que guía todo, esas voces setenteras, sin ningún ánimo de sonar modernos, y ese impresionante solo de guitarra que suena al minuto y medio de canción. Seguimos luego con 'Wasted Time', un temita repleto de ganchos y cambios de intensidades que la convierten en algo frenética. Hay que destacar en estos temas, la especial calidad vocal de Caleb Followill, cuyo rango vocal le permite forzar su voz hasta el límites con tal de conseguir el efecto deseado. Se trata de una voz rasposa, de esas que parece que se haya pasado la vida desayunando whisky. Podemos destacar también a 'California Waiting', que tiene un toque un poco más actual pero sin perderle nunca la cara a los guitarreos distorsionados y coros pegajosos. Podríamos estar hablando de un pequeño himno sureño, con esas letras que recuerdan a viajes en coche hacia la tierra prometida californiana, en busca del preciado sueño americano. Tiene un punto triste y melancólico, con esa parte final del tema que suena desesperada y angustiosa que la convierten en una canción enorme.

En definitiva, uno de los mejores discos de la nueva ola de grupos que surgieron en esta década pasada. Puede que ahora mismo los Kings of Leon sean una sombra respecto a lo que fueron en su día, pero merecen respeto por discos como este. Tras este Youth & Young Manhood todavía hicieron un puñado de discos notables, pero ya nada fue como antes.

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Los Temazos: Red Morning Light, Happy Alone, Wasted Time, California Waiting, Spiral Staircase, Holly Roller Novocaine.

Etiquetas: Indie Rock, Southern Rock, Country Rock, Garage Rock.

The Chameleons - Strange Times (1986)

2012-01-31T22:57:00.001+01:00

¿Realmente los años ochenta fueron tan malos para la música? Se han dicho cosas bastante poco favorables para esta década, y lo cierto es que no hay demasiadas cosas para destacar si comparamos con otros decenios. Los años 60 fueron una auténtica revolución musical, con el estallido del movimiento hippie y la posterior agitación cultural de las masas. Las mejores bandas del siglo XX surgieron por aquellos días, y se publicaron auténticas obras maestras a finales de los sesenta. En los años 70 el sueño hippie se había desvanecido, pero se expandieron otros sonidos y se seguía haciendo música de una calidad soberbia. El género del rock progresivo tuvo sus días de gloria con bandas como Pink Floyd o Yes, mientras que por otro lado se popularizaron los sonidos más pesados gracias a grupos como Led Zeppelin o Black Sabbath. A final de los setenta se avecinaba una nueva tendencia musical y un drástico cambio en el género, con la proliferación de estilos como el punk o la new wave.

Con la entrada de la nueva década apenas quedaban grupos de aquellos que habían triunfado unos años atrás, y ahora las compañías discográficas con la ayuda de la MTV fueron los encargados de crear a las nuevas estrellas. Por primera vez estaba primando para las discográficas la idea de las ventas por encima de la calidad artística, y quizá fue esa la razón de que apenas se hiciesen un puñado de trabajos que realmente marcaron época. Estamos hablando de unos años donde se popularizaron unos estilos de música de consumo rápido: millones de bandas clónicas de pop metal salían por la tele haciendo el mismo tipo de canción una y otra vez. O grupos de new wave como Soft Cell o Spandau Ballet con sus puñeteros sintetizadores se llevaban la otra parte del pastel. Sin ser música necesariamente mala, su nivel era muchísimo peor respecto a todo aquello que se había estado haciendo unos cuantos años atrás. Apartadas de las tendencias principales de la época, convivían de modo marginal en el underground, bandas de noise, punk y hard rock de inspiración setentera, que tendrían su momento de gloria con el Grunge en los noventa.

Como os decía, la década de los ochenta fue una época oscura musicalmente hablando, pero existen algunos grupos como The Chameleons que merece la pena destacar. Se trata de una banda de post punk, cuya tendencia viene inspirada directamente de los sonidos oscuros que crearon los míticos Joy Division. Pero The Chameleons no fueron una banda tan pesimista ni decadente como el conjunto de Ian Curtis, sino que buscaron conjugar ese sonido misterioso del post punk, pero añadiéndole un tono colorido y vitalista. También hay que señalar que la época en la que estaban influía mucho en su sonido, así que esa pincelada ochentera viene fuertemente imprimida en su sonido.

Nos encontramos con un disco cautivador y con un puñado de canciones de gran calidad para la época, que ganan mucho con la producción tan lograda que tienen. La atmósfera del disco es inmejorable, conseguida gracias a voces con eco y las guitarras con delay. Al fin y al cabo no deja de ser un sonido muy cercano a los esquemas del pop, pero la carga instrumental de las canciones resulta ser muy elaborada, con largos desarrollos, siempre buscando la creación de temas redondos. No hay mucho más que añadir, espero que disfrutéis de este gran disco. Para que luego no se diga que en los ochenta se hacia mala música.

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Los Temazos: Mad Jack, Caution, Soul in Isolation, Swamp Thing, Time the End of Time

Etiquetas: Alternative rock, Post-Punk, Pop/Rock

Supersuckers - Motherfuckers Be Trippin' (2003)

2012-01-15T14:11:00.000+01:00

Hay algunas noches en la vida en las que uno estando animado baje al bar de la esquina a tomar unas birras. De las cervezas, muy probablemente pase a los whiskys, mientras le cuenta su amarga vida al desconocido que bebe al otro lado de la barra. Esas noches pueden acabar teniendo una pelea con 2 matones a la salida del bar, ligándose a la camarera de turno o bebiendo hasta caer redondo. Así son las noches para los Supersuckers y así es su música. Rock desgarbado y enérgico procedente de Tucson, Arizona.

Todo el carisma del grupo lo lleva el mítico Eddie Spaghetti, cuya actitud dentro y fuera de los escenarios lo convierten en uno de los tipos más auténticos del rock actual. Por tanto, en este disco no encontrarás nada más que hard rock con un punto country que resultará irresistible para tus oídos. Esperamos que lo disfrutes.

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Los Temazos: Rock-N-Roll Records (Aint Selling This Year), Rock Your Ass, Pretty Fucked Up, Bruises to Prove It, Bubblegum and Beer, A Good Night for My Drinkin'

Etiquetas: Garage Rock, Rock n Roll, Country Rock, Hard Rock.

The Kills - Midnight Boom (2008)

2012-01-04T19:34:00.002+01:00

Estos últimos tiempos se ha puesto muy de moda aquello de crear dúos de rock. Seguramente te vendrán bastantes nombres a la cabeza, y de hecho hemos hablado de algunos de ellos por aquí. Lo cierto es que resulta una fórmula bastante acertada para crear sonidos simples pero elaborados partiendo únicamente de 2 componentes.

The Kills es un dúo formado en el año 2000 por Alison Mosshart y Jamie Hince, siendo ambos procedentes de bandas de punk de Inglaterra y Estados Unidos respectivamente. Podemos considerarlo un grupo muy versátil en sus producciones, ya que ambos hacen las veces de guitarristas, y también se intercalan en las partes vocales. En sus directos últimamente han estado utilizando percusiones sampleadas para no tener la obligación de utilizar batería, para así poder tocar y cantar a sus anchas.

Se trata de un grupo que en sus primeros discos sonaban muy garageros, y a primera vista la critica les encasilló como otra banda que simplemente buscaba hacer un blues revival con tintes sucios al estilo de los White Stripes. Pero detrás de esas toneladas de distorsión y gritos, parecía haber algo más. No buscaban ser enmarcados en aquel género, y por ello en sus siguientes discos buscaron expandir su sonido hacia otras fronteras.

Allá por el 2008 publicaron su tercer disco 'Midnight Boom', un álbum mucho más elegante y cuidado que sus esfuerzos en el pasado. Este lavado de cara a su sonido les sentó muy bien y consiguió aumentar en gran medida el número de sus seguidores. Nos encontramos por tanto con un disco que derrocha frescura e imaginación, logrando un puñado de canciones redondas y consistentes. El grupo explota muy bien la imagen de chica mala y decadente de Alison, acompañando las canciones con letras sucias pero honestas. Trata de vendernos una imagen de ''I don't give a fuck'' que resulta irresistible.

En definitiva, nos encontramos con un álbum de rock colorido, explosivo y vitalista. Del disco podemos destacar temas como 'Cheap and Cheerful', que gracias al imaginativo uso de las percusiones electrónicas consigue darle al tema un punto bailable y actual. 'Tape Song' recuerda mucho al sonido de sus primeros discos, ya que posee un estribillo con mucha fuerza y las guitarras mantienen bastante protagonismo. ''Time ain't gonna cure you honey, Time don't give a shit'' canta Alison con despecho. Estaros atentos a la parte final de la canción por que es excelente. También hay que destacar a 'Last Day of Magic', que busca mantenter la crudeza de sus comienzos, pero a la vez lleva toques más modernos, que la vuelven una canción irresistible. 'Hook and Line' es el típico single redondo del grupo: voz distorsionada y guitarras sucias, que arrastra mucha fuerza hacia la parte final.

En definitiva, uno de los grandes discos de los últimos años. Un álbum novedoso y cool, pero que tiene muy en cuenta los sonidos del pasado para acabar construyendo un disco notable. Esperamos que lo disfrutéis.

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Los Temazos: Cheap and Cheerful, Tape Song, Last Day of Magic, Hook and Line, Black Balloon.

Etiquetas: Indie Rock, Garage Rock.

I'm bored of cheap and cheerful
I want expand some sadness
Hospital bills, parole
Open doors to madness

I want you to be crazy
'Cause you're boring baby when you're straight
I want you to be crazy
'Cause you're stupid baby when you're sane

I'm sick of social crazes
Show your sharp tipped teeth
Lose your cool in public
Did the legal meet

Vanishing Rock Compilation 2011

2011-12-26T15:37:00.001+01:00

Desde agosto de 2011 hemos subido un gran número de discos al blog de una amplia variedad musical. Espero que hayáis disfrutado con los discos que aquí se han expuesto y que ahora conozcáis nuevos grupos con los que expandir vuestros horizontes.

Como pequeño obsequio para los seguidores del blog, he realizado un recopilatorio con las mejores canciones de los discos de los cuales hemos hablado en Vanishing Rock. Tenéis a vuestra disposición 70 temazos de gran variedad, donde seguramente encontraréis bastantes canciones de vuestro agrado. Los temas están extraídos únicamente de aquellos álbumes de los que os he hablado durante este año. He procurado unirlas bien entre sí para que sigan una temática similar entre ellas.

Finalmente, me gustaría desear a todos los lectores un Feliz Año Nuevo, donde espero que se cumplan todos vuestros deseos y expectativas.

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Eddie Hazel - Games, Dames and Guitar Thangs (1977)

2011-12-17T14:20:00.000+01:00

El disco que os traigo hoy es una de las joyas ocultas de los 70, un disco poco conocido pero que va a hacer las delicias de aquellos que buscan sonidos de calidad. Eddie Hazel fue durante la década de los 70 el guitarrista principal de las míticas bandas Funkadelic y Parliament, y es considerado como uno de los pioneros en usar guitarras pesadas en el funk.

Estamos hablando de un artista que no fue muy prolífico. Colaboró ampliamente en los 3 primeros discos de Funkadelic a comienzos de los 70, y después, tuvo diversos problemas con las drogas y la ley. Aquellos hechos hicieron que se distanciara mucho de la banda y apenas aportase mucho material al grupo. Su legado para Funkadelic lo dejo en 1971 con la inmensa 'Maggot Brain', un emotivo solo de guitarra de 10 minutos que sin duda pasará la historia por su calidad y derroche de sentimiento. Después de realizar aquella obra maestra se sumió en una semioscuridad creativa, haciendo apariciones esporádicas y colaboraciones puntuales.

Para 1977, y cuando nadie esperaba nada de él, sacó este disco. Un álbum donde podemos observar sus enormes dotes para la improvisación y apreciar su cuidada habilidad para tocar la guitarra. Las covers de 'California Dreaming' y 'I Want You' son de lo mejor del disco, ya que al ser los temas más largos es allí donde podemos evaluar la técnica de Eddie Hazel con mayor precisión. El resto de los temas están bien, aunque puede que alguno resulte un poco flojo y repetitivo. Hay que considerar que era un artista en horas bajas, y apenas pudo ofrecer algún destello de calidad en ciertos momentos.

Hemos añadido también algunos bonus tracks que originalmente no fueron incluidos en su día. De ahí destacamos la canción 'Lampoc Boogie' y sus 11 minutazos de pura magia.

En definitiva, un disco para apreciar el derroche de calidad que nos brinda aquí Eddie Hazel. Esperamos que disfrutéis de esos increíbles solos de guitarra tan especiales. Sin duda puro sonido funk de los 70.

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Los Temazos: California Dreamin', I Want You (She's So Heavy), Lampoc Boogie

Etiquetas: Funk, Hard Rock, Psicodelia, Soul.

Willis Drummond - Istanteak (2011)

2011-12-14T16:18:00.003+01:00

Hoy os traigo a uno de los grupos vascos que mas fuerte están pegando últimamente. Willis Drummond lleva ya un tiempo en el mapa gracias a un directo acojonante y a unos discos contundentes.

Istanteak es su último disco, del que se ha dicho que es un álbum que ha perdido algo de fuelle con respecto a sus primeros trabajos. Pero nada más lejos de la realidad, ya que siguen sonando igual de frescos y vitalistas como siempre.

Si hubiera que citar sus influencias, podríamos decir que su sonido refleja los ecos lejanos del rock sucio y el punk de los 90 de Soundgarden o Fugazi. Aunque esas comparaciones se quedan algo huecas al escuchar sus canciones, ya que se advierte un estilo particular y único. Me gusta mucho 'Begi Erreak' y su enorme parte final, la crudeza de 'Ez da Dudarik' y la fuerza que trasmite 'Noiz da Gero'. En definitiva, un puñado de canciones con pegada que no van a defraudar.

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Los Temazos: Araua (Gurea), Begi Erreak, Ez Da Dudarik, Noiz Da Gero?

Etiquetas: Post-Hardcore, Hard Rock.

Black Rebel Motorcycle Club - BRMC (2000)

2011-12-05T15:01:00.003+01:00

Black Rebel Motorcycle Club se puso en el mapa en el año 2000 con este BRMC y fue considerado uno de los primeros abanderados de la New Rock Revolution que hubo en los Estados Unidos desde el año 2001 hasta el 2004. Forma parte de esa buena hornada de grupos que surgieron por aquellas fechas, como es el caso de los Kings of Leon, Interpol o los Strokes.

Este primer álbum suyo no tiene mucho en común con aquel Howl que revisionamos hace unos meses por aquí. Donde ahora había Country y Folk, en sus comienzos fue noise en la vena de Sonic Youth, Dinosaur Jr o The Jesus and Mary Chain. Un sonido a veces sucio, otras veces muy pulido, que a pesar de ser una banda americana, tenía mucha influencia británica. Nos encontramos con un disco que nos muestra una amplia amalgama de sonidos. Desde la furiosa 'Whatever Happened to My Rock n Roll', que viene muy influida por Iggy & The Stooges hasta otras más psicodélicas o shoegaze como 'Rifles'.

El álbum comienza con 'Love Burns', que resulta lenta pero segura, suave pero a la vez fuerte; con estribillo de esos que se quedan grabados a fuego en la cabeza. El temita va ganando fuerza y cadencia en la parte final, quedándose como un single redondo. Hay que reconocer que es todo un éxito empezar el disco con un temazo así.

'Whatever Happened to My Rock n Roll', -como decíamos antes- es todo furia y rabia. Es la otra cara del grupo: capaz de hacer canciones sensibleras como la primera, y al de un momento escupirte este otro gran tema en la cara. 'As Sure as the Sun' es otro grandísimo acierto, con un ambiente cargado y desarrollo lento. Sus casi 6 minutos son todo un viaje, con ecos lejanos al heavy psych de los sesenta, gracias a ese tramo final cargado de ruido y distorsión.

‘Rifles’ es otra canción que sigue esa senda, suena algo más moderna, con mucha influencia del shoegaze noventero pero con un lavado de cara del siglo XXI.

Un puñado de canciones tan buenas como estas son las que consiguen poner a una banda en el punto de mira del éxito. Temas así realizados para un disco debut siempre augura un futuro prometedor a una banda, y así ha sido. Quizás no hayan saboreado las mieles del éxito como los Strokes o Kings of Leon, pero nunca han dejado de ser auténticos. Nunca han dejado de mostrarnos su particular visión del rock. Quizá sea por eso que cantaban aquello de 'Whatever Happened to My Rock n Roll' en una época en el cual el grunge llevaba ya mucho tiempo muerto y parecía que el viejo rock estaba apunto de morir.

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Los Temazos: Love Burns, Whatever Happened to My Rock n Roll, As Sure as the Sun, Rifles, Spread Your Love.

Etiquetas: Noise Pop, Alternative Rock.

Quest for Fire - Lights From Paradise (2010)

2011-11-28T00:17:00.005+01:00

Escuchar a Quest for Fire es toda una experiencia para los sentidos. No os dejéis engañar por la etiqueta del stoner rock: Esta música traspasa cualquier calificativo que intente encasillarla. Estamos, sin duda ante un grupo especial y auténtico. Mezcla de los pasajes espaciales de Pink Floyd y la fiereza desértica de Josh Homme. Tales extremos tan alejados parecen atraerse con sorprendente facilidad en esta banda.

Con fuerza, pero muchas veces comedidos, así se muestran Quest for Fire. A veces dan la sensación de no querer llevar sus riffs demasiado lejos por miedo a perder las riendas de su propia música y acabar convirtiéndose en otro grupo stoner más. No quieren ser una banda que caiga en los eternos clichés y las imitaciones a Kyuss de baja calidad. Buscan llegar muy lejos, y de momentos están consiguiendo expandir su sonido a algo único. Quizás el calificativo que más justicia les haga a su sonido sea el de grandioso, pero construido a base de esfuerzo y talento creativo.

'The Greatest hits by God' resulta una presentación acojonante para el disco, un comienzo que logra estremecer en sus 7 minutos repletos de pura magia. Probablemente sea la tensión latente de la canción -que no termina de explotar en ningún momento- lo que la convierta en algo especial, algo que merezca la pena disfrutar. 'Confusions Home' tiene una estructura igualmente épica, y posee un final absolutamente arrollador, perfectamente arropado por un riff musculoso y potente. Tampoco podemos decir que sea de esos discos que se desinflan al final de su metraje. Temas excepcionales como el folkie ‘Physchic Seasons’ o la espacial ‘Hinterlands Whos Who’ prueban lo contrario.

Quizás en el futuro esta banda deje a un lado los singles fáciles como 'Set Out Alone' y se aventuren a hacer cosas tan grandiosas como las anteriormente mencionadas. Pienso que a este grupo les quedan por dar varios pasos hacia adelante para conseguir dejar una huella imperecedera en la música, pero de momento van por un muy buen camino. Invito a los oyentes a que cierren los ojos y se dejen embaucar por las atmósferas de Quest for Fire. No les defraudarán.

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Los Temazos: The Greatest Hits By God, Set Out Alone, Confusion's Home, Hinterland Whos's Who.

Etiquetas: Indie Rock, Psicodelia, Stoner Rock.

Vanishing Rap Compilation Vol.1

2011-11-25T15:37:00.006+01:00

A pesar de ser este un blog que generalmente trata de rock, a veces hay notables excepciones donde se tratan otros géneros musicales. El rap es uno de los estilos de los que más he disfrutado en el pasado, y es por ello que tiene y tendrá presencia en el desarrollo de Vanishing Rock.

Por eso me he lanzado a montar un recopilatorio de grandes temas del género, que recomiendo especialmente a todos aquellas personas que no estén muy familiarizadas con este estilo musical. La primera condición que impongo a aquellas personas que quieran introducirse en ese género, es que borren todos los prejuicios de su cabeza. Es un estilo de música que bebe del Soul, Funk, R&B, Disco… que ha creado una interesantísima fusión musical, que alcanzó el mayor apogeo musical a finales de los 80 y primera mitad de los 90.

La recopilación esta dividida en dos partes. La primera se refiere exclusivamente a gangsta rap de los 90, donde encontraremos artistas como Wu Tang Clan o Black Moon. El segundo disco es algo más variado, con algunos temas Old School y otros más alternativos de esta nueva década. También algún tema de rap mainstream de Kanye West, Kid Cudi o Lupe Fiasco. A pesar de que algún purista se podrá tirar de los pelos por incluir estas canciones, considero que son de calidad, y por eso están aquí. Esperamos que lo disfrutéis.

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Si os habeis quedado con ganas de más, no dudeis de visitar el blog de Rapmadan. Se trata de un programa de radio Bilbaína con mucha buena música negra que ofrecer... Jazz, Funk, y sobre todo Rap de calidad de la mano de Big K y su gente http://rapmadan.blogspot.com/

Soundgarden - Superunknown (1994)

2011-11-19T17:21:00.003+01:00

Para mí, hay tres o cuatro discos en la historia del grunge que brillan con luz propia y se sitúan como obras maestras de la época. Son discos monumentales, que quedarán como testamento de unos tiempos confusos y extraños. En primer lugar destacaría el Dirt de Alice in Chains, del que espero hablar en este blog en el futuro. En segundo lugar está el disco debut de Pearl Jam Ten, con un puñado de canciones excepcionales. Mención aparte habría que hacer a Nirvana y su Nevermind, que a pesar de que sea un disco del cual sólo tolere unos pocos temas, hay que reconocer su mérito en la historia de la música. Pero por encima de todos esos discos tenemos que descubrirnos ante este Superunknown, que para mí resulta una de las obras más redondas que se hayan publicado en los últimos treinta años.

No se trata de un disco fácil, ya que resulta largo y denso. Se sitúa en un peligroso término medio, pues a los fans de Metallica les parecerá demasiado blandito, y para los de Nirvana o Foo Fighters, demasiado heavy tal vez. Pero en esa tierra de nadie Chris Cornell y los suyos se sienten como en casa, poniéndonos ante esos temazos drásticos y arrolladores como 'Superunknown' nada más haberse marcado una baladita lacrimosa como la de 'Black Hole Sun'. En las quince canciones que componen el disco, hay temazos tanto rápidos como lentos, pero todos ellos con un sonido turbio y pesado, directamente extraídos de los riffs de Black Sabbath y Led Zeppelin.

Podemos considerar multitud de temas, ya que es un disco casi perfecto, pero de entre todas ellos hay destacar el comienzo con 'Let Me Down', una introducción furiosa y enérgica. Sigue la caña luego con 'My Wave', canción optimista y rebelde sobrada de fuerza, construida sobre un riff de guitarra sencillo pero efectivo. Luego la cosa se relaja con 'Fell On Black Days', un temita más lento que sin embargo demuestra la versatilidad del grupo, manteniendo con todo la tensión latente.

'Superunknown' es un tema rockero de manual, pero a pesar de ser muy típico, se deja disfrutar sin que te dé un respiro. Y luego llega 'Black Hole Sun', una de sus canciones más famosas y memorables. Y no deja de ser curioso que una banda de heavy/grunge triunfe con una balada como ésta, pero así son las cosas.

A propósito, la intrahistoria del tema data del verano del 94, unos pocos meses después de la muerte de Kurt Cobain. Sucedió que la canción comenzó a ser radiada a todas horas en las radios y en la MTV. Y es que aquel aire melancólico y deprimente de la canción sirvió de himno y sonó a modo de elegía para los tristes días en que la comunidad grunge trató de superar la muerte de su ídolo. Una canción de tintes psicodélicos que acabó convirtiéndose en uno de los hits de ese verano.

'The Day I tried to Live' tiene también una fuerza increíble. Comenzando suavemente con una línea simple de bajo, va ganando intensidad rápidamente hasta llegar al estribillo, donde Cornell se deja la piel. Y en los cinco minutos que dura combina partes más suaves y melódicas con otras más poderosas. '4th of July' es un tema lento y pesado, que comienza con un riff que perfectamente podía haber firmado Black Sabbath.

En definitiva, un disco enorme; quizá no sea sabroso para todos los paladares, pero para quienes todavía desconozcan a Soundgarden y quieran disfrutar de las grungerías más auténticas, escucharlo es una obligación. A pesar de que han pasado 17 años desde que se publicó, sigue sonando decidido y fresco como el primer día. Esperamos que lo disfrutéis.

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Los Temazos: Let Me Down, My Wave, Fell On Black Days, Superunknown, Black Hole Sun, Spoonman, The Day I Tried to Live, 4th Of July.

Etiquetas: Heavy Metal, Alternative Rock, Grunge

The Muggs - The Muggs (2005)

2011-11-13T11:50:00.001+01:00

Este power trio procedente de Detroit viene con ganas de dar guerra. The Muggs es otra banda que busca rescatar los sonidos de finales de los 60 y comienzos de los 70, como es el caso de Led Zeppelin o Grand Funk Railroad. A pesar de haber surgido en la década equivocada, no hay duda que saben transmitir toda la energía y pasión de aquellos días.

Lo cierto es que ser una banda de rock en Detroit puede ser una carga bastante complicada, al tener que soportar las eternas comparaciones con MC5 o Iggy & The Stooges, pero lo cierto es que superan dicha prueba ampliamente gracias a este disco debut. Se trata de un álbum que desborda intensidad y carácter de principio a fin, ya que no se pierde en laberintos progresivos ni en baladitas folk. Aquí todo lo que hay es rock.

Comenzando por la furiosa 'Need Ya Baby', y siguiendo hasta la abrasiva 'Shoul've Learned My Lesson' el disco parece que no pierde fuerza en ningún momento. 'Monster' hace honor a su nombre con un solo de guitarra enorme en la segunda mitad del tema, mientras que 'Said & Done' tiene un sabor añejo que demuestra que siguen existiendo bandas que saben hacer las cosas bien. Esperamos que lo disfrutéis.

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Los Temazos: Gonna Need My Help, Rolling B-Side Blues, Monster, Should've Learned My Lesson, Said & Done.

Etiquetas: Blues-Rock, Hard Rock

The Weeknd - Thursday (2011)

2011-11-07T16:36:00.007+01:00

The Weeknd es el nombre artístico de Abel Tesfaye, una de las jóvenes promesas del R&B internacional. Al igual que Frank Ocean, ha decidido publicar sus mixtapes en Internet de manera gratuita, para tener así la mayor difusión posible de su música. Se ha demostrado que es un magnífico canal siempre que aquello que publiquen sea de buena calidad, por que al final lo bueno se acaba descubriendo. Otro de los aciertos de publicarlo gratuitamente es el hecho de que es el mejor modo de tener libertad creativa absoluta. Todo esto se refleja en el sonido del disco, que resulta novedoso y rompedor. No hay en este álbum ninguna intención de hacer dinero, simplemente se busca dar su talento a conocer.

Es por ello que este es un disco extraño, ya que no esta hecho para todo tipo de publico. Se trata de un álbum oscuro, lleno de niebla y humo. Pero aquel que sea capaz de sumergirse en sus ambientes cargados y nocturnos, saldrá muy bien recompensado. Esto es R&B, pero nada que ver con los habituales circuitos comerciales en los cuales se suele etiquetar este género. The Weeknd tiene algo especial de lo cual los demás carecen, y a lo largo de todo el disco transporta a los oyentes en un viaje extraño y especial. Un conjunto de canciones minimalistas y pausadas, que van ganando con el tiempo a medida que se escuchan varias veces.

Su música es hipnótica y enparanoiante, donde todos los temas siguen un ritmo similar durante todo el metraje. Se pueden apreciar sutiles influencias del dub, reggae y drum and bass, y también podemos mencionar -salvando las distancias- al trip hop de Portishead o Massive Attack. En definitiva, un disco arriesgado, oscuro y extraño, pero muy disfrutable.

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Los Temazos: Lonely Star, The Birds Part 1, Rolling Stone

Etiquetas: R&B

Interpol - Our Love to Admire (2007)

2011-11-03T23:39:00.004+01:00

Después de haber hablado hace unos días de Editors, hoy os traigo a otra banda de post-punk, herederos directos de Joy Division y su sonido oscuro. Interpol fue una de las sensaciones al comienzo de la década pasada. En 2002, su disco debut Turn On the Bright Lights resultó un poderoso analgésico para la sociedad occidental post 11-S, triunfando gracias a sus atmósferas sombrías y letras encriptadas. También ayudo mucho el hecho de que la voz de Paul Banks recordada mucho a la de Ian Curtis, el fallecido líder de Joy Division. El disco debut es una obra maestra, un auténtico faro que situó a la banda como uno de los referentes del sonido de la nueva década. Pero a veces hacer un disco debut tan bueno puede resultar una carga pesada, ya que las expectativas están muy altas desde el comienzo.

Lo cierto es que lo facil y lo obvio sería hablar de Turn On the Bright Lights en el blog, pero he decidido reivindicar Our Love to Admire, que en su día fue acribillado por la critica y pienso que merece un mayor reconocimiento. Supongo que parte de esas críticas proceden del hecho de que este disco es su primero en una gran discográfica, ya que los anteriores los grababan en un sello minoritario. Muchos pensaron en su día que pasar a una gran compañía haría que cambiaran su sonido y perdieran su esencia. Basta escuchar los primeros acordes del disco para darse cuenta de lo contrario. En este tercer disco Interpol siguen siendo los mismos de siempre. Para mi gusto aquí consiguen un disco bastante cohesionado y con una buena cantidad de temazos.

El disco comienza con Pioneer to the Falls, una canción lenta y larga, que resulta perfecta en el propósito de introducir al oyente en la escucha. Es cierto que le cuesta arrancar y en sus casi 6 minutos se puede hacer un poco pesada, pero la recompensa merece la pena. No I in Threesome es una canción más típica de Interpol, con un enorme tramo final que cierra con mucha fuerza. Una de las canciones moviditas es Heinrich Maneuver, un tema rápido y directo, y con razón fue el primer single del disco. Es un auténtico temazo, para mí lo mejor del álbum. Suena muy parecida a Slow Hands, que fue su anterior exitazo de su segundo disco.

Después vendrá Mammoth con su pedazo de riff a volvernos a todos locos, mientras Paul Banks escupe la letra con rabia. Podemos destacar también en la parte final a Who Do You Think?, que es un tema algo más luminoso y vitalista, pero en el fondo al observar la letra con atención uno se da cuenta que es una canción deprimente. En definitiva, un disco notable de parte de una de las mejores bandas que han surgido estos últimos años. Esperamos que la disfruteis.

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Los Temazos: Pioneer to the Falls, No I in Threesome, Heinrich Maneuver, Mammoth, Rest My Chemistry, Who Do You Think?

Etiquetas: Indie Rock, Post-Punk

Let it come

'Cause I've got a chance for a sweet sane life

I said I've got a dance and you'll do just fine

Well I've got a plan with forward in my eyes

The Allman Brothers Band - At Fillmore East (1971)

2011-10-30T22:34:00.007+01:00

Éste es, probablemente, el grupo que mejor encarna el espíritu musical americano de principios de los 70’s. En una época en la que los invasores ingleses, es decir Led Zeppelin y los Rolling Stones, llenaban los estadios, The Allman Brothers Band se propusieron llegar a lo más alto –y vaya si lo hicieron– con un sonido único: con esa mezcla de rock, blues, country, jazz y psicodelia que nos llega al corazón. Y mientras la banda mantuvo a todos sus componentes, Allman Bros. Band fueron los mejores sobre el escenario. Con este disco capturaron toda la magia con la que bañaban sus directos, verdaderos acontecimientos con los que romper todas las barreras del trabajo de estudio.

Era precisamente en los conciertos donde los Allman Brothers desplegaban su talento y la grandeza de su alma. Su directo era sencillamente espectacular, dominado por largos desarrollos instrumentales por una parte y, por la otra, por momentos jodidamente épicos. En ciertos tramos, funcionaban incluso como una banda de jazz, donde los músicos actuaban dejándose llevar, en esa aparente deriva de la melodía que no obstante sólo los grandes músicos consiguen, alargando además los temas hasta el delirio, y donde cada uno daba, en definitiva, rienda suelta a su virtuosismo. De ahí la increíble explosión de sonido que caracteriza al disco.

Duane Allman era el genio de la guitarra. Su estilo hizo estremecerse hasta al mismísimo Eric Clapton, quien vio en él a una nueva estrella de la eléctrica. Insistió mucho en conocer a Duane. Tanto que finalmente grabaron juntos las guitarras del nuevo grupo de Clapton Derek and the Dominoes. Supongo que muchos conoceréis la canción 'Layla' de Clapton. Pues bien: hay que saber que fue grabada por ambos. Compuesta inicialmente como balada, Duane le hizo un lavado de cara rockero y concibió nuevas partes, incluyendo el mítico fraseo de guitarra inicial.

Su hermano Gregg Allman era el teclista y vocalista principal, cuyo modo de cantar hacía gala de numerosas influencias de los cantantes soul del momento, ya que la suya era una voz dulce, cálida, pero con un punto rasgado. Si hubiera que destacar a un cantante que ejemplificara el sonido sureño, tendríamos que hablar sin duda de aquel tipo llamado Gregg Allman.

Este trabajo supuso un enorme éxito para la banda, y por fin a los Allman Brothers se les empezaba a conocer por todas partes. Parecía que estaban a punto de comerse el mundo de un bocado y convertirse en la mejor banda de América. Pero la tragedia tuvo que interponerse en su camino, ya que Duane Allman murió atropellado por un camión mientras conducía con su moto cuando tenía sólo 24 años. Aquello fue un gravísimo golpe para la banda, que casi no tuvo tiempo de remontar el vuelo, ya que apenas un año después otro componente del grupo moría en otro accidente. Esto ya fue demasiado para el grupo, y nada volvió a ser como antes. Tuvieron que llegar los años noventa hasta que la banda volviera a reencontrarse a sí misma y, dotada de nuevos componentes, empezar a recuperar el tiempo perdido.

Por lo tanto, este At Fillmore East queda como un testamento vivo de una banda brillando en lo más alto, con unos músicos de enorme talento en absoluto estado de gracia. El despliegue técnico de los Allman Brothers en este concierto constituye todo un regalo para los oídos. Normalmente, en sus discos de estudio no se puede apreciar nada de la magia que fueron capaces de proyectar en directo. Es por esto que resulta el mejor álbum para aquellos que no conozcan de nada a los Allman Brothers. Un disco que, por sí solo, contiene todo el misticismo, los sueños y la leyenda de aquellos inolvidables 70´s.

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Los Temazos: Statesboro Blues, Done Somebody Wrong, In Memory of Elizabeth Reed, Whipping Post.

Etiquetas: Blues-Rock, Hard Rock, Southern Rock, Jazz-Rock

Duane Allman tocaba su guitarra de la misma forma en que montaba su moto o conducía su coche: era un temerario, totalmente en plan “Dios está de mi lado”. Estaba lleno de energía. Era una fuerza de la naturaleza. Su determinación y concentración, así como su intensa confianza en sí mismo y en nuestro grupo, eran increíbles. Él sabía que íbamos a triunfar. Todos pensábamos que éramos una buena banda, pero nadie más tenía esa total confianza que él sí tenía. Y eso era algo grande, porque su confianza y entusiasmo eran contagiosos
(Dickey Betts. Guitarrista de The Allman Brothers)

Curren$y - Pilot Talk (2010)

2011-10-25T12:30:00.007+02:00

Curren$y representa a la nueva ola del rap. Sorprende encontrarse con un disco así a estas alturas de la vida, donde casi todo el rap se ha prostituido a las exigencias del mercado y no deja de producir discos que cada día suenan más a pop o a electro.

Esta es una pequeña joya del rap underground, donde Curren$y con su flow tranquilo y sus bases relajadas consigue un trabajo que raya la perfección. Tiene un estilo muy personal, que se puede apreciar en la cadencia que llevan sus rimas y la temática de sus letras. Su flow es deliberadamente lento, buscando remarcar cada rima con perfección. Las bases son las adecuadas para el tempo de los versos, con varios temas de inspiracción jazzera o funky. En conjunto es un album de rap relajado, con ambientes hipnóticos y rimas que colocan. Un buen disco para aquellos que busquen rap diferente.

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Los Temazos: Example, King Kong, Seat Change, Breakfast, Roasted, The Hangover, The Day.

Etiquetas: Rap, Southern Rap.

Otis Redding - Dock Of the Bay (1968)

2011-10-23T15:41:00.005+02:00

En el verano de 1967 Otis Redding triunfaba ante 55.000 personas en el festival de Monterrey, junto a estrellas del rock de la talla de Jimi Hendrix o The Who, situándose en aquella época como una de las mayores estrellas musicales del momento. Unos cuantos meses después, siendo el indiscutible rey del soul, grababa la canción 'Sitting On the Dock of The Bay', en la cual se adivinaba un cambio en su estilo musical. Ese tema suponía una variación de su tono habitual, creando un estilo novedoso, que él mismo denominó como 'folk-soul'. Es por tanto que Otis Redding tenia un presente excelente y un futuro prometedor, pero ápenas un mes despues de grabar 'Sitting On the Dock of The Bay' moría en un accidente de avión mientras se dirigía a dar un concierto.

Esa canción, debió de haber sido un cambio y un nuevo comienzo para la carrera de Otis Redding, pero resultó ser su testamento. Unos cuantos meses después se editó este disco póstumo que incluía sus últimas grabaciones y algunos directos. En conjunto se le considera uno de sus mejores álbumes al incluir sus últimos éxitos inéditos y otras grandes canciones.

Murió a la edad de 26 años, sin haber tenido la oportunidad de conocer el éxito masivo, ya que al poco de morir tuvo su primer número 1 en las listas. Fue una terrible pérdida para el mundo del soul y la música en general, y este disco su mejor legado. Esperamos que lo disfrutéis.

BAJATELO

Los Temazos: (Sittin' On) The Dock of The Bay, Let Me Come on Home, Open the Door, I'm Coming Home, Tramp

Etiquetas: Soul

The Hellacopters - Grande Rock (1999)

2011-10-19T20:49:00.003+02:00

Si tuviera que definir a este grupo con una sola palabra seria: ROCK. Los Hellacopters son uno de los grupos más auténticos que han surgido en los últimos tiempos, capaces de ser fieles a si mismos, a su estilo y a sus fans practicando un hard rock de pura cepa. No encontraras en ellos nada de parafernalia ochentera ni ningún tipo de sentimentalismo grunge. No hay nada de eso en ninguno de sus discos, ya que su influencia viene directamente de los setenta: La década donde se adoraba a la guitarra por encima de todas las cosas. Los Hellacopters son carácter y furia hecha música.

Los padres de su sonido son las bandas que surgieron en Detroit, como es el caso de MC5, Iggy and the Stooges y Sonic Rendevouz Band. Al ser un grupo de rock, cumple perfectamente su papel: con letras sin mucho sentido que hablan de chicas, velocidad, patear culos, y emborracharse. Todo ello aderezado con la estética típica de estas bandas repleta en sus portadas y merchandising: Coches, llamas, águilas y guitarras... Estos suecos son más americanos que algunos.

Grande Rock fue su tercer álbum, después de sacar los ruidosísimos y punkarras Supershitty to the Max! y Payin' the Dues. Aquellos dos primeros discos estaban llenos de rabia e ira hacia todo, con unas guitarras abrasivas, que al escuchar daban ganas de agarrar una botella de whisky y salir a la calle a buscar pelea. Es por ello que para Grande Rock decidieron calmarse un poquito y bajar el tono, quedándoles un disco más accesible para las masas, pero sin perder su chispa en ningún momento. De hecho esa temática seguirá a lo largo de toda su discografía donde, disco a disco irán acercándose a un sonido mas clásico, sonando más limpios y amaestrados, practicando un rock con mucha clase. Con el paso del tiempo comenzarán a introducir guitarras rítmicas y arreglos de piano, siendo más palpable su influencia por los Stones.

Es por ello que Grande Rock se sitúa en un término medio muy bueno, a caballo entre el punk rock inicial y el rock clásico de sus últimos discos, quedando un resultado digno de los paladares más exquisitos.

El disco comienza como un tiro, con 3 enormes canciones para abrir boca. Este es el juego al que mejor saben jugar los Hellacopters: Canciones de 2 minutos tocadas a toda ostia con mucha caña, que casi no dan ni un segundo de respiro a los oyentes. Una de las cosas que mejor sabe hacer este grupo es divertir a su público -Ya sea en el disco o sobre el escenario- y dejarse la piel en cada canción. Tendrá que llegar 'Welcome to Hell' a calmar un poco las cosas, un tema inicialmente tranquilo pero que gana mucha fuerza en la parte final. 'The Devil Stole the Beat From the Lord' es una canción donde se puede adivinar el sonido que tendrá el grupo en los años posteriores: canciones con una factura técnica perfecta y realizadas con un talento notable.

Para aquellos que les guste el rock y no les conozcan, tendré que advertirles que este puede convertirse en uno de sus grupos favoritos. Lo malo es que llegáis un poquito tarde para apreciar su magnifico directo, ya que se disolvieron hace algunos años. Yo les vi y fue la ostia.

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Los Temazos: Action De Grace, Alright Already Now, Move Right Out of Here, Welcome to Hell, The Devil Stole The Beat from the Lord, Lonely.

Etiquetas: Hard Rock, Garage Rock, Rock n Roll

Editors - The Back Room (2005)

2011-10-14T14:21:00.003+02:00

El disco debut de esta banda en su día fue un trallazo. Junto con Interpol, Maximo Park y Los Strokes, fueron los abanderados de la nueva ola del post-punk. Editors consiguió sorprender el mundillo indie con este disco, que sonaba oscuro y muy inspirado en bandas Inglesas de los 80 como Echo & The Bunnymen o Joy Division.

De hecho, la comparación con Joy Division e Interpol es bastante clara, y se les ha acusado un poco de intentar emular su sonido. Es cierto que suenan muy parecidos, pero poseen notables diferencias respecto a estos. Editors tiene canciones con tramos mas bailables y salvajes, no siendo tan reflexivos como Interpol ni tan crudos como Joy Division. Con sus ritmos rápidos y estribillos con gancho consiguieron a principios de 2005 abrirse un hueco en la escena con sus rompedores singles ‘Bullets’ y ‘Munich’. Antes incluso de publicar el disco, ya eran los niños mimados de la prensa Inglesa, que los equiparó como la respuesta británica a la ola de grupos post-punk yankees.

Hablando del grupo hay que decir que, sin duda la banda se rodea muy bien de su cantante Tom Smith, cuyo registro vocal resulta increíble. A veces parece una versión del siglo XXI de Ian Curtis. Pero a su favor diré que Tom es bastante mejor vocalista que lo que era Ian, a pesar de todo el halo de fama y misterio que le rodea al cantante de Joy Division. Solo basta escuchar canciones como ‘Blood’ o ‘Lights’ para apreciar su talento.

El disco que os traemos hoy, fue catalogado como uno de los mejores debuts de 2005. Se trata de un álbum arrollador en su primera mitad, y donde para el final se esconden un par de joyas que no se pueden obviar como ‘Bullets’ o ‘Fingers in Factories’. En su mayoría son canciones rápidas, y con potencia. Comenzando con ‘Lights’, que sirve de perfecta carta de presentación, y siguiendo con ‘Munich’, que tiene un riff potente y bailable. Después, sin casi dejar aliento al oyente llega ‘Blood’, que resulta un corte similar a los 2 anteriores, pero con un puntito mas de velocidad si cabe. Tiene un estribillo de esos que se quedan grabados en la cabeza durante varios días y un final explosivo, con la guitarra que marcándose unos punteos acojonantes.

‘All Sparks’ baja un poco la cadencia, pero sin ser tan acelerada como las anteriores, consigue llamar la atención del oyente gracias a una buena letra y ritmo ochentero. 'Bullets' puede que sea la mejor cancion del disco y probablemente la mejor del Grupo. Ya solamente por escuchar ese riff merece la pena pagar la entrada a un concierto suyo. Una canción que va en crescendo hasta alcanzar el climax final cantando ese ''you dont need this desease'' repetido hasta la saciedad.

Creo que es necesaria una aclaración: No son ni tan buenos como Interpol, ni serán tan recordados como Joy Division. A pesar de contar con un enorme vocalista y un gran disco debut, su carrera ha ido un poco cuesta abajo desde entonces y no han sabido ganarse el status de gran banda. Esperemos que en un futuro consigan encontrarse a si mismos y nos sigan regalando pequeños tesoros como este The Back Room. Disfrutadlo.

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Los Temazos: Lights, Munich, Blood, All Sparks, Bullets.

Etiquetas: Indie Rock, Post-Punk,

Miles Davis - Kind of Blue (1959)

2011-10-11T15:56:00.001+02:00

Descubrí a Miles Davis este verano mientras hacia el camino de Santiago. Tengo que confesar que no soy ningún experto en jazz, básicamente mi conocimiento se limita a unos pocos discos y autores que me han recomendado últimamente. Aunque el hecho de saber poco del jazz no me impide disfrutar de este disco, que esta catalogado como uno de los clásicos inmortales del género. Es por ello que si no tienes mucha idea de jazz, este es el disco perfecto para comenzar.

No voy a comentar los aspectos técnicos ni hablar acerca de la complejidad -o simpleza- de su sonido por que carezco de conocimientos para ello. Simplemente me limitaré a recomendar su escucha. Es un álbum pausado, tranquilo y relajado; perfecto para dejarlo sonar, diría incluso que no se le prestara demasiada atención las primeras veces, y se escuchara simplemente como sonido de fondo para acostumbrarse. Seguramente en un tiempo comenzarás a apreciar la magia del disco.

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The Notorious B.I.G. - Ready To Die (1994)

2011-10-08T13:23:00.010+02:00

Este fue uno de los raperos más carismáticos y relevantes de la costa este durante los años noventa, y como muchos de ellos no tuvo una infancia muy feliz. El padre de Notorious Big abandonó el hogar familiar cuando él tenía apenas 2 añitos. Su madre pasaba muy poco tiempo con él ya que estaba siempre trabajando. Sin apenas figuras paternas, su educación la recibió de las calles, y para cuando tenía 12 años, ya había comenzado a vender drogas. En la época del instituto siguió metiéndose en líos, donde finalmente fue expulsado a los 17. Un año después, era detenido por tráfico de Crack y pasó los siguientes 9 meses en prisión. Al salir de la cárcel comenzó a trabajar en su carrera como rapero, y en 1993 se puso en la tarea de sacar su disco debut. Hay que decir que, mientras grababa el álbum, Notorious Big seguia vendiendo drogas para poder mantener a su hija recién nacida. En 1994 el álbum salió a las calles, el que es considerado uno de los mejores discos de la historia del rap. En marzo de 1997, siendo el rapero más famoso de de la Costa Este, fue asesinado a la edad de 25 años.

''Yeah, this album is dedicated to all the teachers that told me

I'd never amount to nothin', to all the people that lived above the

buildings that I was hustlin' in front of that called the police on

me when I was just tryin' to make some money to feed my daughters,

and all the niggaz in the struggle, you know what I'm sayin'?''
(Notorious Big, Juicy, 1994)

Considero este disco como una de las mayores obras de arte que el rap haya parido nunca. Notorious Big, -o Biggie Smalls- tenía un talento extraordinario, era capaz de imprimir en las letras una crudeza y calidad insuperables. Escuchar canciones como 'Things Done Change' o 'Gimme The Loot' es introducirse en los bajos fondos de la ciudad y en las miserias humanas de un pobre traficante de drogas. 'Juicy' se trata de un recuerdo de esa infancia pobre e infeliz, donde la música jugaba un papel importante, supliendo a la falta de figuras paternas. 'Everyday Struggle' es una canción desgarradora, que narra la dureza de la delincuencia; De poder encontrar la muerte en cada esquina, de vender drogas a madres embarazadas y sentirse mal por ello.

En definitiva, seas fan del rap o no, merece la pena dedicar una escucha a esta absoluta e indiscutible joya musical.

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Los Temazos: Things Done Changed, Gimme The Loot, Machine Gun Funk, The What, Juicy, Everyday Struggle, Big Poppa.

Etiquetas: Hardcore Rap

I make music about what I know. If I'd worked at McDonald's, I would've made rhymes about Big Macs and fries and stuff like that. In Brooklyn, I see hustling, I see killing, I see girls, I see cars — that's what I rap about, what's in my environment. Everything I did on the album was all about me. Me and Brooklyn. My Brooklyn representees know that. All that everyday struggle, waking up, check-cashing place, it's 9 o'clock in the morning, that's all Brooklyn, baby. That's all real.

Screaming Trees - Sweet Oblivion (1992)

2011-10-05T16:11:00.008+02:00

Los Screaming Trees fue una de esas bandas que no llegaron a triunfar al ser eclipsada por otros grandes grupos de comienzos de los 90. Todos los focos fueron a parar a Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains. Nadie se acordó mucho de ellos cuando 'Nearly Lost You' entró como uno de los temas de la banda sonora de la película 'Singles'. Parecían estar en el momento y el lugar adecuados: una banda bastante rodada, con un sonido similar a la tendencia musical de la época, y que había publicado su mejor disco en el justo instante de la revolución grunge.

Pero -casualidades de la vida- no tuvieron las ventas ni el reconocimiento de otras bandas del género. La mala relación que tenían los hermanos Conner entre ellos, y su afición por las peleas y la bebida, fracturaron en varios momentos la unidad del grupo, impidiendo que tuvieran la necesaria continuidad. Es por ello que 'Sweet Oblivion' y 'Dust'(1996) quedarán relegados a la categoría discos de culto de los noventa.

No os equivoquéis: aun cuando no haya triunfado en su momento, se trata de un grandísimo disco de grunge y hard-rock, que incluye cierta psicodelia sesentera, ramalazos de folk a lo Neil Young y James Taylor, y que barniza todo su sonido con movidos riffs llenos de fuzz. Cabe destacar también la voz de su cantante, un grandísimo hijo de puta llamado Mark Lanegan. Con una garganta no tan rasposa como la de Eddie Vedder, ni tan estridente como la de Kurt Cobain, su voz alcanzó el estatus de una particular forma de entender el grunge, profunda, abismal y melancólica. Además, nadie como él aguanta el piti mientras canta. Fuerte en las canciones potentes, sensible y delicada en las partes lentas, tal y como observamos en temas como 'Dollar Bill', significa todo un referente en el estilo, el carácter y sobre todo en el gusto que transmite. Un cabrón que puede pasearse por el escenario como un desconocido en mitad de gente como Dave Grohl y demás colegas de QOTSA, por poner sólo este caso.

Desde la primera escucha y volviendo al disco, uno se da cuenta que se trata de un clásico instantáneo: a pesar de estar publicado en el 92, uno siente que el sonido viene como de otro tiempo. Comienza con 'Shadow of the Season', donde el riff inicial, repetido de manera circular, nos sumerge en un ambiente hipnótico. La voz de Lanegan suena cálida y confidencial en todo momento, consiguiendo un sonido homogéneo, un poco sucio pero equilibrado y armónico. 'Nearly Lost You' es su tema más famoso, que parece ir solo, con ese estribillo radio-friendly que les hizo ganar un buen puñado de fans.

'Butterfly' posee, por otra parte, esa fuerte inspiración psicodélica, tan típica del grunge. Y luego está ''And I'm sick and I wanna go home'', que expresa con perfección ese desdén y alienación de la juventud de la época. Luego 'Troubled Times' lenta, como desganada y sin ímpetu, pero a partir del segundo 50 se arranca con un riff memorable y es esa clase de canción con garra bluesera, de estribillo memorable, cantado a gritos en la parte final. Es sin duda una de las mejores del disco. No hay que olvidarse, por último, de 'No One Knows', que resulta épica y hace gala de un tempo más lento y suavizado.

En definitiva, merece la pena escuchar el disco, un trabajo que quedará para la historia como una de las joyas ocultas de los noventa. Esperamos que lo disfrutéis.

''All the while you've been sleeping

Drifting on a wind never blown

Tomorrow you'll wake up aching

Wondering how, when no one really knows''

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Los Temazos: Shadow Of the Season, Nearly Lost You, Dollar Bill, Butterfly, Troubled Times, No One Knows.

Etiquetas: Grunge, Hard Rock, Alternative Rock, Pop/Rock

Frank Ocean - Nostalgia, ULTRA. (2011)

2011-10-02T15:53:00.012+02:00

Después del Septiembre Stoner, es momento ahora de refrescar un poco el blog y dar paso a nuevos estilos. Hasta ahora nos habíamos centrado mucho en el rock y todas sus posibles variantes, pero durante los próximos días haremos un pequeño guiño a la música negra, subiendo discos de soul, funk, R&B, hip hop y jazz. Esperamos que os gusten.

Frank Ocean es uno de los miembros del colectivo de Odd Future, un grupo de chavales de Los Ángeles que están despuntando mucho en la escena del rap. Frank decidió desmarcarse de ese mundillo, enfocándose en hacer un R&B con clase y buen gusto; Suave y accesible.

Este disco es originalmente una mixtape, es decir, que las bases que se usan para rellenar las canciones están directamente sacadas de las canciones de otros artistas. Es por ello que notaremos partes de canciones de Coldplay, MGMT, o incluso The Eagles. Es por ello que su escucha resulta tan placentera, ya que la mezcla de esos sonidos pop y rock con la voz de Frank Ocean, da como resultado un disco redondo.

Otro aspecto a destacar es el hecho de que toda la producción y montaje los hizo él mismo, mostrando el enorme talento de este chaval de 23 años, capaz de autoproducir su disco debut con un resultado impecable. Nos encontramos letras maduras, inteligentes y atrevidas, saliéndose por completo de ese R&B comercial que inunda las radios y las listas de ventas. Es bastante sorprendente ver en alguien tan joven realizar una declaración de identidad y expresión de sentimientos tan fuertes, que observamos en canciones como 'Songs for Women' o ‘Novocane’.

Siendo yo un gran fan del grupo de rock de los 70´s Eagles, sorprende encontrarse para el final del disco con la canción 'American Wedding', con un sampleo directamente extraído de su famosísima canción 'Hotel California'. Son 7 minutos de pura magia musical, una fusión perfecta de rock y R&B que no te puedes perder, con ese riff inconfundible en la parte final.

Son muchas las canciones que merece la pena descubrir en este disco: repleto buenas bases y letras inteligentes; Pero sobre todo, este álbum tiene que servir para dar a conocer el enorme talento de Frank Ocean, cuyo futuro en el mundo de la música parece muy prometedor. Espero que lo disfrutéis.

DESCARGA (Pass: frank)

Los Temazos: Strawberry Swing, Novocane, We All Try, Songs For Women, Swim Good, American Wedding, Nature Feels.

Etiquetas: R&B

Fu Manchu - California Crossing (2001)

2011-09-26T16:40:00.008+02:00

Mira la portada, mírala bien, por que te va a decir todo lo que necesitas saber acerca del disco: Chicas guapas, coches rápidos, surf, playa y California; Pero sobre todo esta el rock, ese rock que se desdibuja con guitarras stoner y vocales amigables. La clase de grupo que infecta a sus oyentes, que al escucharlos por primera vez se dan cuenta que era lo que necesitaban. Fu Manchu es el grupo que estas buscando, y este es la clase de disco que pones a un volumen demasiado alto mientras vas a toda ostia con el coche.

La característica principal de Fu Manchu es que son muy directos. Tienen temas donde cada riff tiene gancho y ritmo, y literalmente no vas a poder parar de escucharlos una vez entren por tus oídos. Sólo vas a necesitar escuchar este disco una vez para caer en las redes de su rock facilón hecho con buen gusto. No hay complicados puzzles al estilo de grupos como Queens of Stone Age, donde puede que tengas que escuchar 10 veces el álbum para disfrutarlo plenamente. En Fu Manchu la primera vez será tan placentera como la última. No diré mas, dale al play y prepárate para disfrutar.

BAJATELO

Los Temazos: Separate Kingdom, Thinking out Loud, California Crossing, Squash That Fly, Downtown in Dogtown.

Etiquetas: hard rock, stoner rock.

Con esto damos por finalizado el septiembre stoner. Obviamente seguiré subiendo discos de este género en el futuro, pero es momento de dejar paso a otros estilos para refrescar un poco el blog. Si os ha gustado este estilo de música y queréis más, podéis pasaros por RagOnTheRoad.

Sungrazer - Mirador (2011)

2011-09-22T11:19:00.004+02:00

Sungrazer es stoner de manual, el de la vieja escuela, hecho con los patrones de toda la vida. Lo que vais a escuchar no va a sonar revolucionario ni moderno, pero seguro que hará las delicias de los amantes del stoner más clásico. El punto justo de guitarras distorsionadas, combinadas con trazas de psicodelia.

Este disco que traigo hoy combina temas pesados, como es el caso de 'Octo', con otros de experimentación psicodélica como 'Sea'. La combinación de estos dos estilos hace que el disco se saboree con gusto, ya que no resulta monótono y aburrido. 'Goldstrike' suena bastante bien, apoyado por una buena voz, como si de un tema de hard rock clásico se tratara. 'Mirador' comienza lento, pero llegando al minuto 2 se transforma, se quita la máscara, y la canción se acelera, retomando el sonido pesado. Este tema invade al oyente, como si de una tormenta de arena se tratara, siendo de lo mejorcito del disco.

Esta banda Holandesa, apenas ha sacado 2 discos, pero ya se han hecho un nombre en el panorama musical al haber teloneado a Fu Manchu o Karma to Burn. Por lo tanto, merece la pena dedicarles unas escuchas y comprobar su potencia.

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Los Temazos: 'Wild Goose','Octo','Goldstrike', 'Mirador'

Etiquetas: Stoner Metal, Stoner Rock, Psicodelia

Brant Bjork - Saved By Magic (2005)

2011-09-20T11:54:00.009+02:00

Brant Bjork fue el histórico primer batería de Kyuss, y posteriormente colaboró también en Fu Manchu y Queens of Stone Age durante algún tiempo. En 1999 decidió coger la guitarra y relanzar su carrera en solitario, acercándose a los sonidos desérticos pero desde un enfoque más psicodélico y ambiental, muy inspirado en el rock de los setenta.

Después de sorprendernos con su disco debut 'Jalamanta' (1999) siguió grabando con regularidad hasta llegar al Saved by Magic que es el que hoy nos ocupa. Se trata de un monumental álbum doble, en el que Brant Bjork exprime al máximo todas las técnicas y sonidos con los que había trabajado hasta el momento. Brant Bjork es, en otras palabras, puro rock: es rítmica, ambiental y técnicamente rockero. Desprende fuerza y sentimiento a partes iguales, y ahí reside parte de la magia de este virtuoso.

Se trata de un álbum de dos caras, que es recomendable escuchar por separado para evitar sentirse sobrecargado por su longitud. La primera parte es la más rockera, y la segunda muchísimo mas psicodélica y experimental. Esta última provoca el flipe y las alucinaciones paranoicas que caracterizan al universo del gran Brant. Algunos de esos temas han sido moldeados por su retorcida mente para dejar la cabeza del revés a sus oyentes, como ocurre en el caso de 'Cool Abdul' o 'Dylans Fantasy'.

Después de la introducción, 'Get Into It' abre la primera parte del disco, canción en la que el riff inicial nos pone en guardia ante la que se nos viene encima. Guitarras cálidas, que suenan más amigables que antaño, conservan el espíritu stoner. 'Kiss Away' tiene luego ese punto de la actitud descarada y juguetona típica de Brant, sólo que con letras ingeniosas y estribillo con clase. Y el tramo de canciones que va desde '73' hasta 'Moda' es lo mejor del álbum. Temas más potentes, con actitud siempre rockera, como decimos, pero sin perder ni un ápice del espíritu pausado del desierto. 'Lil Bro' es, por otra parte, un tema casi autobiográfico, donde Brant habla a su Yo infantil, dándole unos cuantos consejos para el futuro. Es un tema rápido y directo, y sin duda de lo mejorcito del disco.

De la cara B hay que prestar especial atención a 'The Messengers', con ese ritmo que empieza suave y poco a poco va ganando cadencia. Se trata de un tema diferente para el estilo habitual de Bjork, que va subiendo el ritmo para terminar explotando en el ultimo tramo. Y la adaptación libre del clásico de Clapton, 'Sunshine of Your Love' está hecha con buen gusto, con el respeto que hay que tener a los maestros y los clásicos, pero también con el inconfundible estilo pausado y reflexivo que imprime este tío a sus temas.

Qué más se puede decir. Brant Bjork posee todo el groovazo, el alma y el carisma del stoner. Puede que él viva en este siglo, pero su mente parece haberse quedado perdida entre los 60 y los 70, junto a los viejos vinilos de Santana, Cream y Jimmi Hendrix. Por un lado, nos da toda una lección de saber estar (sobre todo en el escenario), trasmitiendo -a todo esto- un tipo de sensaciones muy diferentes a las que nos regalaba en Kyuss; y por el otro, se ha vuelto pausado y tranquilo: las guitarras siguen conservando la garra del pasado; ahora bien, todo el sonido propio ha ganado sin duda en frescura y en vitalidad.

En definitiva, un disco que hay que escuchar tomando unas cervezas al atardecer, al calorcito: un disco repleto de canciones perfectas para saborear lo simple y bueno de la vida. El universo de Brant Bjork tiene mucho que ofrecer a los que no le conozcan.

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Los Temazos: Get Into It, Kiss Away, 73’, Lil' Bro, Moda, Inside of You, Let the Truth Be Known, The Messengers, Sunshine of You Love.

Etiquetas: Stoner rock, Psicodelia, Alternative Rock

Make no mistake...we’re a real band. Musically speaking The Bros bring it. Organic Rock. It grooves. It Flows. It’s psychedelic. It’s tough. It’s beautiful. It’s Classic. The future is now and Brant Bjork and The Bros are here. - Brant Bjork

Tweak Bird - Tweak Bird (2010)

2011-09-16T00:19:00.011+02:00

Después de un breve parón por causas ajenas, vuelve la buena música a Vanishing Rock. Hoy os traemos a Tweak Bird, un dúo de stoner procedente de Illinois. El grupo lo forman dos hermanos y están muy locos. Al haber sido educados por su propia madre en un pueblo remoto de la América perdida, su única vía de escape fue agarrar una guitarra y aporrear una batería. Cuando se hicieron mayores, ya estaban preparados para que el mundo exterior les conociera, por lo que marcharon para Los Ángeles a tocar en garitos y preparar su álbum debut.

Entonces, ¿A que sabe Tweak Bird? Pues es un sonido fresco y novedoso, como ellos mismos dicen ''son ritmos enormes, tocados con guitarra barítona llena de fuzz y melodías vocales espaciales"

Yo creo que podríamos definirlo como Stoner-Pop, pero ¿Realmente existe esa etiqueta? Al parecer la han inventado ellos, ya que suenan a una combinación de guitarras kyusseras y vocales al estilo de los Beach Boys. Resulta una curiosa mezcla las voces inspiradas en el pop de los sesenta, combinadas con guitarras pesadas y desérticas.

No encontraréis nada de paranoias progresivas ni canciones largas, se trata de un álbum directo y arrollador. En el stoner puede parecer una obviedad lo que voy a decir, pero es imprescindible que este disco lo escuchéis muy alto para poder apreciar toda su garra y fiereza. Canciones como 'Lights In Lines' o 'Sky Ride' se hacen cortas, de la misma que deseas volver a darle al play justo después de haberlas escuchado. Ahí reside la grandeza del disco, ya que no sobra ni falta de nada. Si le quitamos los 2 interludios, nos quedan 8 canciones contundentes, sin apenas relleno ni espacio para la experimentación, donde la banda parece haberse vaciado de todos sus hits.

Este es un grupo especial. Se han liberado del anquilosamiento y los viejos patrones del stoner, buscando darle un lavado de cara y un enfoque mucho más fresco y divertido. No será de extrañar si dentro de unos años nos los encontramos siendo etiquetados como los nuevos White Stripes o dando música a anuncios de coches.

No se han guardado ningún As en la manga, Tweak Bird lo dan todo en su disco debut.

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Los Temazos: Lights In Lines, A Sun/Ahh Ahh, Beyond, Tunneling Through, Sky Ride.

Etiquetas: Stoner Rock, Pop/Rock.

Kyuss - ...And The Circus Leaves Town (1995)

2011-09-07T20:03:00.005+02:00

Estos chavales han empezado a bailar sobre la tumba de Ozzy antes de su muerte y, a decir verdad, podrían confesar con orgullo que le han llevado colillas en lugar de flores. Salieron de sus garajes y sótanos para descojonarse a carcajadas del indie, para bañar al grunge en cenizas y para recuperar el riff más grave de Led Zeppelin y el punteo más hipnótico de Hendrix, hasta aparcarlos luego a ambos en mitad del desierto, donde ya la voz de las baladas ni se oye, y donde los rugidos de la fiera y el motor se hermanan.

Y el circo deja el pueblo: en ese mismo año, 1995, se separa la banda y comienza la fase del éxodo, del derroche y de la fascinación. Kyuss sobrevive como leyenda y, por lo tanto, el mito queda congelado, listo para la vitrina, como el paisaje de invierno que presenta la portada de éste su último disco.

Para entonces, la guitarra ya se ha retorcido y trabaja a destajo, impaciente, nerviosa, en espirales agudas y acompañada siempre por la abrasadora llamarada del bajo, obsesivo y perverso. El sonido resulta pues turbio, agotador; tan sólo “Phototropic” y “Catamaran” conceden unos minutos a la fantasía, a la virtualidad menos asfixiante y terrosa. Sobre el resto, apenas puede decirse que haya “canciones bonitas”. Eso sí, todas suenan cojonudas, gordas y demoledoras, y os aseguro que la mala leche se os repite en el estómago durante semanas. “El Rodeo”, por ejemplo, representa todo un desafío: abre con una estética de duelo, avanza como una serpiente y al final, con la explosión de un latigazo, entra de lleno en la épica; oír “Tangy Zizzle”, por otra parte, es como montar a caballo para cazar bisontes, o como subir fumado a una montaña rusa de madera; finalmente, la portentosa “Space Landing” y la pista oculta (“Day One”), una jodida nana en homenaje a Nirvana, cierran el disco.

Kyuss se marchó, por decirlo de mala manera, sin hacer ruido; pero nos ha dejado el trance y la agonía. Abandonó el páramo de Palm Springs sin el reconocimiento ni la continuidad de otras bandas californianas como Tool o Fu Manchu. Pero su herencia tiene nombres propios: quién no conoce a los Queens of the Stone Age; a quién no le chiflan Slo Burn, Hermano o Mondo Generator; cómo que todavía no has catado la paranoia de Brant Bjork. Pero vamos a ver: ¿nunca habéis gozado de una fiesta en vuestro puto oído?

En definitiva, ...And the Circus Leaves Town es ese disco que andais buscando para disfrutar del viaje, de El Viaje en mayúsculas, ya sea fumando, ya sea en la mismísima caravana hacia el corazón del desierto.

Esperamos que os guste.

BAJATELO

Los Temazos: Hurricane, One Inch Man, El Rodeo, Tangy Zizzle, Catamaran.

Etiquetas: Stoner Rock, Hard Rock, Stoner Metal.

Esta crítica ha sido realizada exclusiva para Vanishing Rock por Keirrison, un colaborador habitual de este blog. De vez en cuando se pasará por aquí para ofrecernos su visión particular de sus discos favoritos. Hoy nos deleitaba con la revisión del último de los 3 gloriosos álbumes de Kyuss. La trilogía se abría con 'Blues for the Red Sun' en 1992 para cerrarse tres años después con este 'And The Circus Leaves Town'.

Samsara Blues Experiment - Long Distance Trip (2010)

2011-09-06T14:44:00.011+02:00

Samsara Blues Experiment es un grupo de stoner afincado en Berlín, que el año pasado sorprendió a propios y extraños con un grandísimo debut. Podríamos definir a la banda como una mezcla de estructuras progresivas, guitarras pesadas al estilo stoner y una ambientación psicodélica. Es posible apreciar en algunos temas influencias de sonidos Hindús, algo muy curioso para un disco de este estilo, que consigue darle un toque fresco y novedoso.

El nombre del disco es acertado, ya que este álbum es un viaje en sí mismo al interior de la mente. Canciones larguísimas, que resuenan en la cabeza con lentitud, sumiendo al oyente en un caos altamente disfrutable. Va a resultar difícil de escuchar para los que no estén acostumbrados a estos sonidos, pero yo recomiendo a los valientes que lo hagan del tirón, para poder sumergirse plenamente en su átmosfera densa y neblinosa. No voy a decir mucho más, si te atreves a viajar con Samsara Blues Experiment no te arrepentirás.

BAJATELO

Los Temazos: 'Singata Mystic Queen', 'Center Of The Sun'

Estilos : Psicodelia, Stoner, Rock Progresivo.

Septiembre Stoner

2011-09-04T13:42:00.013+02:00

Durante este mes vamos a estar con el 'Septiembre Stoner', durante el cual subiré discos de este estilo musical tan particular. Para los que no conozcaís nada del stoner, hay que decir que se trata de un subgenero musical con muchísima influencia del rock psicodélico y el metal que se hacia en los setenta. Su descendencia directa de esa época son los míticos Black Sabbath, que con su sonido pesado de bajo y guitarras graves de los primeros albumes, consiguieron crear una atmósfera propia. Durante la primera mitad de los setenta surgieron muchas bandas de ese estilo sin mucho éxito comercial catalogadas con la etiqueta de heavy psych. Esta fue la semilla del stoner que surgiría dos décadas despues, aqui un ejemplo de ese sonido...

A comienzos de los años noventa, en la zona del desierto de Palm Springs, comenzaron a surgir bandas que trataban de emular ese sonido Retro. De todas ellas, la más famosa e influyente fue Kyuss, los padres del stoner. A pesar de ser un sonido pesado, muy cercano al metal, consiguieron un sonido único, con que tambien bebía del rock progresivo o espacial. Con apenas 3 discos de estudio, fueron los responsables de la fundación de un género. A pesar de que los años noventa, musicalmente son recordados por el grunge de Nirvana y el brit rock de Oasis, no hay que olvidar la importancia del stoner como uno de los movimientos musicales decisivos de esa época.

Con el éxito de Kyuss, muchos más grupos surgieron partiendo de esa base musical, expandiendo el sonido y añadiéndole nuevas influencias al género, llegando incluso a tener éxito comercial, como es el caso de Queens Of Stone Age.

Aquí os dejo un par de clásicos del stoner: Un viaje espacial con Kyuss y otro más directo y rockero con QOTSA. No olvideís que durante todo el mes de septiembre subiré algunos discos de este fascinante género.

Creedence Clearwater Revival – Cosmo´s Factory (1970)

2011-09-03T15:30:00.012+02:00

Aquí os presento el mejor disco de CCR y, para mí gusto, uno de los mejores de los setenta. Tras numerosos cambios durante años la formación definitiva del grupo se estableció en 1968. El verano anterior había sido el verano del amor, pero su estallido psicodélico comenzó poco después a perder fuerza. Por aquel entonces, los sonidos más básicos, sobre todo de inspiración blues y aroma country, marcaron la tendencia predominante de la época. Es por ello que Creedence se encontraba en el momento y el lugar adecuados. En su disco debut consiguieron grandes ventas, gracias a una mezcla perfecta de aires hippies y relatos de la tierra, e influenciados por la renovación rock´n´rollera del country y el blues.

Tras su éxito inicial, en 1969 iniciaron una extensísima gira que duraría todo el año. De mientras, grabaron tres álbumes de estudio. Y no se trata de chapucillas rápidas para aprovechar el tirón mediático. Se trata de obras inolvidables. Canciones como 'Fortunate Son', 'Bad Moon Rising' o 'Down on the Corner' fueron publicadas en ese año. En 1970 dispusieron ya de más tiempo para preparar el que sería su mejor disco. 'Cosmo´s Factory' se postuló entonces como una de las referencias musicales del comienzo de década. El trabajo goza de un acabado más pulido, más variado en contenido. Y sin duda la dedicación al estudio se tradujo en un resultado perfecto de principio a fin, en un clásico imperecedero de la música popular de este siglo. Un rock´n´roll rural, bluesero y mítico.

Aunque yo considere el disco al completo como una obra perfecta, hay canciones que destacan entre el resto, y a las que debemos prestar mayor atención. El álbum abre con 'Ramble Tamble', una jam de unos siete minutos donde la banda despliega todo su potencial desde el comienzo, con un manejo del tiempo exquisito. El tema arranca con fuerza, para después desacelerarse a partir del minuto dos. Ahí comienza una sección exclusivamente instrumental: una delicia. Poco a poco, vuelve a tomar fuerza, añadiendo más instrumentos a la masa, como el teclado y el solo adicional de guitarra. Y hacia el final estalla el delirio, todo para regresar a los versos del comienzo, como si de un círculo cerrado se tratase.

'Travelling Band' es, por otra parte, un tema de rock´n´roll clásico, cantado con furia por John Fogherty, que nos trae recuerdos de los 50’s. En apenas dos minutos, la banda se despacha bien a gusto, perfectamente acompañada por el saxo y su punto atrevido y descarado. 'Run Through the Jungle' nos muestra luego a los Creedence más reivindicativos. Es un tema con claras alusiones a Vietnam. La atmósfera que desprende este tema es abrumadora, asfixiante; por momentos, consigue trasladarnos a la jungla y la guerra. Muy bueno el comienzo de la canción, cuando Fogherty rompe a cantar y ruge aquello de...

''Whoa, thought it was a nightmare

Low, it was so true

They told me, don't go walkin' slow,

The Devil's on the loose'',

Better run through the jungle

Woa, don't look back to see''

Letras con las que logra introducir a uno en la paranoia y la locura propia de la jungla. Con esta canción de gran trasfondo, Creedence consiguió uno de sus mayores éxitos. 'Up Around the Bend' es otro tema rockero al estilo de 'Travelling Band': corto y bien ejecutado. 'Who Will Stop The Rain' es una preciosa balada de claros tintes antibelicistas, cuya letra no hace una referencia expresa a la guerra, aunque el doble sentido de la palabra 'Rain' es evidente. Un clásico.

Y es que una de las virtudes de la banda fue la de adaptar canciones de otros artistas, y así nos encontramos con covers monstruosas como ' I Heard It Trough the Gravepine', que resulta mucha más agresiva y furiosa que la original de Marvin Gaye. Once minutos de pura música. La atmósfera es similar a la 'Run Through the Jungle', con ese aire oscuro y siniestro. Al igual que la canción que abre el disco, la sección instrumental es acojonante. Merece la pena dedicar un tiempo a apreciar esta joya. Finalmente, el disco se cierra con 'Long As I Can See the Light', otra suave baladita que pone el broche de oro. En definitiva, se trata del mejor disco para empezar a descubrir a esta magnífica banda, y como digo, de una de las mejores obras que se editaron en la década de los setenta.

DESCARGA Pass: (creedence)

Los Temazos: 'Ramble Tamble', 'Travelling Band', 'Run Through The Jungle', 'Up Around The Bend', 'Who'll Stop The Rain', 'I Heard It Trough The Gravepine'.

Etiquetas: Blues-Rock, Rock & Roll, Country Rock, American Trad. Rock.

Blackberry Smoke - Little Piece Of Dixie (2009)

2011-08-30T13:59:00.010+02:00

Hoy os traigo a una de las mejores bandas de rock sureño que ha salido últimamente. Estos vienen de Atlanta, y lo suyo es una revisión del sonido que hicieron en su día ZZ Top o Lynyrd Skynyrd. El álbum que os traigo bebe directamente de las fuentes del hard rock americano y sobre todo del country. No hay mucho que decir acerca de Blackberry Smoke, no tienen un sonido revolucionario, incluso puede que suenen anticuados a la primera escucha, pero lo que hacen, lo hacen bien. Canciones alegres, perfectas para escuchar aderezándolas con unos tragos de cerveza o whisky. Es sin duda un disco de carretera, que narra historias sobre mujeres, coches, alcohol y peleas.

El disco comienza con 'Good One Coming On', que resulta una carta de presentación cojonuda. Desde el primer momento que comienza a sonar el estribillo, ya sabes que el disco lo vale. Gran canción con melodías vocales al estilo de Lynyrd Skynyrd y guitarras limpias e impecables. 'Like I Am' tira más hacia el hard rock, pero nunca sin perder la base country. Las guitarras son más pesadas, pero siguen sonando de vicio.

También destacamos el estribillo de 'Bottom of This' y la fuerza y fiereza de 'Up In Smoke', que sin duda es uno de los temazos del disco. Muy potente. La cuestión es que es un álbum arrollador, prácticamente todas las canciones son de un alto nivel y no hay mucho espacio para los temas de relleno. 'Sanctified Woman' va a hacerte mover los pies y 'Who Invented the wheel' a pesar de ser una canción lenta, resulta imaginativa y novedosa con la letra, siendo un gran acierto la subida final.

Mención aparte hay que hacer para 'Freedom Song'. Aquí Blackberry Smoke venían subidos y querían hacer un himno al estilo de 'Tuesday's Gone' o 'Free Bird'. La cosa no les queda mal, siendo un enorme tema para cerrar el disco, con un solo que va escalando, muy bien apoyada por la voz. Perfecto para cerrar el telón. En definitiva, un álbum que desde la primera escucha va a atraparte, sin duda va a ser una lástima si no le concedes una oportunidad. Como ellos mismos dicen: ''Too Rock for Country. Too Country for Rock''

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(Pass: blackberry)

Los Temazos: 'Good One Coming On', 'Bottom Of This', 'Up In Smoke', 'Sanctified Woman', 'I'd Be Lying'

Etiquetas: Country Rock, Southern Rock.

The Lemonheads - It's a Shame About Ray (1992)

2011-08-27T18:17:00.011+02:00

Los Lemonheads en sus comienzos, eran una banda de punk rock de Boston que con el paso del tiempo variaron su sonido hasta realizar un punk pop muy suave. De manera que sus primeros discos de los ochenta resultan irreconocibles del sonido que tendrían en la década siguiente. Hay que destacar, que desde siempre casi todo el peso de la banda lo llevó Evan Dando, vocalista y guitarra principal, sin duda la estrella indiscutible del grupo.

Para 1989, con su tercer álbum: 'Lick', habían expandido mucho su sonido respecto a los inicios, destacando una cover de la mítica canción 'Luka' de Suzanne Vega, que consiguió reportarles nuevo público. Ya no se trataba de canciones punk, sino que ahora las canciones tenían mucha influencia del power pop y del country. A principios de los noventa, consiguieron contrato con una gran compañía, y estaban preparados para conquistar las listas de éxitos.

Con su salto a Atlantic Records, siguieron depurando su sonido, y fueron haciendo temas con gancho, muy accesibles para las adolescentes de los 90. Tras el exitazo de 'Its A Shame About Ray' en el 92, Evan Dando se sumió en las drogas para no volver a la luz hasta varios años después. A partir del 96, la banda ha sido exclusivamente de Evan, y a pesar de editar discos con el nombre del grupo, él era el único motor creativo.

‘Its a Shame About Ray’ no es tan pasteloso como los discos finales de Lemonheads, pero tampoco tiene la crudeza y suciedad de sus comienzos. Es un álbum que se queda en un término medio bastante correcto. Con partes más rockeras y otras más suaves, hechas expresamente para el lucimiento vocal de Evan Dando.

El disco comienza acelerado con 'Rocking Stroll', una canción de punk-pop de manual, que apenas dura un minuto y medio. Un tema rápido, directo y con velocidad, con la voz de Evan Dando con dulzura en algunos momentos y fiereza en otros. En apenas un minuto y medio consigue llamar la atención con uno de los mejores cortes del disco.

Después sigue con 'Confetti', una melodía con gancho, que se repite constantemente ''He kinda shoulda sorta woulda loved her if he coulda'', letras que hacen referencia a amoríos adolescentes. En el último tramo de la canción hay un gran solo de guitarra, que hace recordar que su sonido del pasado no ha quedado atrás. Se trata de un sonido alegre y fresco, muy característico de los noventa. Después el disco se vuelve más popero, en temas como en 'Its a Shame About Ray' y 'Buddy'.

En la segunda mitad del álbum podemos destacar 'Alison Starting to Happen' y 'Kitchen', canciones más rockeras y animadas, en la línea de 'Rocking Stroll'. Y por último, para cerrar el álbum, hay que destacar la magnífica cover de Simon and Garfunkel 'Mrs Robinson'. Esta canción, que originalmente se publicó en el 67, fue utilizada como banda sonora de la gran película 'El Graduado'. Normalmente, soy de los que piensan que las covers nunca superan a la original, pero en este caso, creo que se trata de un tema que iguala a la de Simon y Garfunkel. A pesar de que inicialmente fuera una canción folk, los Lemonheads son capaces de sacar de la melodía su estilo particular, dándole garra y fuerza, consiguiendo un sonido muy auténtico. Y con razón este fue uno de sus mayores éxitos.

Es por ello que este es uno de mis discos favoritos de los 90, y uno de los mejores de dicha década. Recomendable.

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Los Temazos: 'Rocking Stroll', 'Confetti', 'Rudderless', 'Alison's Starting To Happen', 'Kitchen', 'Mrs Robinson'

Etiquetas: Alternative Rock, Grunge, Pop/Rock, Punk-Pop

Black Rebel Motorcycle Club - Howl Sessions EP (2005)

2011-08-24T13:53:00.007+02:00

Hoy os traigo el EP que surgió de las sesiones de grabación de Howl, disco que posteé hace unos días en este Blog. Fue una edición limitada de canciones no editadas, que se publicó de manera promocional. A pesar de tratarse de descartes o de caras B, las canciones son muy buenas, dignas de haber aparecido en el disco original. Siguen la línea original de 'Howl', canciones con esencia folk y del rock de raices.

Exceptuando las enérgicas 'Wishing Well' y 'Steal a Ride', el resto de las 6 canciones son lentas y sosegadas, con letras reflexivas y cantadas con sentimiento. Algunas tienen mucho sabor de country auténtico, mientras que otras como 'Feel it Now' tienen influencia directa de los sonidos gospel. En definitiva, una magnifica colección de canciones. Totalmente recomendables si os gusto 'Howl'.

BAJATELO

Los temazos: 'Steal a Ride', 'Pretend'

Etiquetas: Alternative Rock, American Trad Rock, Americana, Country-Rock.

Les Savy Fav - Root For Ruin (2010)

2011-08-22T19:50:00.006+02:00

Les Savy Fav es un grupo dificil de definir. En sus comienzos se movían por una mezcla curiosa de math rock y post punk, con mucha influencia del indie y alternativo de los 90´s. Pero eso ha cambiado con el tiempo, ya que a día de hoy suenan mas accesibles para el publico general. Ahora tienen un sonido mas depurado, donde las bases del pasado se mantienen pero de una manera mas sutil.

Root for Ruin es un disco con canciones melódicas acompañadas de guitarrazos noventeros, sonando sucios en algunos temas y juguetones en otros. En algunos momentos pueden recordar a bandas de punk Americano de los 90 como Fugazi y en otros momentos les da el ramalazo más alternativo, quedándose en un término medio bastante disfrutable. Puede dar la impresión al oyente de que se trata de un disco debut, ya que las canciones son directas y no hay mucho hueco para la experimentación. Pero es totalmente lo opuesto, ya que con el paso del tiempo han ido limando sus influencias para acabar alcanzando su sonido único e inconfundible.

Se destaca sobre todo una de los mejores temas de 2010: 'Lets Get Out Of Here'. La típica canción que hace las delicias de las masas, con un estribillo simplón, hecho expresamente para ser coreado. Con ese toque Pixies consiguieron una de sus canciones mas conocidas. También podemos destacar otras canciones mas punkarras como 'Dirty Knails' o 'Calm Down', aceleradas y frenéticas.

En conclusión, Les Savy Fav consiguen un disco animado y enérgico, perfecto para cargar las pilas.

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Los Temazos: 'Appetites', 'Dirty Knails', 'Let´s Get Out of Here', 'Lips 'n Stuff', 'Calm Down'

Etiquetas: indie rock, post-punk.

Mobb Deep - Infamous (1995)

2011-08-20T13:44:00.010+02:00

Vamos a variar un poco de temática habitual del blog para hablar un poco de otros estilos. Os traigo, el que considero uno de los mejores discos de rap de la década de los 90. Mobb Deep son un dúo de rap de la Costa Este, más concretamente del barrio de Queensbridge en Nueva York. Empezaron siendo unos chavales en el mundillo de la música, sacando en 1993 su disco debut, donde empezaron a demostrar tenian un futuro prometedor. 1995 fue un año muy grande para el rap. Artistas como Nas, Biggie, 2Pac o Wu-Tang Clan estaban en su mejor momento, y no parecía que el segundo disco de unos chavales fuera a revolucionar el rap. Pero así fue, con apenas 21 años, Havoc y Prodigy hicieron una auténtica demostración de talento y carácter para su segundo álbum: Infamous.

Este disco de Mobb Deep se trata de una crónica cruda y realista, sin adornos, del estilo de vida en los barrios bajos de Nueva York. Todo ese odio, crimen y venganza que se vivía en las calles, lo reflejaron con precisión en este álbum. Como si de una película se tratara, las canciones son una descripción del estilo de vida, las historias y los problemas de la juventud negra en los barrios conflictivos de la ciudad.

Tenemos que destacar la versatilidad del dúo. En primer lugar esta Prodigy, que en este álbum se destapa con unas letras agresivas y oscuras, clavando las rimas en cada tema. La cadencia que demuestra en este disco es inigualable, haciendo unos versos acojonantes. Por el otro lado esta Havoc, MC y productor. Sus líricas no están a la altura de las de Prodigy, pero lo compensa con su producción. Unas bases oscuras y asfixiantes, con otros tramos más jazzeros que dan un poco de oxigeno a la escucha.

Es un disco para escuchar del tirón, pero por encima de todas las canciones, se encuentra 'Shook Ones Pt. 2', el que yo considero una de las mejores canciones de rap que se han hecho en toda la historia. Desde la base, empezando con tensión, pasando por el verso que se marca Prodigy al principio y terminando correctamente con las rimas de Havoc. Pero sin duda la parte de Prodigy es increíble, sublime, merece la pena escuchar la canción leyendo sus versos. También podemos destacar el tramo de canciones que va desde 'Give Up The Goods' hasta 'Right Back At You' donde son todas de un grandísimo nivel.

En definitiva, uno de los mejores discos de Rap de la historia, si tuviera que recomendar sólo un álbum de este estilo, seria este: Rimas afiladas y bases oscuras. Totalmente disfrutable.

If I die, I couldn't choose a better location
When the slugs penetrate, you feel a burning sensation
Getting closer to God, in a tight situation
Now, take these words home and think it through
Or the next rhyme I write might be about you

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Los Temazos: 'Survival of the Fittest', 'Give Up the Goods', 'Temperature's Rising', 'Up North Trip', 'Trife Life', 'Right Back At You', 'Shook Ones Pt 2'

Etiquetas: Hardcore Rap.

Dinosaur Jr. - Green Mind (1991)

2011-08-19T16:19:00.007+02:00

Dinosaur Jr. fue uno de los grupos que a finales de los 80´s sentó las bases del movimiento grunge que no tardaría en explotar en la siguiente década. Comenzaron siendo un grupo underground, muy al margen de los sonidos MTV por los que circulaban el rock y el metal en aquella época. Entonces publicaron grandes álbumes como 'You are living all over me' (1987) y 'Bug' en el (1988). Mientras Guns’n Roses y Motley Crue llenaban estadios, Dinosaur Jr. quedaba a un lado, en el más completo anonimato, anticipándose a la corriente musical que se afirmaría con Pearl Jam y Nirvana.

Las bandas metal y las de new wave copaban las listas de ventas en los 80´s. En aquellos tiempos el sonido alternativo eclosionaba en regiones desconocidas, con bandas como Dinosaur Jr. y Pixies, quienes daban rienda suelta a su música en sótanos y pequeños locales. 1991 fue el año del grunge con la publicación del 'Nevermind' de Nirvana, un álbum que cambió las reglas del juego y que llegó para sacar a lo alternativo de su agujero y convertirlo en un negocio de las discográficas. De un plumazo, la era del glam metal y new wave ochentero se había acabado.

Ahí es donde se posiciona el disco que hoy os traigo. Dinosaur Jr. no era una banda nueva, llevaban casi una década tocando, pero el escenario había cambiado. Su música estaba de moda. En el momento y en el lugar adecuado, 'Green Mind' estaba destinado a triunfar. Sin embargo, tuvo un éxito moderado y se limitó a ser una banda de culto. A pesar del relativo fracaso del disco, merece la pena dedicarle un rato.

El carácter de Dinosaur Jr. se sustenta sobre todo en Joe Mascis, guitarra y principal vocalista. En algunos momentos, su voz recuerda a la de Neil Young, y con su distorsionadísima guitarra genera un sonido único en el grupo. El álbum tiene un comienzo arrollador con 'The Wagon', un grito de emociones confundidas, un canto desesperado al amor perdido, con un vaivén de melodías poperas arropadas por un kilo de distorsión. Es una canción con prisas, acelerada: para comenzar el disco moviendo la cabeza. Dinosaur Jr. pone el listón muy alto con este temazo a las primeras de cambio.

Después vendrá 'Puke+Cry' y sus guitarras con gancho, su ruido noventero, muy influenciado por lo que sucedía en la escena musical del momento. Cabe señalar como curiosidad que Joe Mascis grabó todas las partes de la canción, lo que muestra que él llevaba en solitario las riendas creativas de la banda.

El tramo que va de 'Blowing It' a 'I Live for that Look' podemos considerarlo un único pasaje. Las letras de estas dos canciones expresan la angustia y la pérdida de sentido de la generación grunge, con ese ''I dont know a thing to say to you'' perfectamente pegado con un guitarrazo a ''I Live for that Look'' del siguiente tema. Luego el álbum baja bastante el ritmo con la más sosegada ''Flying Cloud'', que sirve para dar un poco de calma a la escucha.

De la segunda mitad del álbum destacamos la furiosa 'How'd You Pin That One on Me' y sobre todo 'Muck', una canción que, por decirlo así, sólo se podría haber compuesto en los 90´s. Con un ritmo mucho más colorido, vistoso y alegre, diferente del resto de los cortes del álbum, se convierte en una de las mejores.

En definitiva, Dinosaur Jr., y sobre todo Joe Mascis, nos dieron una gran lección de rock a principio de los 90´s anticipando el sonido noise con melodías pop-rockeras que tan de moda estaría en el futuro. Lo suyo no fue un disco revolucionario como aquellos legendarios 'Nevermind' o 'Ten', pero sin duda el tiempo le ha concedido un lugar entre los grandes.

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Los Temazos: 'The Wagon', 'Blowing It', 'I Live For That Look', 'Muck'

Etiquetas: Alternative Rock, Noise Rock, Grunge.

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ANEXO: Si os ha impactado tanto la portada del disco tanto como me impactó a mi en su dia, aquí teneis la historia detras de la foto...

La fotografia es de Joseph Szabo, un tio que trató de reflejar con sus capturas a la juventud norteamericana de los 60´s, 70´s y 80´s

Los comentarios del fotografo acerca de esta foto:

Priscilla, Jones Beach, 1969
"One of the very first, and one of the best photos I've ever taken at the beach. I spotted her and just got a couple shots off…It all happened so fast, and when I looked back up she was totally gone. One of the members of Dinosaur Jr. had the first book that I did, called me about the photo (which ended up on the cover of the band's 1991 album Green Mind) I'm a terrible business man, and didn't know how to deal with it at all."

The portrait of a little girl grown quickly, cigarette in her mouth and eyes out staring at the empty; a lost innocence and telltale signs of a fragility never condescending. Szabo through his photographic imagery describes, without judging but with the intent to understand and comprehend, the ambivalence of the life of a teenager who tries to become an adult. His images reflect the rituals of the generational transition, the blossoming of sexuality, mild euphoria, disorientation, being part of a parallel universe, fluid and evolving: from a status sexually indeterminate to the progressive awareness of one’s body and emotions .

Aqui podeis ver algunas de sus Fotos.

The Black Keys - Rubber Factory (2004)

2011-08-15T19:07:00.010+02:00

The Black Keys son un dúo de blues-rock que se formo en el 2001 en Ohio. Se tratan de el maestro Dan Auerbach a la guitarra y Patrick Carney en la batería. En el comienzo hacían un blues muy crudo y punkarra que han ido depurando con el paso del tiempo, ya que a día de hoy no suenan para nada igual que diez años. Lo suyo ha sido una evolución constante en su sonido disco a disco. En los 6 álbumes de estudio que tienen editados han pasado de comenzar haciendo un blues primitivo a terminar viéndose muy influenciados por el soul o la psicodelia.

Lo que os traigo hoy es 'Rubber Factory', el que yo considero el mejor de sus discos. Se trata del tercer álbum de su carrera, y ahí ya no suenan tan ruidosos como al comienzo ni tan sofisticados como a día de hoy. Un gran disco hecho con la furia y garra características del Blues. En aquella época el grupo estaba expandiéndose, y poco a poco comenzaba a probar cosas nuevas que no se habían atrevido a intentar en los 2 primeros álbumes. Consiguieron alejarse de los esquemas establecidos a los cuales se habían agarrado al principio, para crear su sonido característico y particular

En definitiva, un disco de blues-rock que no se queda anquilosado en el pasado. A pesar de partir de un patrón tan viejo como el blues, los Black Keys le dan su toque fresco y característico y logran un magnífico álbum.

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Los Temazos: 'When the Lights Go Out', '10 A.M. Automatic', 'Just Couldn’t Tie Me Down', 'Girl is on My Mind', 'Stack Shot Billy'

Etiquetas: Blues-Rock, Punk Blues, Alternative Rock.

Traffic - The Low Spark Of High Heeled Boys (1971)

2011-08-14T18:38:00.007+02:00

Traffic fue una banda que durante los 60´s y 70´s tuvo un concepto muy amplio del rock. Su sonido abarcaba multitud de estilos, desde el jazz y el folk hasta el progresivo, siendo por ese motivo uno de los grupos más singulares que surgieron en dicha época.

Hay que destacar por encima de todos sus componentes a Steve Winwood, el talentoso vocalista de la banda. Había comenzado en el mundillo de la música a la edad de 14 años, siendo el cantante de Spencer Davis Group a mediados de los Sesenta.

Pero a medida que pasó el tiempo, se aburrió de cantar las típicas canciones pop de la época, y decidió que era el momento de expandir sus horizontes musicales. Con Apenas 19 años, en 1967 fundó la banda Traffic con unos cuantos colegas de estudio, y un año después sacaron el álbum homónimo que les dio un par de éxitos.

El sonido por aquella época del grupo, era el blues-rock típico que se hacia en Inglaterra por aquellos días, con mucha influencia del folk y la psicodelia. Después de los éxitos logrados, Traffic se disolvió a causa de las tensiones internas con algunos miembros.

En 1969, Steve Winwood se convirtió en el vocalista de la nueva banda de Eric Clapton, que acababa de dejar Cream. Blind Faith, que así se llamaban, apenas estuvieron un año juntos, el tiempo suficiente para publicar un disco. Con el virtuosismo de Clapton a la guitarra, apoyado por el bajo de Ginger Baker y la soberbia voz de Steve Winwood, sacaron un álbum que marcó el punto y final a los Sesenta, quedándose como una pequeña gran joya de la década. Después de la experiencia en Blind Faith, Steve Winwood volvió a unir a los Traffic, y posteriormente, en el 1971 sacaron uno de sus mejores discos: ‘The Low Spark Of High Heeled Boys'.

Se trata de un álbum con una gran influencia del Jazz. En una época donde el sonido rock estaba dominado por la fiereza de la guitarra eléctrica, Traffic buscó otra aproximación con otro tipo de instrumentos, como la flauta, la percusión manual o el Saxo. Aquella forma de trabajar derivó en canciones más largas, con espacio para que sus integrantes improvisaran como si de una banda de jazz se tratara pero con una estructura rock.

El disco apenas lo componen 6 temas, con algunas progresiones más largas, donde dieron rienda suelta a su improvisación jazz y otros temas de rock más al estilo clásico. El álbum comienza tranquila y muy suavemente con 'Hidden Treasure', una canción que nos da una idea del talento musical de Steve Winwood y su gran voz. Un tema suave que sirve de introducción perfecta.

Luego vendrá la magnifica 'The Low Spark of High Heeled Boys', un tema de 11 minutos duración, con una mezcla perfecta de sonidos jazz y prog rock.

El tema comienza con un inconfundible solo de saxofón, que sirve de base para que después Winwood entre en escena, apenas susurrando la letra. Después vendrá el estribillo y la entrada del piano en la canción, donde el tema coge velocidad. El mismo bucle se repetirá un par de veces durante el resto de la canción, pero ganando cada vez más fuerza y explotando al final con gran maestría después de una parte instrumental muy bien ejecutada.

'Rock & Roll Stew' es una canción de blues-rock clásica, mucho menos experimental que las 2 primeras y con sabor. No altera el toque tranquilo y sosegado que viene habiendo durante todo el álbum, pero aun así tiene garra y clase, muy bien comandada por la voz de Steve. Un Temazo. Tambien destacamos, en el ultimo tramo del disco el temita 'Light Up or Leave Me Alone', una canción de amor desesperada, hecha con muy buen gusto, donde la guitarra eléctrica cobra protagonismo. Steve Winwood lo borda cantando y consigue una de las mejores canciones del grupo.

En definitiva, un disco fresco y relajado, con algunos tramos jazz y otros rock, creándose una fusión cojonuda. Altamente Recomendable.

BAJATELO

Los Temazos: The Low Spark Of High Heeled Boys, Rock & Roll Stew, Light Up Or Leave Me Alone

Etiquetas: Rock Progresivo, Blues-Rock, Jazz-Rock

Band Of Horses - Infinite Arms (2010)

2011-08-12T18:42:00.019+02:00

Infinite Arms es el tercer álbum de la banda de Seattle Band of Horses. Lo suyo es un indie rock con mucha influencia del folk y el rock de raíces. Hace 5 años se ganaron el favor del público y el aprecio de la crítica con el álbum Everything all the Time, que incluía aquella canción llamada 'The Funeral'. Luego en su segundo disco siguieron la misma línea que en su debut y lanzaron Cease to Begin con un par de canciones de mucho éxito como 'Is there a Ghost' o 'No One´s Gonna Love You'

Yo he decidido traeros el tercero, que considero el mejor. A pesar de que los dos primeros discos eran bastante buenos, Infinite Arms los supera. En el principio estuvieron ligados a la discográfica SubPop, una de las compañías de las bandas indie por excelencia, y eso influyó bastante en el sonido de sus dos primeros álbumes. Para 'Infinite Arms' cambiaron de discográfica y tuvieron mayor libertad creativa.

Nos encontramos un disco con menos toque indie y más espíritu folk. Desde el momento en que escuchamos 'Factory', notamos que ha cambiado mucho esta banda después de girar 2 años por todo el mundo, y patearse de punta a punta toda América. Al parecer, en ese tiempo en la carretera han conocido ese espíritu y ese sonido Americano, a los discos de Neil Young y James Taylor. Se han empapado de ese espíritu, aplicándole un barniz rústico a sus canciones, sonando más auténticos que nunca.

Después suena 'Compliments', un tema inspirado, movido, tocado y cantado con mucha alma. Cuando escuchas lo de...

''If there's a God up in the air

Someone looking over everyone

At least you've got something to fall back on

And what do people really hope?

Does anybody even care?

I bet you get a lot of compliments down there''

... Sientes el sabor de la Norteamerica profunda. Rock de raíces que se remonta a muchos años atrás, cuando la música no estaba contaminada por el lucro y el ánimo de éxito.

Se trata de un disco ambicioso, que mantiene el nivel durante todo el metraje. 'Laredo' es una canción alegre, con un toque más rockero, pero cantada con la clase inconfundible de Ben Bridwell. 'Blue Beard' es un temita más reflexivo, perfecta para soñar despierto y ver las estrellas, las mismas que figuran con tanto acierto en la portada del álbum. El estribillo que se marcan al final es sencillamente acojonante, una delicia. 'On my way back home' y ' Infinite Arms' siguen por los mismos derroteros, haciendo un sonido redondo, perfecto, con los instrumentos acompañando simplemente para que la voz lleve el peso del tema.

Después llega 'Dilly' para abrir el segundo tramo del álbum. Es una cancioncita más animada, típica del sonido indie de sus comienzos, que me recuerda mucho a Nada Surf y su pop dulzón.

Otro de los temazos absolutos es 'Evening Kitchen'. Para mi es imposible que se pueda cantar con más alma que la que se deja el cantante en esta canción. Una guitarra acústica simplemente acompañando a la voz, con una melodía simple, que casi te susurra al oído y una letra desgarradora. 'Older' y 'Northwest Apartament' tienen el inconfundible sonido de sus 2 primeros álbumes, lo que nos hace pensar que son canciones de relleno, pero son decentes y salvan el tipo. En definitiva, Band Of Horses nos traen un disco para soñar con los ojos abiertos. Disfrutadlo.

BAJATELO Pass: (bandofhorses)

Los Temazos: ‘Compliments’, 'Laredo', 'Blue Beard', 'Dilly', 'Evening Kitchen'

Etiquetas: Indie, Alternative Rock, Folk, Americana.

Montrose - Montrose (1973)

2011-08-11T20:48:00.010+02:00

Montrose fue una banda de hard rock de la primera mitad de los Setenta que se atrevió a rivalizar con los pesos pesados británicos de la época, véase Led Zeppelin o Deep Purple. Pero su sonido distaba mucho de aquellas bandas, más bien tenían un estilo similar a Grand Funk Railroad por ejemplo.

Lo suyo era hacer un hard rock sin preocupaciones ni misticismos británicos. En aquella época había millones de bandas de rock, pero pocas tenían la frescura y eran tan directas como Montrose. Desde la primera escucha te capturan, y no se andan con florituras progresivas ni largas pausas en las canciones para crear ambiente. Temas cortos e intensos. Puro sonido setentero. Podríamos resumirlos como una mezcla de hard rock de la época con un toque metal antes incluso de que la propia etiqueta 'heavy metal' se inventara.

Suyos son muchos de los himnos de la juventud de la época. Puede que para la mayoría de los chavales de la época su canción favorita fuese 'Stairway to Heaven' o 'Smoke on the Water', pero los auténticos tipos duros escuchaban a Montrose. Antes de que el punk explotara y el heavy se expandiera a finales de la década, estos eran los sonidos más fuertes que había.

Las letras no tienen mucho misterio, canciones bastante simples que no hablaban más que de divertirse, desfasar y rockear. La grandeza de esta banda esta en el sonido que lograron y de los temazos que tuvieron. 'Rock the Nation', 'Space Station #5'... da igual por que todas son buenas.

Hay que destacar la influencia de Montrose sobre todas las bandas que explotaron a finales de los 70 en la zona de California, como es el caso de Van Halen. De hecho, el vocalista de Montrose, Sammy Haggar, entró como cantante de esa banda en el 85'. También es reconocible la influencia en la revolución punk y new wave en el Oeste de USA a finales de los 70´s/Principios de los 80´s , donde muchas de ellas, al comienzo se basaban en los grupos de la generación anterior como Montrose.

En definitiva, hard rock para olvidarse de las preocupaciones y limitarse solo a subir el volumen para apreciar la fuerza y garra de Montrose. 1973 fue un gran año en California.

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Temazos: 'Rock The Nation', 'Bad Motor Scooter', 'Space Station #5', 'Good Rockin' Tonight'

Etiquetas: Hard Rock

The Flying Burrito Brothers - The Gilded Palace of Sin (1969)

2011-08-10T16:45:00.011+02:00

Si, el nombre es bastante ridículo. Las pintas que llevaban también eran bastante ridículas, pero durante algún tiempo fueron una gran banda de country. Todo el merito de este grupo tenemos que dárselo a Gram Parsons, que podríamos considerarlo responsable de revitalizar el country y darle un lavado de cara, adaptándolo a las nuevas corrientes musicales que surgían a finales de los 60. Ellos crearon el country rock. Los Flying Burrito Brothers junto a Gram Parsons apenas grabaron un par de álbumes, de gran influencia para expandir este sonido. En su día apenas vendían discos, pero grupos como los Rolling Stones y Bob Dylan les adoraban.

De hecho, cuando en el 71' dejó la banda, pasó largos periodos de tiempo en el estudio ensayando (y drogándose) con los Rolling Stones, asistiendo y colaborando en la grabación de 'Exile on Main St.' Este es considerado uno de los mejores discos de los Stones, y la influencia de Gram Parsons estaba muy presente, ya que Keith Richards y él eran buenos amigos y habían estado tocando largo tiempo juntos.

Es por ello que hay que apreciar el disco debut de los Burritos. En es el mejor álbum que se haya hecho que mezcle rock y country con tanta perfección. Se trataba de un estilo en su versión más primitiva, antes de que ese sonido se volviera más guitarrero por las bandas que siguieron. Es por ello que hay que echarle un ojo.

Destacamos del disco 'Christine´s Tune', una canción que de manera un tanto cómica habla de las mujeres peligrosas que se cruza uno por la vida. Se trata del tema más movidito y uno de sus mayores éxitos. El sonido que desprende es country clásico, pero donde se nota que el estilo estaba cambiando y adaptándose a su tiempo. El resto de temas son más pausados, como es el caso de 'Sin City', donde la canción habla de los peligros que tiene la ciudad para un buen cristiano véase: el juego, mujeres, alcohol... Ya no sabes si la letra iba en serio o si lo estaban diciendo en broma, pero eso no quita que sea un buen tema, liderado sin duda por la voz de Gram Parsons y muy bien acompañado por su banda.

Y por ultimo, en el tramo final del álbum están las 2 de 'Hot Burrito', una de ellas es una balada country cantada con mucho sentimiento, que habla de amores perdidos y corazones rotos, donde Gram se luce. La otra, la Nº 2 es mucho más animada, con influencias del Soul, donde se ve otra actitud menos acaramelada del grupo.

En definitiva, un buen álbum para conocer de que iba el Country Rock en su día y para apreciar el talento infinito de Gram Parsons.

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LOS TEMAZOS: Christine's Tune, Sin City, Dark End of the Street, Hot Burrito No. 1 y Hot Burrito No. 2

ETIQUETAS: Country-Rock

Tame Impala - Innerspeaker (2010)

2011-08-10T00:06:00.014+02:00

Hoy os traigo una joyita psicodélica para que alucinéis un rato. Estos chavales se llaman Tame Impala y vienen desde Australia. Su disco debut es toda una experiencia sónica: Un chute de LSD para los oídos, una dosis de THC directa a tu cerebro. Bueno, vale, puede que me este pasando, pero tengo parte de razón. Este álbum que os traigo hoy bebe directamente de las fuentes de finales de los 60´s, cuando explotó el sonido psicodélico en el verano del amor. Es por ello que si tu mayor influencia son los Grateful Dead, Jefferson Airplane y Jimi Hendrix nada malo puede salir.

Es un disco muy simple, con unas melodías muy sencillas y unos riffs suaves. Para ser un disco de debut, se nota que han pasado bastante tiempo produciéndolos, ya que han sacado un sonido muy limpio y alegre. El álbum va flotando de canción en canción, muy bien apoyadas en las voces de Kevin Parker, que recuerda muchísimo a la voz de Jhon Lennon. Todos estos detalles hace que parezca un disco de 1968, y esto es un merito hoy en día.

Pero tampoco hay que considerarlo como atascado en el pasado, ya que se pueden intuir ciertos toques y avances de los estilos y tendencias musicales más actuales. En las guitarras, en algunos momentos muy sutiles se pueden adivinar pinceladas grunge o incluso stoner. Se puede notar la distorsión que hace que las canciones no queden demasiado edulcoradas y pegajosas.

El álbum tiene una primera mitad arrolladora, y luego se desinfla un poco pero sin desmerecerse. Destacamos 'Desires Be Desires Go' con esos toques grunge en las guitarras y esas melodías poperas, y sobre todo 'Solitude is Bliss' la estrella indiscutible del disco para mi. Me encanta la letra, de las más logradas de todo el álbum, y con un ritmillo que tiene sabor funky. También podemos destacar 'Expectation', una de sus canciones más agresivas. Aquí si se nota más claramente el sabor stoner. El riff del final podía haberlo firmado Nebula o Queens of Stone Age y nadie se hubiera dado cuenta. La verdad es que me encantaría que siguiesen esta senda de mezclar guitarras afiladas y melodías pop, pero creo que tirarán en el futuro más hacia el estilo Beatles que a los ambientes desérticos. Tampoco me quejo, ya que lo que hacen lo hacen bien. En definitiva, un álbum para dejar volar a los sentidos. Muy recomendable.

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Los Temazos: 'It is not meant to Be', 'Desire Be Desire Go', 'Lucidity', 'Solitude is Bliss', 'Expectation'

Etiquetas: Indie-Rock, Psicodelia

Klaxons - Surfing the Void (2010)

2011-08-09T16:52:00.019+02:00

Es difícil definir a un grupo como Klaxons. Son una banda extraña que en 2007 sorprendió al mundo con 'Myths of Near Future' y su Golden Skanks. Se trataba de un álbum debut que los propios integrantes de la banda llamaban como new-rave. Puede que ahí se lo fliparan un poco tratando de sacarse de la manga un nuevo estilo, pero la cosa no estaba mucho más lejos de la realidad. Se trataba de un dance-punk muy inspirado en los sonidos del Madchester de principios de los 90 (Happy Mondays, New Order) pero sin perder el toque brit pop.

Al final todo quedó en palabrería. Su disco debut resultó novedoso y sorprendente pero tampoco fue algo revolucionario. Se quedó como un disco de rock ruidoso con mucha influencia electrónica.

Posteriormente, tres años después nos llegaría este 'Surfing the Void', un álbum quizás más complejo y abrupto que el anterior pero que resulta un paso adelante para la banda. El grupo no se queda estancado en los sonidos de su debut y busca ir mas allá con nuevos horizontes. Se trata de un rock con un toque futurista, pero no por ello sofisticado, ya que en algunos cortes suenan agresivos y sucios como en el debut. En cambio, en otras canciones, como 'Echoes' o 'Venusia' buscan dotarse de un toque elegante y accesible para el publico general. Me recuerdan un poco a Muse, por esos momentos en los que logran ponerse épicos y espaciales, pero salvando las distancias.

El tema en el que hay que fijarse desde el comienzo es 'Echoes', el single por excelencia del Klaxons. Si en el primer álbum consiguieron el éxito gracias a 'Golden Skanks', esta vez el que dio en el clavo de las radioformulas fue 'Echoes', una canción que pega muy bien para la MTV. Suena bonita y esta bien hecha con esos coros alegres en el estribillo y sonido pegajoso.

Luego en el resto del álbum se volverán mas complejos y oscuros, pero en ningún momento alcanzaran el nivel del temazo de 'Echoes', para mi una de las mejores canciones de 2010. Puede que en las primeras escuchas decepcione, pero con el tiempo gana.

Destacamos también 'Venusia' y 'Twin Flames' con ese estilo a lo Muse, pero dándole otro enfoque mas inquietante y misterioso. Gustan mucho también 'Flashover', una canción mas agresiva, con un riff mas fuerte y voz distorsionada, mucho mas cerca del sonido de su primer álbum. En definitiva, disco recomendable para los que buscan sonidos nuevos

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Los Temazos: Echoes, The Same Space, Venusia, Twin Flames, Flashover.

Etiquetas: Indie-Rock.

Black Mountain - In the Future (2008)

2011-08-09T16:40:00.020+02:00

Vamos con otro Revival del sonido Setentero del nuevo Milenio. Lo cierto es que me encantan esos grupos que reinterpretan el sonido de hace 30-40 años y le dan su toque particular. Black Mountain es uno de esos grupos donde se pueden ver rápidamente de que palo van. Es una banda capaz de hacer una mezcla de riffs pesados a lo Black Sabbath y en la canción siguiente darte en la cara con un tema tranquilito del estilo neo-folkie. También les gusta ponerse en algunos temas progresivos y espaciales como si se creyeran los jodidos Pink Floyd, como en la canción 'Tyrants'. Pero da igual la carta a la que jueguen Black Mountain en cualquier canción, por que todo se le da bien, y lo demuestran perfectamente en 'In the Future'.

El álbum empieza con 'Stormy High', un tema que se inicia con un riffazo pesado y alaridos vocales tratando de emular el estilo de Robert Plant. El tema es, que Black Mountain tiene 2 cantantes: un hombre y una mujer. Y ese es uno de los aciertos, ya que se saben combinar perfectamente según las exigencias de cada tema. En este 'Stormy High' la voz masculina tiene más presencia y la chica acompaña perfectamente en esta gran canción que va marcando el tempo de lo que vendrá en el resto del disco. Rock pesado para abrir boca.

Luego viene la otra cara del grupo, con un tema tranquilo como 'Angels', que se maneja con un tempo suave, con mucha influencia de esos grupos y artistas que hacían folk a finales de los 60´s y comienzos de los 70´s, pero sin perder el toque característico de Black Mountain.

Después viene, el que para mi es uno de los temazos del grupo sin discusión: 'Tyrants'. Pienso que es una obra maestra, ya que combina perfectamente el sonido pesado y el tempo de los Progresivos en un viaje sónico que conseguirá hacerte alucinar. El temita empieza fuerte, marcándose un riff poderoso para comenzar, y de repente, baja la intensidad, hasta casi quedarse en silencio. Después entra la voz, con apenas carga instrumental, para ir poco a poco escalando hacia el clímax sonoro. A partir del minuto 3, donde aparece la voz de la chica, la canción va subiendo el ritmo hasta explotar poco después. En el ultimo tercio vuelven los ritmos pesados a lo Black Sabbath, y cuando parece que la canción se va a acabar, Black Mountain sube la apuesta, y manteniendo el tipo consiguen revolverte de nuevo el estómago, enviándote al espacio con la atmósfera que han logrado generar a lo largo de todo el tema. Te llevan hacia la otra punta del universo para después dejarte de nuevo en casa, al término de la canción, con un ritmo tranquilito. Un temazo con todas las de la ley.

Algo parecido tratan de conseguir con la canción kilométrica de 16 minutos 'Bright Lights', que tiene puntos de mucha fuerza, pero al final, al ser tan larga se deshace y pierde fuelle. Estoy seguro que a día de hoy, en directo han conseguido que ese tema tenga mucha mas garra que la que se puede vislumbrar en el álbum.

El resto del álbum sigue más o menos de la misma manera, con tramos imitando los riffs heavys de comienzos de los 70 y con otros momentos más folks o indies, sin olvidarse de mantener el tempo progresivo. Se destaca también en el álbum la cancioncita 'Stay Free'. Es totalmente opuesta de 'Tyrants' por ejemplo, y ahí radica la magia de Black Mountain, que saben hacer canciones complejas y abruptas, pero también saben ponerse sentimentaloides y regalarnos una baladita muy simplona pero efectiva, que es un gran acierto.

En definitiva, un gran disco, que merece la pena dedicarle un par de escuchas atentamente para exprimirle todo su jugo. Una amalgama muy bien construida de varios estilos, que en principio pueden parecer contrapuestos pero al final resultan bastante bien equilibrados.

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Los Temazos: 'Stormy High', 'Tyrants', 'Stay Free'.

Etiquetas: Prog-Rock, Alternative Rock, Folk, Hard-Rock.

The Jesus And Mary Chain - Automatic (1989)

2011-08-09T16:30:00.016+02:00

Detrás de este nombre tan siniestro se esconde una grandísima banda. Jesus and Mary Chain revolucionaron en el 85' con su 'Psychocandy' el panorama musical del momento, ya que no sonaban como nada parecido hasta la fecha. Con una mezcla entre melodías Pop y ensordecedores directos al más puro estilo punk dieron un bofetón enorme a todas esas bandas que copaban las listas en aquellas épocas, véase Duran Duran o Spandau Ballet. El sonido new wave y synthpop estaba contaminando las almas de los oyentes y era necesario destruir todo aquel sonido prefabricado con sintetizadores a base de ruido. Y los Jesus lo lograron. A base de melodías pop y toneladas de ruido dieron forma al shoegaze.

Sus primeros directos eran un autentico desfase, se trataban de conciertos de 20 minutos, de espaldas al publico con toneladas de distorsiones y ecos, que generalmente acababan en la destrucción del equipo y el escenario por parte de la banda y los fans. Esa fue la época en la cual sacaron su obra maestra: Psychocandy. En una época en la que todo el sonido era prefabricado, the jesus and mary chain, lo volvieron a su estado más primitivo y ruidoso, como el del primer rock and roll de los 50´s.

Hoy hablaremos de la época que siguió, 4 años después de su primer éxito, con el disco Automatic. Aquí, la banda en este momento no tenía batería oficial. Anteriormente, el batería había sido Bobby Gillespie, el que posteriormente seria el creador de Primal Scream. Por lo tanto, la banda en ese momento estaba únicamente compuesta por los hermanos Reid. Al no tener batería, decidieron usar baterías sampleadas en un teclado. Para mucha gente de la crítica le pareció una cutrez, pero yo considero que aquello le dio a la percusión un sonido hueco y que pega muy bien para la temática del disco.

El Automatic es un álbum más agresivo. Ya no estamos hablando de esas melodías pop con toneladas de ruido del 85, ahora el grupo estaba en su momento más rockero. Las canciones eran mucho más directas, contundentes y bailables. Exceptuando la canción inicial 'Here comes Alice', que es introductoria, el resto del álbum son casi todos trallazos directos. Desde 'Coast to Coast' hasta 'Head On' el disco va a todo trapo con melodías rockeras y canciones rápidas. Ya no queda nada de la pomposidad pop del pasado, los hermanos Reid van al grano.

Quizás el 'Psycocandy' les puso en el mapa, y para los expertos sea su mejor obra. Eso puede que sea cierto, pero yo prefiero más el enfoque del Automatic, mucho más de mi gusto, más furioso y rabioso.

El temazo absoluto del disco es 'Blues from a Gun', donde adoro el toque que lleva esa batería sampleada, y sobre todo esos riffs oscuros, que te hacen moverte.... pero sobre todo la letra, con joyitas al estilo de...

''Dreams of escape keep me awake

I'm never gonna get out and make it away

I'm a stone dead tripper

Dying in a fantasy''

''I don't mind about the state of my mind

But you know it's good for nothing

And I left you behind

It's a sick sick city

But it's never gonna make me insane''

Letras afiladas, deprimentes, pero también con ese puntito de ironía propio de los británicos. Es un disco que te da las dos caras, tiene la actitud agresiva, las melodías pegajosas, y a su vez los Jesus and Mary Chain nos venden su idea triste del mundo y de la vida: De que estoy depre y embajonado, pero que no por eso voy a dejar de hacer rock.

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Los Temazos: 'Coast to Coast','Blues From a Gun', 'Between Plantets', 'Her Way of Praying', 'Head On'

Etiquetas: Shoegaze, Alternative Rock, Noise-Pop, Post-Punk.

Radio Moscow - Radio Moscow (2007)

2011-08-09T16:23:00.007+02:00

Sobran las palabras para describir este disco. Radio Moscow es un power trío a la antigua usanza, de unos chavales que se han hartado toda la vida de escuchar los discos de sus padres y querían montar una banda al estilo de las de la epoca. Blues y hard rock de manual adaptada al nuevo milenio. Es un revival del sonido duro de los 70 pero con mucha personalidad. Merece la pena darles una oída.

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Los Temazos: 'Frustrating Sound', 'Luckydutch', 'Mistreting Queen', 'Timebomb'.

Etiquetas: Blues Rock, Garage Rock.

Black Rebel Motorcycle Club - Howl (2005)

2011-08-09T16:19:00.015+02:00

Uno de mis discos favoritos de esta década por parte de una de las mejores bandas que ha surgido en este nuevo milenio. Lo curioso de este álbum es que no suena revolucionario, más bien habría que decir que suena retro, como pasado de moda. Ahí esta su grandeza.

BRMC son un grupo de contrastes, y cada álbum tiene un toque diferente. En este caso este es un disco homenaje al sonido tradicional americano, al rock que surgió en América, me refiero al blues, al country, el rock de raíces... Algo raro para el 2005, y algo raro para una supuesta banda de modernos que había basado su sonido de los álbumes anteriores en grupos de shoegaze británicos como los Jesus And Mary Chain. Pero en 2005 todo cambió, y dieron un giro a su sonido, ampliando sus horizontes en nuevos estilos que han influido sus discos siguientes. Después de que les echaran de su discográfica, y tuvieron movidas variadas con su batería, el grupo tenia mucho resentimiento dentro de si, y las escupieron en este discazo.

Desde el momento que suena 'Shuffle your feet' ya notas que hay sentimiento en este disco y en el momento en el que llegas a 'Complicated Situation' terminas de darte cuenta de que es un disco enorme. Me encanta el vocalista en canciones como 'Howl' con su voz rasgada, y después la guitarra chirría, muy suave y bajito, como si quisiera pasar desapercibida, dejando todo el poder de la canción a la voz. Después esta ese órgano que le da el toque épico y dramático. Todo ello unido con una letra que habla de desesperación y frustración y una melodía muy dulce al final del tema. Una de las mejores del disco. 'Shuffle your feet', da lo que promete en el titulo: Puro country con guitarra, armónica y percusión, lo justo para dar palmas y mover los pies al ritmo.

'Aint no easy way' es la más animadita del disco, recuerda a la época de la fiebre del oro, de vaqueros y bandidos, de tragos de whisky y partidas de poker. Es un gran acierto en todo momento el uso de la armónica en algunos tramos del álbum, que le da ese toque retro, pero a su vez el toque moderno de las guitarras, que se acompasan muy bien con esos riffs shoegaze en algunas canciones. Encontraremos melodías y letras preciosas en canciones como 'Still suspicious Holds you Thight' o 'Weight of the World'. Al final del disco están 'Complicated Situation' y 'Sympathetic Noose', grandísimos canciones que pueden pasar desapercibidas en principio, con toques que recuerdan a Bob Dylan. En conjunto, canciones que hablan de Fe, del Pecado, de Dios, de Perdón, con una gran carga sentimental, buenas melodías y grandioso sonido. BRMC encontró su salvación con este album.

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Los Temazos: 'Shuffle your Feet', 'Howl', 'Aint no Easy Way', 'Weight of the World', 'Complicated Situation'.

Etiquetas: Rock Alternativo, Rock Tradicional, Americana.